Rodion Konstantinovitš Štšedrin |

Rodion Štšedrin

Oh, ole meie hoidja, päästja, muusika! Ära jäta meid! äratage meie kauplevaid hingi sagedamini! löö oma helidega teravamalt meie uinuvatele meeltele! Agiteerige, rebige need laiali ja ajage minema, kasvõi hetkeks, see külmalt kohutav egoism, mis püüab meie maailma vallutada! N. Gogol. Artiklist “Skulptuur, maal ja muusika”

1984. aasta kevadel tuli ühel II Rahvusvahelise Muusikafestivali kontserdil Moskvas esiettekandele R. Štšedrini variatsioonid „Autoportree“ suurele sümfooniaorkestrile. Äsja oma viiekümnenda sünnipäeva künnise ületanud muusiku uus koosseis põletas üht läbitorkava emotsionaalse väljaütlemisega, teisi elevil teema ajakirjanduslik paljasus, mõtete ülim kontsentratsioon iseenda saatusest. On tõesti tõsi, et öeldakse: "kunstnik on iseenda kõrgeim kohtunik." Selles üheosalises, olulisuselt ja sisult sümfooniaga võrdses kompositsioonis ilmub meie aja maailm läbi kunstniku isiksuse prisma lähivaates ja selle kaudu on tuntud kogu selle mitmekülgsuses ja vastuolulisuses – aktiivses. ja meditatiivsed seisundid, mõtiskluses, lüüriline enesesüvenemine, hetkedel juubeldus või traagilised plahvatused, mis on täidetud kahtlusega. “Autoportree” juurde, mis on loomulik, on niidid kokku tõmmatud paljudest varem Štšedrini kirjutatud teostest. Justkui linnulennult paistab tema loominguline ja inimlik tee – minevikust tulevikku. "Saatuse kalli" tee? Või "märter"? Meie puhul oleks vale öelda ei üht ega teist. Tõele on lähemal öelda: julgete tee "esimesest inimesest" ...

Štšedrin sündis muusiku perekonda. Isa Konstantin Mihhailovitš oli kuulus muusikateadlasest õppejõud. Štšedrinite majas mängiti pidevalt muusikat. Just elav musitseerimine oli kasvulava, mis järk-järgult kujundas tulevase helilooja kired ja maitsed. Perekonna uhkuseks oli klaveritrio, milles osalesid Konstantin Mihhailovitš ja tema vennad. Noorukiea aastad langesid kokku suure katsumusega, mis langes kogu nõukogude rahva õlgadele. Kaks korda põgenes poiss rindele ja kahel korral viidi ta tagasi vanematemajja. Hiljem meenutab Štšedrin sõda rohkem kui korra, rohkem kui korra kogetu valu kajab tema muusikas – Teises sümfoonias (1965), koorid A. Tvardovski luuletustele – venna mälestuseks, kes ei naasnud. sõjast (1968), “Poetorias” (p. A. Voznesenski, 1968) – originaalkontsert luuletajale, naishääle, segakoori ja sümfooniaorkestri saatel…

Hiljuti avatud Koorikooli määrati 1945. aastal kaheteistkümneaastane nooruk – nüüd nemad. AV Svešnikova. Lisaks teoreetiliste erialade õppimisele oli laulmine võib-olla kooli õpilaste peamine tegevusala. Aastakümneid hiljem ütles Štšedrin: „Kogesin oma elu esimesi inspiratsioonihetki kooris lauldes. Ja loomulikult olid minu esimesed kompositsioonid ka koorile...” Järgmine samm oli Moskva konservatoorium, kus Štšedrin õppis korraga kahes teaduskonnas – kompositsiooni erialal Y. Šaporini ja klaveriklassis Y. Flieri juures. Aasta enne lõpetamist kirjutas ta oma esimese klaverikontserdi (1954). See varane oopus köitis oma originaalsuse ja elava emotsionaalse vooluga. Kahekümne kahe aastane autor julges kontsert-popi elemendi sisse lülitada 2 nõmedat motiivi – siberi «Balalaika sumiseb» ja kuulsa «Semjonovna», arendades neid efektselt mitmes variatsioonis. Juhtum on peaaegu ainulaadne: Štšedrini esimene kontsert ei kõlanud mitte ainult järgmise heliloojate pleenumi kavas, vaid sai ka aluseks 4. kursuse üliõpilase vastuvõtmisele Heliloojate Liitu. Kahel erialal hiilgavalt diplomi kaitsnud noor muusik täiendas end aspirantuuris.

