Dmitri Baškirov (Dmitri Baškirov) |

Dmitri Baškirov

Paljud XNUMXndate alguses Moskva konservatooriumis kohtunud noored muusikud mäletavad ilmselt tormaka, kõhna noormehe esmakordset ilmumist klassi koridoridesse, hoogsate liigutuste ja elava näoilmega liikuval ilmekal näol. Tema nimi oli Dmitri Baškirov, seltsimehed hakkasid teda peagi kutsuma lihtsalt Delikiks. Temast teati vähe. Räägiti, et ta lõpetas Thbilisi kümneaastase muusikakooli Anastasia Davidovna Virsaladze käe all. Kord ühel eksamil kuulis Aleksander Borisovitš Goldenweiser teda – ta kuulis, rõõmustas ja soovitas tal haridustee pealinnas lõpetada.

Goldenweiseri uus õpilane oli väga andekas; Teda vaadates – vahetut, haruldast emotsionaalset inimest – polnud raske märgata: nii kirglikult ja ennastsalgavalt, nii helde eneseandmisega suudavad temaga sarnaselt keskkonnale reageerida vaid tõeliselt andekad natuurid...

Dmitri Aleksandrovitš Baškirov sai aastate jooksul laialdaselt tuntuks kontsertesinejana. Veel 1955. aastal sai ta Pariisis toimunud M. Long – J. Thibault võistlusel Grand Prix; see käivitas tema lavakarjääri. Nüüd on tal seljataga sadu esinemisi, talle aplodeeriti Novosibirskis ja Las Palmases, Chişinăus ja Philadelphias, väikestes Volga linnades ja suurtes maailmakuulsates kontserdisaalides. Aeg on tema elus palju muutunud. Tema iseloomus palju vähem. Ta on nagu varemgi impulsiivne, justkui kiirhõbe oleks muutlik ja kiire, iga minut on ta valmis millestki haarama, põlema süttima...

Mainitud baškiiri looduse omadused on tema kunstis selgelt nähtavad. Selle kunsti värvid pole aastate jooksul tuhmunud ja tuhmunud, pole kaotanud oma rikkalikkust, intensiivsust, sillerdust. Pianist mängib nagu varemgi, erutatud; muidu, kuidas ta saaks muretseda? Võib-olla polnud kellelgi põhjust Baškirovile kunstnikule ette heita ükskõiksust, vaimset apaatsust, küllastumist loominguliste otsingutega. Selleks on ta inimese ja kunstnikuna liiga rahutu, põledes pidevalt mingis kustumatus sisemises tules. See võib olla mõne tema lavalise ebaõnnestumise põhjuseks. Teisest küljest on see kahtlemata just siit, loomingulisest rahutusest ja enamikust tema saavutustest.

Muusikakriitilise ajakirjanduse lehekülgedel nimetatakse Baškirovit sageli romantiliseks pianistiks. Tõepoolest, ta esindab selgelt kaasaegne romantism. (VV Sofronitsky, vesteldes V. Yu. Delsoniga, ütles: "Lõppude lõpuks on olemas ka kaasaegne romantism, mitte ainult XNUMX sajandi romantism, kas olete nõus?" (Mälestusi Sofronitskist. S. 199.)). Ükskõik, mida helilooja Baškirov tõlgendab – Bachi või Schumanni, Haydni või Brahmsi –, tunneb ta muusikat nii, nagu oleks see tänapäeval loodud. Tema tüüpi kontserdikülastajate jaoks on autor alati kaasaegne: tema tundeid kogetakse omadena, mõtted muutuvad tema omadeks. Neile kontserdikülastajatele pole midagi võõramat kui stiliseerimine, “representatsioon”, arhailise võlts, muuseumireliikvia demonstratsioon. See on üks asi: artisti muusikaline sensatsioon meie ajastu, meie päevadel. On veel midagi, mis võimaldab rääkida ka Baškirovist kui tüüpilisest kaasaegse etenduskunstide esindajast.

