Sergei Mihhailovitš Slonimski |

Sergei Slonimski

Ainult tema väärib pärimist Kes saab pärandit elule rakendada. JW Goethe, "Faust"

Ta on tõepoolest üks neist vähestest kaasaegsetest heliloojatest, keda peetakse alati traditsioonide jätkajaks. Kelle oma? Tavaliselt kutsutakse M. Mussorgskiks ja S. Prokofjeviks. Mitte vähem kindlalt Slonimsky kohta antud hinnangutes rõhutatakse ka vastupidist: muusika eredat individuaalsust, meeldejäävust ja kerget äratundmist. Toetumine traditsioonidele ja Slonimsky enda “mina” ei välista üksteist. Kuid nende kahe vastandi ühtsusele lisandub veel kolmas – oskus luua usaldusväärselt erinevate aegade ja rahvaste muusikastiilides, olgu tegemist revolutsioonieelse aja vene külaga ooperis Virineja (1967, põhinev L. Seifullina lugu) või vana Šotimaa ooperis Mary Stuart (1980), mis hämmastas oma läbitungimissügavusega isegi Šoti kuulajaid. Sama autentsuse kvaliteet peitub ka tema “iidsetes” kompositsioonides: ballett “Ikarus” (1971); vokaalpalad “Laulude laul” (1975), “Hüvastijätt sõbraga kõrbes” (1966), “Monoloogid” (1967); ooper "Meister ja Margarita" (1972, Uue Testamendi stseenid). Samal ajal stiliseerib autor antiikaja, ühendades folkloori muusikalised põhimõtted, XNUMX sajandi uusimad kompositsioonitehnikad. oma isikupäraga. "Slonimskil on ilmselt see eriline anne, mis eristab ühte heliloojat paljudest: oskus rääkida erinevaid muusikakeeli ja samal ajal tema teostel peituv isikupärase kvaliteedi pitser," usub Ameerika kriitik.

Paljude teoste autor Slonimsky on igas uues ettearvamatu. Pärast kantaati “Vabameeste laulud” (1959, rahvatekstidel), milles vene folkloori hämmastav teostus võimaldas rääkida Slonimskist kui ühest “uue folkloorilaine” inspireerijast, ilmus sooloviiulisonaat. – ülimalt kaasaegse väljenduse ja keerukusega oopus. Pärast kammerooperit "Meister ja Margarita" ilmus Kontsert kolmele elektrikitarrile, soolopillidele ja sümfooniaorkestrile (1973) – kõige originaalsem süntees kahest muusikalise mõtlemise žanrist ja vormist: rokist ja sümfooniast. Selline amplituud ja helilooja kujundlike ja süžeeliste huvide järsk muutus šokeeris paljusid, jätmata selgeks: mis on tõeline Slonimsky? “...Mõnikord saavad tema fännidest pärast järgmist uut teost tema “eitajad” ja viimastest saavad fännid. Konstantseks jääb vaid üks: tema muusika äratab kuulajates alati huvi, selle üle mõeldakse ja vaieldakse. Tasapisi avaldus Slonimski eri stiilide lahutamatu ühtsus, näiteks oskus anda isegi dodekafooniale folkloorimelodele iseloomulikke jooni. Selgus, et folkloorile on omased sellised üliuudsed võtted nagu tempereerimata süsteemi kasutamine (kolmanda- ja veerandtoonilised intonatsioonid), vabad improvisatsioonilised rütmid ilma rahutusteta. Ja tema harmoonia hoolikas uurimine paljastas, kuidas autor kasutab omapäraselt iidse harmoonia ja rahvapärase polüfoonia põhimõtteid koos romantilise ja kaasaegse harmoonia vahendite arsenaliga. Seetõttu lõi ta igas oma üheksas sümfoonias teatud muusikalised draamad, mida sageli ühendavad kujundid – põhiideede kandjad, personifitseerides hea ja kurja erinevaid ilminguid ja vorme. Sama eredalt, rikkalikult, sümfooniliselt avalduvad tema kõigi nelja muusikalise lavateose – balleti ja kolme ooperi – süžeed täpselt muusikas. See on üks peamisi põhjusi esinejate ja kuulajate jätkuvale huvile Slonimski muusika vastu, mis kõlab laialt NSV Liidus ja välismaal.

1932. aastal Leningradis, väljapaistva nõukogude kirjaniku M. Slonimski perekonnas sündinud tulevane helilooja pärandas vene demokraatliku loomeintelligentsi vaimsed traditsioonid. Varasest lapsepõlvest mäletab ta isa lähedasi sõpru: E. Švartsi, M. Zoštšenkot, K. Fedinit, jutte M. Gorkist, A. Grinist, pingelise, raske, dramaatilise kirjanikuelu õhkkonda. Kõik see avardas kiiresti lapse sisemaailma, õpetas vaatama maailma kirjaniku, kunstniku silmade läbi. Terav vaatlus, analüütilisus, selgus nähtuste, inimeste, tegude hindamisel – temas arenes järk-järgult välja dramaatiline mõtlemine.

