Ivan Vassiljevitš Eršov |

Ivan Eršov

"Kui Sobinov oli vene lüürilistest tenoritest kõige täiuslikum, siis kangelaslik-dramaatiliste tenoripidude esinejate seas kuulus sama koht Ershovile," kirjutab DN Lebedev. – Realistliku vokaalkooli suurim esindaja Eršov kinnitas resoluutselt ja elavalt selle põhimõtteid.

Ershovi looming oli kuum, ülevoolav, kirglikult kaasahaarav. Nagu ta oli elus, nii oli ta ka esinemises. Veenmisjõud, lihtsus olid tema kunstiloomuse lahutamatu osa.

Pole ime, et üks tema kaasaegsetest kutsus teda tenorite seas Chaliapiniks.

Ivan Vassiljevitš Eršov sündis 20. novembril 1867. “Minu lapsepõlv oli raske,” meenutas Eršov. – Olin peres “lisasuus”. Mu ema töötas teenijana vaesunud maaomanike peres. Minust sai raudteeinsener. Ta on juba sooritanud eksamid abijuhi tiitli saamiseks ja korduvalt sõitnud liinile, sõites auruveduriga. Aga suur Anton Rubinstein juhtis mulle, noorele mehele, tähelepanu. Sellest ajast peale on mu elu olnud pühendatud kunstile, muusikale.»

Jah, nagu juhtus, juhtum aitas teda. Eršov õppis Jeltsi raudteekoolis, esines sageli amatöörkontsertidel. Tema erakordsed võimed olid vaieldamatud. Siin kuulis teda Peterburi konservatooriumi professor NB Pansh. Ta rääkis AG Rubinsteinile andekast noormehest. Suure pianisti soovitusel sai eilsest masinamehest vokaalklassi õpilane, mida juhatas Stanislav Ivanovitš Gabel. Õppeaastad ei olnud kerged: kogu sissetulek oli 15 rubla kuus, stipendiumid ja tasuta lõuna.

1893. aastal lõpetas Eršov Peterburi konservatooriumi. Samal aastal debüteeris ta Faustina.

"Noor laulja ei jätnud soodsat muljet," kirjutab AA Gozenpud. Tal soovitati minna Itaaliasse parandama. Pärast neljakuulist tundide viisi õpetaja Rossi juures debüteeris ta Regio ooperiteatris suure eduga. Uus edu tõi talle José osatäitmise Carmenis. Kuulujutt Jeršovi välisesinemistest jõudis Napravniku ja Vsevoložskini ning artistile pakuti uut debüüti. Iseloomulik on see, et see juhtus pärast seda, kui ta kogus tuntust välismaal. On ebatõenäoline, et 4 kuud Rossi tunde võiks tema vokaalkultuuri oluliselt rikastada. Venemaale naastes esines Eršov Harkovis hooajal 1894/95. Debüüt Mariinski teatris toimus 1895. aasta aprillis Faustina.

See esitus paistis silma ka selle poolest, et Mefistofelena esines teine ​​debütant, noor bass Fjodor Chaliapin. Edaspidi laulis Chaliapin teatavasti peaaegu kõigil maailma suurematel lavadel ja kogu Ershovi loominguline elu piirdus praktiliselt Mariinski (hiljem Kirovi) teatriga.

Algul laulis Ershov siin mitmesuguseid tenoripartiisid, kuid aja jooksul sai selgeks, et tema tõeline kutsumus on kangelasrollid. Just sellel teel ilmnesid tema silmapaistvad võimed mitte ainult lauljana, vaid ka laulja-näitlejana. Oma kunstikreedot visandades kirjutas Eršov:

“Laulja hääl on südame hääl. Sõna, näoilmed, inimfiguuri modulatsioon ajastu kostüümis, rahvuse ja selle klassikuuluvuse kostüümis; tema aastad, iseloom, suhtumine keskkonda jne jne – kõik see eeldab lauljalt-näitlejalt vastavat häälekõla värvi tunnetust, muidu on kõik bel canto ja bel canto jne. jne Realism, tõde kunstis!..

Kui palju muutusi tämbrites, värvides, kõikvõimalikes vokaalsetes keerdkäikudes võib hääles olla, aga tõde, südame- ja vaimutunde pole!

Faust ja Romeo ei vastanud mingil moel kunstniku isiksusele. Tannhäuser ja Orestes tõid Ershovile tõelise edu. Tänu neile ilmnes noore laulja lavaanne ning avaldus hääle tugevus ja väljendusrikkus.

Kriitik Kondratjev märgib rahulolevalt Ershovi esinemist Oresteias: "Eršov jättis hea mulje... osa oli kirjutatud jumalakartmatult tugevalt ja kõrgelt ning ta tuli sellest proovist aukalt välja." Pärast teist etendust: "Eršov tegi raevukastseenis sensatsiooni."