Tal on täpne, meisterlikult viimistletud pianism. Vanasti usuti, et romantiline musitseerimine on ohjeldamatud impulsid, spontaansed tundepuhangud, erksavärviliste, ehkki pisut vormitute kõlalaikude ekstravagantsus. Asjatundjad kirjutasid, et romantilised kunstnikud kalduvad "ebamäärase, sillerdava, loetamatu ja udune" poole, et nad on "kaugel pisiasjade ehtejoonistamisest". (Martins KA Individuaalne klaveritehnika. – M., 1966. S. 105, 108.). Nüüd on ajad muutunud. Kriteeriume, hinnanguid, maitseid on muudetud. Grammofoni lindistamise, raadio- ja telesaadete vääramatult karmi ajastul ei andestata mitte keegi, kellelegi ja mitte mingil juhul heli “udukogusid” ja “umbmäärasust”. Tänapäeva romantikut Baškirovit teeb kaasaegne muuhulgas oma esinemisaparaadi hoolikas “valmistamine”, kõigi selle detailide ja linkide oskuslik silumine.

Seetõttu on tema muusika hea, nõudes välise dekoratsiooni tingimusteta täielikkust, “pisiasjade ehtejoonistust”. Tema esinemistegude nimekirja avavad sellised asjad nagu Debussy prelüüdid, Chopini mazurkad, “Põgus” ja Prokofjevi neljas sonaat, Schumanni “Värvilised lehed”, Fantaasia ja f-moll, palju Schubertilt, Lisztilt, Skrjabinilt, Ravelilt. . Tema klassikalises repertuaaris on palju huvitavat, mis kuulajaid köidab – Bach (f-moll kontsert), Haydn (E-duur sonaat), Mozart (kontserdid: üheksas, neljateistkümnes, seitsmeteistkümnes, kahekümne neljas), Beethoven (sonaadid: “ Lunar” , “Pastoraal”, kaheksateistkümnes, kontserdid: esimene, kolmas, viies). Ühesõnaga, kõik, mis Baškirovi lavaülekandes võidab, on see, kus esiplaanil on elegantne ja selge kõlamuster, elegantne instrumentaalse faktuuri tagaajamine.

(Varem räägiti, et need, kes mängivad klaverit, nagu maalijad, kasutavad erinevaid “kirjutamise” tehnikaid: mõnele meeldib teritatud helipliiats, teisele guašš või akvarell, kolmandale aga raske pedaaliga õlivärvid. Baškiroviga seostatakse sageli pianist-graveerijaga: õhuke helimuster eredal emotsionaalsel taustal...)

Nagu paljusid tõeliselt andekaid inimesi, muudab Baškirovit loominguline õnn. Ta oskab olla enesekriitiline: “Ma arvan, et see näidend õnnestus,” kuuleb temalt pärast kontserti, “aga see ei ole. Põnevus segas... Midagi “nihkus”, osutus “fookusest väljas” – mitte nii, nagu oli ette nähtud. Teatavasti segab põnevus kõiki – debütante ja meistreid, muusikuid, näitlejaid ja isegi kirjanikke. "See minut, mil ma ise kõige rohkem põnevil olen, ei ole see, mil saan kirjutada asju, mis vaatajat puudutavad," tunnistas Stendhal; teda kajavad selles paljud hääled. Ja ometi on mõne jaoks põnevus täis suuri takistusi ja probleeme, teiste jaoks vähem. Kergesti ärrituvatel, närvilistel, ekspansiivsetel natuuridel on raskem.

Suure elevuse hetkedel laval kiirendab Baškirov oma tahtmisest hoolimata esinemist, langeb mingisse elevusse. Tavaliselt juhtub see tema esinemiste alguses. Tasapisi aga muutub tema mäng normaalseks, kõlavormid saavad selgust, liinid – enesekindlust ja täpsust; kogenud kõrvaga võib alati tabada, kui pianist suudab liigse lavaärevuse laine alla tuua. Ühel Baškirovi õhtul tehti juhuslikult huvitav eksperiment. Ta mängis kaks korda järjest sama muusikat – Mozarti neljateistkümnenda klaverikontserdi finaali. Esimene kord – veidi rutakalt ja õhinal, teine ​​(ankoori jaoks) – tempos vaoshoitum, rahulikuma ja enesekontrolliga. Huvitav oli jälgida, kuidas olukord olimiinus põnevus“muutis mängu, andis teistsuguse, kõrgema kunstilise tulemuse.