Slonimski muusikaline haridustee algas sõjaeelsetel aastatel Leningradis, jätkus sõja ajal Permis ja Moskvas Kesklinna Muusikakoolis; lõpetas Leningradis – kümneaastases koolis, konservatooriumis kompositsiooni- (1955) ja klaveriteaduskonnas (1958) ning lõpuks aspirantuuris – muusikateooria erialal (1958). Slonimski õpetajatest on B. Arapov, I. Sherman, V. Šebalin, O. Messner, O. Evlahhov (kompositsioon). Lapsepõlvest alates ilmnenud kalduvus improvisatsioonile, armastus muusikateatri vastu, kirg S. Prokofjevi, D. Šostakovitši, M. Mussorgski vastu määras suuresti tulevase helilooja loomingulise kuvandi. Kuulnud sõja-aastatel Permis, kus Kirovi teater evakueeriti, ohtralt klassikalisi oopereid, improviseeris noor Slonimski terveid ooperistseene, komponeeris näidendeid ja sonaate. Ja ilmselt oli ta hinges uhke, kuigi teda ärritas see, et selline muusik nagu teatri toonane peadirigent A. Pazovski ei uskunud, et kümneaastane Sergei Slonimski kirjutas ise Lermontovi värssidele romaani. .

1943. aastal ostis Slonimski ühest Moskva pudupoest Mtsenski rajooni ooperi Lady Macbeth klaveri – Šostakovitši keelatud teos läks vanarauaks. Ooper õpiti pähe ja kesklinna muusikakooli vaheajad kuulutati õpetajate hämmeldunud ja taunivate pilkude all “Laksuvaateks”. Slonimsky muusikaline väljavaade kasvas kiiresti, maailmamuusika imendus žanri kaupa, stiil stiili haaval. Seda kohutavam oli noore muusiku jaoks aasta 1948, mis ahendas moodsa muusika maailma “formalismi” seintega piiratud ruumini. Nagu kõik selle põlvkonna muusikud, kes õppisid pärast 1948. aastat konservatooriumis, kasvatati teda ainult klassikalistel päranditel. Alles pärast NLKP XNUMX. kongressi algas XNUMX. sajandi muusikakultuuri sügav ja eelarvamusteta uurimine. Moskva Leningradi helilooja noored tegid kaotatud aega intensiivselt tasa. Koos L. Prigogine, E. Denisov, A. Schnittke. S. Gubaidulina, nad õppisid üksteiselt.

Samal ajal sai Slonimski jaoks tähtsaimaks koolkonnaks vene folkloor. Paljud folklooriekspeditsioonid – autori sõnade kohaselt „terve folkloori konservatoorium“ – ei peetud mitte ainult laulu, vaid ka rahvaliku iseloomu, vene küla viisi mõistmisel. Slonimski põhimõtteline kunstipositsioon nõudis aga kaasaegse linnafolkloori tundlikku kuulamist. Nii sisenesid tema muusikasse orgaaniliselt 60ndate turisti- ja bardilaulude intonatsioonid. Kantaat “Voice from the Chorus” (A. Bloki tn., 1964) on esimene katse ühendada kauged stiilid ühtseks kunstiliseks tervikuks, mida A. Schnittke defineeris hiljem kui “polüstilistikat”.

Kaasaegse kunstilise mõtlemise kujundas Slonimsky lapsepõlvest. Kuid 50ndate lõpp ja 60ndate algus olid eriti olulised. Suheldes palju Leningradi poeetide E. Reinu, G. Gerbovski, I. Brodskiga, näitlejatega M. Kozakov, S. Jurski, leninlase V. Loginovi, filmirežissöör G. Polokaga, kasvas Slonimski säravate annete tähtkujus. See ühendab suurepäraselt küpsuse ja pahandused, tagasihoidlikkuse, täpsuse saavutamise ja julguse, aktiivse elupositsiooni. Tema teravad, ausad sõnavõtud on alati lõplikud, neid toetab õiglustunne ja suur eruditsioon. Sergei Slonimski huumor on torkiv, täpne, kleepuv nagu hästi sihitud rahvafraas.

Slonimsky pole ainult helilooja ja pianist. Ta on särav, kõige kunstilisem improvisaator, suur muusikateadlane (raamatu “S. Prokofjevi sümfoonia”, artiklite autor R. Schumannist, G. Mahlerist, I. Stravinskist, D. Šostakovitšist, M. Mussorgskist, N. Rimski-Korsakov, M. Balakirev, teravad ja poleemilised sõnavõtud kaasaegse muusikalise loovuse kohta). Ta on ka õpetaja – Leningradi konservatooriumi professor, tegelikult terve kooli looja. Tema õpilastest: V. Kobekin, A. Zatin, A. Mrevlov – kokku üle 30 Heliloojate Liidu liikme, sealhulgas muusikateadlased. Muusika- ja ühiskonnategelane, kes hoolib mälestuse jäädvustamisest ja M. Mussorgski, V. Štšerbatšovi, isegi R. Schumanni, teenimatult unustatud teoste esitamisest, on Slonimski üks autoriteetsemaid kaasaegseid nõukogude muusikuid.

M. Rytsareva