Teine loominguline võit Ershovile oli tema esinemine ooperis Simson ja Delila. Tema kohta kirjutas Kondratjev: "Eršov esitas Simsoni suurepäraselt." Ta saavutas uue edu Sobinini osas, lauldes kooriga "Vennad, lumetormis" tavaliselt vahele jäänud aariat. See sisaldab mitu korda ülemist “C” ja “D-flat”, mis on juurdepääsetav vähestele tenoritele. Sellele esinemisele tulid peaaegu kõik muusikalise Peterburi esindajad ning Figner käis klaveri järgi, et kas laulja lubab mingeid kõrvalekaldeid originaalist.

Kondratjev märkis oma päevikus: «Aaria on kirjutatud nii ebatavalises kõrges registris, et lausa lugedes tekitab see õudu. Kartsin Jeršovi pärast, aga ta tuli sellest proovist aukalt välja. Eriti peenelt esitas ta kantaabeli keskosa, publik helistas talle kõrvulukustavalt ja nõudis kordust, ta täitis publiku nõudmise ning laulis teist korda rahulikumalt ja veelgi paremini.

Eršov taasloos soomlase kuvandi ka Ruslanis ja Ljudmillas täiesti uuel viisil. BV kirjutas sellest. Asafjev: "Esinemine on elav loovus, nähtavalt käegakatsutav, sest "häälne sõna" Jeršovi saadud murdumises toimib lülina iga hetke, iga vaimse kujundamise protsessi pidevas (selles helisfääris) voos. liikumine. Nii hirmutav kui ka rõõmustav. See on hirmutav, sest paljude ooperi kui kunstiga seotud inimeste seas on väga-väga vähesed määratud mõistma sellele omast väljenduse sügavust ja jõudu. See on rõõmus, sest Jeršovi esitust kuulates on hetkega tunda midagi, mida üheski traktaadis ei paljastata ja mida ei saa edasi anda ühegi kirjeldusega: elulöögi ilu emotsionaalse pinge avaldumises muusikalise kõla kaudu, sõna järgi tähendusrikas.

Kui vaadata Ershovi esitatavate ooperipartiide nimekirja, siis teda, nagu igat suurt artisti, iseloomustab nii rikkus kui ka mitmekesisus. Kõige laiem panoraam – Mozartist, Weberist, Beethovenist ja Bellinist Rahmaninovi, Richard Straussi ja Prokofjevini. Tal olid suurepärased saavutused Glinka ja Tšaikovski, Dargomõžski ja Rubinsteini, Verdi ja Bizet ooperites.

Ooperikunsti ajaloo monumendi püstitas aga vene laulja endale kahe tipuga. Üks neist on osade suurejooneline esitus Wagneri teostes. Ershov oli ühtviisi veenev filmides Lohengrin ja Tannhäuser, Valküür ja Reini kuld, Tristan ja Isolde ning Jumalate surm. Siin leidis laulja oma kunstiliste põhimõtete kehastamiseks eriti keeruka ja tänuväärse materjali. "Kogu Wagneri teoste olemust täidab tegevuse mõõtmatus," rõhutas laulja. — Selle helilooja muusika on äärmiselt maaliline, kuid nõuab erakordset kunstinärvi vaoshoitust tempos. Kõik peaks olema kõrgendatud – pilk, hääl, žest. Näitleja peab oskama sõnadeta mängida neis stseenides, kus ei laulda, vaid kõlab pidev heli. Vaja on sobitada lavalise liikumise tempo orkestri muusikaga. Wagneriga on muusika piltlikult öeldes näitleja-laulja külge neetitud. Selle kiindumuse lõhkumine tähendab lava- ja muusikarütmide ühtsuse lõhkumist. Kuid seesama lahutamatus ei seo näitlejat ja dikteerib talle vajaliku majesteetlikkuse, monumentaalsuse, laia, aeglaselt kulgeva žesti, mis laval vastab Wagneri muusika vaimule.

Helilooja lesk Cosima Wagner kirjutas lauljale 15. septembril 1901: „Paljud meie kunsti sõbrad ja paljud kunstnikud, sealhulgas pr Litvin, rääkisid mulle teie esitusest meie kunstiteostega. Ma küsin teilt, kas teie tee viib teid kunagi läbi Bayreuthi ja kas soovite seal peatuda, et rääkida minuga nende teoste Saksamaa esitusest. Ma ei usu, et mul avaneb kunagi võimalus Venemaale reisida, mistõttu esitan selle palve teile. Loodan, et teie õpingud võimaldavad teile puhkust ja see puhkus pole liiga kauge. Palun võtke vastu minu sügav lugupidamine."

Jah, Wagneri laulja kuulsus on Jeršovile külge jäänud. Aga seda repertuaari lavale murda polnudki nii lihtne.

“Kogu vana Mariinski teatri tee oli Wagneri suhtes vaenulik,” meenutas Eršov 1933. aastal. Wagneri muusika kohtas ettevaatlik vaenulikkus. Lohengrin ja Tannhäuser lubati ikka kuidagi lavale, muutes need romantilis-kangelasooperid itaalia stiilis stereotüüpseks esituseks. Kordusid vilistide kuulujutud, et Wagner rikkus lauljate hääled, kõrvulukustades publiku orkestri äikesega. Tundus, nagu oleksid nad kokku leppinud kitsarinnalise jänkiga, Mark Twaini loo kangelasega, kes kurdab, et Lohengrini muusika on kõrvulukustav. See on Lohengrin!