Oma teekonna alguses proovis Štšedrin erinevaid alasid. Need olid P. Ershovi ballett "Väike küürakas hobune" (1955) ja Esimene sümfoonia (1958), Kammersüit 20 viiulile, harfile, akordionile ja 2 kontrabassile (1961) ning ooper "Mitte ainult armastus" (1961), satiiriline kuurordikantaat “Bureaucratiada” (1963) ja Kontsert orkestrile “Naughty ditties” (1963), muusika draamaetendustele ja filmidele. Lõbusast marsist filmist “Võsota” sai hetkega muusikaline bestseller… Sellest sarjast paistab silma S. Antonovi loo “Tädi Luša” ainetel põhinev ooper, mille saatus polnud kerge. Pöördudes ebaõnne kõrvetatud ajaloo, üksindusele hukule määratud lihtsate talunaiste kujundite poole, keskendus helilooja oma ülestunnistuse kohaselt teadlikult “vaikse” ooperi loomisele, mitte “monumentaalsetele etendustele grandioossete lisadega”. lavastatud siis, 60ndate alguses. , bännerid jne. Tänapäeval ei saa mitte kahetseda, et omal ajal ooperit ei hinnatud ega mõistnud isegi professionaalid. Kriitika märkis vaid üht tahku – huumorit, irooniat. Kuid sisuliselt on ooper "Mitte ainult armastus" eredaim ja võib-olla esimene näide nõukogude muusikas nähtusest, mis sai hiljem metafoorse definitsiooni "külaproosa". Noh, tee ajast ette on alati okkaline.

1966. aastal alustab helilooja tööd oma teise ooperi kallal. Ja see töö, mis hõlmas tema enda libreto loomist (siin avaldus Štšedrini kirjanduslik anne), võttis aega kümnendi. “Surnud hinged”, ooperistseenid N. Gogoli järgi – nii kujunes see suurejooneline idee. Ja muusikaringkond hindas teda tingimusteta uuenduslikuna. Helilooja soov "lugeda muusika abil Gogoli laulvat proosat, visandada muusikaga rahvuslikku iseloomu ning rõhutada muusikaga meie emakeele lõputut väljendusrikkust, elavust ja paindlikkust" kehastus dramaatilistes kontrastides hirmuäratava maailma vahel. surnud hingede edasimüüjad, kõik need Tšitšikovid, Sobevitšid, Pljuškinid, kastid, manilovid, kes ooperis halastamatult piitsutasid, ja “elushingede” maailm, rahvaelu. Ooperi üks teemadest põhineb sama laulu “Lumi ei ole valge” tekstil, mida kirjanik luuletuses mainib rohkem kui korra. Ajalooliselt väljakujunenud ooperivormidele toetudes mõtleb Štšedrin need julgelt ümber, transformeerib need põhimõtteliselt teistsugusel, tõeliselt kaasaegsel alusel. Uuendusõiguse annavad kunstniku individuaalsuse põhiomadused, mis põhinevad kindlalt kodukultuuri saavutuste poolest rikkaimate ja ainulaadsete traditsioonide põhjalikul tundmisel, verel, hõimude osalusel rahvakunstis – selle poeetikas, melod, erinevad vormid. “Rahvakunst tekitab soovi taasluua oma võrreldamatu aroom, kuidagi “korreleeruda” selle rikkusega, anda edasi tundeid, mida see tekitab, mida ei saa sõnadega sõnastada,” väidab helilooja. Ja ennekõike tema muusika.

See “rahva taasloomise” protsess süvenes tema loomingus järk-järgult – folkloori elegantsest stiliseerimisest varases balletis “Väike küürakas hobune” kuni vallatu tšastuškade värvika kõlapaletini, “Sõrmuste” dramaatiliselt karmi süsteemini (1968). , äratades ellu Znamenny laulude range lihtsuse ja mahu; ereda žanriportree kehastusest muusikas, ooperi “Mitte ainult armastus” peategelase tugevast kuvandist kuni lüürilise jutustuseni tavaliste inimeste armastusest Iljitši vastu, nende isiklikust sisimast suhtumisest “kõige maisesse kõik inimesed, kes on maast läbi käinud” oratooriumis “Lenin südames folk “(1969) – parim, nõustume eelõhtul ilmunud leninliku teema muusikalise kehastuse M. Tarakanovi arvamusega. juhi 100. sünniaastapäeval. Venemaa kuvandi loomise tipust, milleks oli kindlasti 1977. aastal Suure Teatri laval B. Pokrovski lavastatud ooper “Surnud hinged”, heidab kaar “Pitsestatud inglile” – koorimuusika 9. osad N. Leskovi järgi (1988). Nagu helilooja annotatsioonis märgib, köitis teda lugu ikoonimaalijast Sevastjanist, „kes trükkis iidse imelise ikooni, mida rüvetas selle maailma vägevad, ennekõike idee kunstilise ilu kaduvusest, kunsti maagiline, meeliülendav jõud. “Püütud ingel”, nagu ka aasta varem sümfooniaorkestrile “Stikhira” loodud “Stikhira” (1987), mis põhineb Znamennõi laulul, on pühendatud Venemaa ristimise 1000. aastapäevale.

Leskovi muusika jätkas loogiliselt mitmeid Štšedrini kirjanduslikke eelistusi ja kiindumust, rõhutades tema põhimõttelist suunitlust: „... Ma ei saa aru meie heliloojatest, kes pöörduvad tõlkekirjanduse poole. Meil on ütlemata rikkus – vene keeles kirjutatud kirjandus. Selles sarjas on eriline koht Puškinile (“üks minu jumalatest”) – lisaks kahele varasele koorile loodi 1981. aastal kooriluuletused “Pugatšovi hukkamine” proosatekstile “Ajaloost”. Pugatšovi mäss” ja “Jevgeni Onegini trofeed”.

Tänu Tšehhovi ainetel põhinevatele muusikalavastustele – “Kajakas” (1979) ja “Daam koeraga” (1985), aga ka varem L. Tolstoi romaani “Anna Karenina” (1971) ainetel kirjutatud lüürilistele stseenidele on lavale jõudnud. balletilaval kehastunute galerii rikastas oluliselt vene kangelannasid. Nende kaasaegse koreograafilise kunsti meistriteoste tõeline kaasautor oli meie aja silmapaistev baleriin Maya Plisetskaja. See kogukond – loov ja inimlik – on juba üle 30 aasta vana. Ükskõik, millest Štšedrini muusika ka ei räägiks, kannab iga tema teos aktiivse otsingu laengut ja paljastab ereda individuaalsuse jooni. Helilooja tunnetab teravalt aja pulssi, tajudes tundlikult tänapäeva elu dünaamikat. Ta näeb maailma mahuliselt, haarates ja jäädvustades kunstilistesse kujutistesse nii konkreetset objekti kui ka kogu panoraami. Kas sellest võib olla tingitud tema fundamentaalne orientatsioon dramaatilisele montaažimeetodile, mis võimaldab kujundite ja emotsionaalsete seisundite kontraste selgemalt välja joonistada? Sellest dünaamilisest meetodist lähtudes püüdleb Štšedrin materjali esituse lakoonilisuse, lakoonilisuse (“kooditeabe kuulajasse panemiseks”) poole, selle osade vahel tiheda seose poole ilma ühendavate lülideta. Niisiis, Teine sümfoonia on 25 prelüüdist koosnev tsükkel, samal põhimõttel on üles ehitatud ballett “Kajakas”; Kolmas klaverikontsert, nagu ka mitmed teised teosed, koosneb teemast ja selle teisenduste reast erinevates variatsioonides. Ümbritseva maailma elav polüfoonia peegeldub helilooja eelsoodumuses polüfooniasse – nii muusikalise materjali korrastamise printsiibi, kirjutamisviisi kui ka mõtlemisviisina. "Polüfoonia on eksistentsi meetod, meie elu jaoks on tänapäevane eksistents muutunud polüfooniliseks." See helilooja idee leiab praktiliselt kinnitust. "Surnud hingede" kallal töötades lõi ta samaaegselt balletid Carmen Süit ja Anna Karenina, Kolmanda klaverikontserdi, kahekümne viie prelüüdiga polüfoonilise märkmiku, 24 prelüüdist ja fuugast koosneva teise köite, Poetoria ja muid kompositsioone. kontserdilaval Štšedrini esinemiste saatel omaloomingu esitajana – pianistina ja 80ndate algusest. ja organistina on tema looming harmooniliselt ühendatud energiliste avalike tegudega.