Samuti oli vene laulja suhtes solvav, isegi solvav suhtumine: „Kuhu minna oma ettevalmistamatuse ja kultuuri puudumisega, et Wagnerit ette võtta! Sa ei saa midagi." Tulevikus lükkas elu need solvavad ennustused ümber. Mariinski lava leidis oma näitlejate hulgas palju suurepäraseid Wagneri repertuaari osade esitajaid ... "

Teine lauljatari poolt vallutatud silmapaistev tipp on Grishka Kuterma osa Rimski-Korsakovi ooperis "Legend nähtamatust linnast Kitežist ja Neitsi Fevroniast". Rimski-Korsakovi teater on ka Jeršovi teater. Sadko on üks laulja meistriteoseid, mille märkis ära helilooja ise. Ta esitas suurepäraselt Berendey filmis "Lumetüdruk", Mihhail Tucha "Pihkva neiu". Kuid laulja kõrgeim saavutus on Grishka Kuterma kuvandi loomine, ta mängis seda rolli esmakordselt 1907.

Selle meeldejääva etenduse lavastaja VP Shkaber ütles: "Kunstnik tundis sügavalt suurima kannatuse ja inimliku leina elemente, uppus purjus uimasesse, kus inimelu kaotati asjata. Tema hulluse stseen, üksikud hetked tatarlastega metsas, Fevroniaga – kõik need kunstniku-kunstniku loomingulised kogemused olid nii suured, et Jeršovi esituses olev Grishka pilt väärib mitte ainult imetlust, vaid ka sügavaimat. imetlus kunstniku ande üle: nii täidlane, värvikas, suure osavusega paljastas ta oma kangelase peenemad emotsioonid... Grishka rolli viimistles ta peensusteni, skulpturaalse terviklikkusega – ja seda oludes äärmuslik tõus.

Andrei Nikolajevitš Rimski-Korsakov kirjutas helilooja perekonna nimel kunstniku poole pöördudes: "Mina isiklikult ja ka teised Nikolai Andrejevitši pereliikmed, kelle nimel ma siin räägin, mäletan, kui kõrgelt Kiteži autor hindas. teie kunstiannet ja eriti seda, millise rahuloluga vaatas ta oma vaimusünnitajale Grishka Kutermale Ershovi näol.

…Teie tõlgendus Kuterma rollist on nii sügav ja individuaalne, et peate selles kunstilises postituses tunnistama otsustavat sõltumatust. Olete Grishkasse investeerinud tohutu tüki oma elavast, inimhingest, seepärast on mul õigus öelda, et nii nagu teist Ivan Vassiljevitš Eršovit ei ole ega saa olla, nii ei ole ega saa olla teist Grishkat.

Ja enne 1917. aastat ja revolutsioonijärgsetel aastatel pakuti vene tenorile tulusaid lepinguid välismaal. Kuid kogu elu oli ta truu lavale, kust sai alguse tema loometee – Mariinski teatrile.

Õnnitledes lauljat loomingulise tegevuse 25. aastapäeva puhul, kirjutas ajakirjanik ja romaanikirjanik AV Amfiteatrov eelkõige Ivan Vassiljevitšile: "Kui oleksite tahtnud ringreisil rääkida, oleksite juba ammu miljardär. Kui laskuksite selliste reklaamitrikkide juurde, mis on praeguses kunstikeskkonnas nii levinud, oleks mõlemad poolkerad teie pärast ammu nutt täis saanud. Aga sina, range ja tark kunstipreester, möödusid kõigest sellest täpist ja kõmudest, heitmata pilkugi tema suunas. Seistes ausalt ja tagasihoidlikult enda valitud "hiilgaval ametikohal", olete peaaegu võrratu, võrreldamatu näide kunstilisest sõltumatusest, tõrjudes põlglikult kõik kõrvalised kunstivahendid edu saavutamiseks ja oma kamraadide seas domineerimiseks ... Te ei kuritarvitanud kunagi oma mõju asendamatu kunstnikuna. et "võitjaroll" tuua egoistlikult oma kunsti templisse vääritu, madala kvaliteediga teos.

Tõeline patrioot Ivan Vassiljevitš Eršov, lahkudes lavalt, mõtles pidevalt meie muusikateatri tulevikule, kasvatas entusiastlikult kunstilist noorust Leningradi konservatooriumi ooperistuudios, lavastas Mozarti, Rossini, Gounod, Dargomõžski, Rimski-Korsakovi teoseid. , Tšaikovski, Rubinstein seal. Oma loometee võttis ta uhkuse ja tagasihoidlikkusega kokku sõnadega: „Näitleja või muusikaõpetajana töötades tunnen end ennekõike vaba kodanikuna, kes tegutseb jõudumööda sotsialistliku ühiskonna hüvanguks. .”

Ivan Vassiljevitš Eršov suri 21. novembril 1943. aastal.