Štšedrini tee heliloojana on alati ületatav; igapäevane kangekaelne materjali ületamine, mis meistri kindlates kätes muutub muusikalisteks liinideks; kuulaja taju inertsi ja isegi kallutatuse ületamine; lõpuks iseenda ületamine, täpsemalt juba avastatud, leitud, katsetatu kordamine. Kuidas siinkohal mitte meenutada V. Majakovskit, kes kunagi märkis maletajate kohta: „Kõige säravamat käiku ei saa antud olukorras korrata järgmises partiis. Vaid käigu ootamatus lööb vaenlase maha.

Kui Moskva publikule esmakordselt "Muusikaline pakkumine" (1983) tutvustati, oli reaktsioon Štšedrini uuele muusikale kui pommuudis. Vaidlused ei vaibunud pikka aega. Helilooja, püüdes oma loomingus ülima kokkuvõtlikkuse, aforistliku väljenduse (“telegraafistiil”) poole, tundus ühtäkki liikuvat teise kunstilise mõõtme poole. Tema üheosaline kompositsioon orelile, 3 flöödile, 3 fagotile ja 3 tromboonile kestab… üle 2 tunni. Autori kavatsuse kohaselt pole ta midagi muud kui vestlus. Ja mitte kaootiline vestlus, mida me mõnikord peame, üksteist mitte kuulates, kiirustades oma isiklikku arvamust avaldama, vaid vestlust, kus igaüks saaks rääkida oma muredest, rõõmudest, muredest, paljastustest ... "Ma usun, et kiirustades meie elu, see on äärmiselt oluline. Peatu ja mõtle." Meenutagem, et “Muusikaline pakkumine” on kirjutatud JS Bachi 300. sünniaastapäeva eel (sellele kuupäevale on pühendatud ka “Kajasonaat” viiulisoolole – 1984).

Kas helilooja on muutnud oma loomingulisi põhimõtteid? Pigem vastupidi: omaenda aastatepikkuse kogemusega erinevates valdkondades ja žanrites süvendas ta võidetut. Isegi nooremas eas ei püüdnud ta üllatada, ei riietanud end võõrastesse riietesse, „ei jooksnud pärast väljuvaid ronge kohvriga mööda jaamasid ringi, vaid arenes nii, nagu... selle määras geneetika, kalduvusi, meeldimisi ja mittemeeldimisi. Muide, pärast “Muusikalist pakkumist” tõusis Štšedrini muusikas oluliselt aeglaste tempode osakaal, peegeldustempo. Aga tühja kohta selles ikka pole. Nagu varemgi, loob see taju jaoks kõrge tähenduse ja emotsionaalse pingevälja. Ja reageerib tugevale ajakiirgusele. Tänapäeval on paljud kunstnikud mures tõelise kunsti selge devalveerimise, meelelahutuse, lihtsustamise ja üldise ligipääsetavuse poole kaldumise pärast, mis annavad tunnistust inimeste moraalsest ja esteetilisest vaesumisest. Selles “kultuuri katkestuse” olukorras saab kunstiväärtuste loojast samal ajal nende jutlustaja. Seoses sellega on Štšedrini kogemus ja tema enda looming ilmekad näited aegade, “erinevate muusikade” seostest ja traditsioonide järjepidevusest.

Olles suurepäraselt teadlik, et vaadete ja arvamuste pluralism on tänapäeva maailmas elu ja suhtlemise vajalik alus, on ta aktiivne dialoogi toetaja. Väga õpetlikud on tema kohtumised laia kuulajaskonnaga, noortega, eriti ägedate rokkmuusika poolehoidjatega – neid edastas Kesktelevisioon. Näide meie kaasmaalase algatatud rahvusvahelisest dialoogist oli esimene Nõukogude-Ameerika kultuurisuhete ajaloos Bostonis toimunud nõukogude muusika festival motoga “Teeme koos muusikat”, mis avas laia ja värvika panoraami nõukogude loomingust. heliloojad (1988).

Dialoogis erinevate arvamustega inimestega on Rodion Shchedrinil alati oma seisukoht. Tegudes ja tegudes – oma kunstiline ja inimlik veendumus peamise märgi all: “Ei saa elada ainult tänasele päevale. Vajame kultuurilist ehitust tuleviku jaoks, tulevaste põlvkondade hüvanguks.

A. Grigorjeva