Baškirovi tõlgendustel on vähe ühist tavapäraste šabloonide, tuttavate esitusnäidistega; see on nende ilmselge eelis. Need võivad olla (ja on) vastuolulised, kuid mitte värvitud, liiga subjektiivsed, kuid mitte kõhedad. Artisti kontsertidel on peaaegu võimatu kohata ükskõikseid inimesi, tema poole ei pöörduta nende viisakate ja tühiste kiitustega, mida tavaliselt jagatakse keskpärasusele. Baškirovi kunsti võetakse kas soojalt ja entusiastlikult vastu või, mitte vähema innu ja huviga, arutletakse pianistiga, olles temaga mõnes mõttes eriarvamusel ja temaga eriarvamusel. Kunstnikuna tunneb ta loomingulist “opositsiooni”; põhimõtteliselt saab ja tuleb seda tunnustada.

Mõned ütlevad: Baškirovi mängus on nende sõnul palju välist; ta on kohati teatraalne, pretensioonikas... Tõenäoliselt on sellistes väljaütlemistes peale üsna loomulike maitseerinevuste ka väärarusaam tema esituse olemusest. Kas on võimalik mitte arvestada selle või teise kunstiloomingu individuaalseid tüpoloogilisi tunnuseid iseloom? Kontsertant Baškirov – selline on tema olemus – vaatas alati efektselt väljastpoolt; eredalt ja eredalt ilmutas end välises; mis oleks teise jaoks lavaline eputamine või põrnitsemine, tal on vaid oma loomingulise “mina” orgaaniline ja loomulik väljendus. (Maailmateater meenutab Sarah Bernhardti peaaegu ekstsentriliste lavakommetega, mäletab väliselt tagasihoidlikku, kohati silmapaistmatut Olga Osipovna Sadovskajat – mõlemal juhul oli see tõeline, suur kunst.) viia kaugesse, peaaegu eristamatusse allteksti. Kui võtta kriitika positsioon, siis pigem teisel korral.

Jah, pianisti kunst annab publikule avatud ja tugevaid emotsioone. Suurepärane kvaliteet! Kontserdilaval kohtab sageli pigem selle puudust kui ülejääki. (Tavaliselt jäävad nad tunnete väljendamisel alla ja mitte vastupidi.) Kuid oma psühholoogilistes seisundites – ekstaatiline erutus, impulsiivsus jne – oli Baškirov mõnikord, vähemalt varem, mõnevõrra ühetaoline. Illustratsiooniks võib tuua tema tõlgenduse Glazunovi h-moll sonaadist: sellest juhtus puudu eepilisust, laiust. Või Brahmsi teine ​​kontsert – kirgede silmipimestavalt ereda tulevärgi taga ei olnud möödunud aastatel selles kunstniku sisekaemuslikku peegeldust alati tunda. Baškirovi tõlgendustest tuli välja tulikuum väljend, kõrge närvipinge vool. Ja kuulajas hakkas vahel tekkima iha modulatsioonide järele mingitesse teistesse, kaugematesse emotsionaalsetesse tonaalsustesse, teistesse, kontrastsematesse tundesfääridesse.

Rääkides nüüd aga varasemast endine. Baškirovi etenduskunstiga hästi kursis olevad inimesed leiavad temas pidevalt muutusi, nihkeid ja huvitavaid kunstilisi transformatsioone. Kas saab täpsemalt näha artisti repertuaarivalikut või paljastuvad seni võõrad väljendusviisid (viimastel aastatel on näiteks klassikaliste sonaaditsüklite aeglased osad kuidagi eriti puhtalt ja hingestatult kõlanud). Kahtlemata on tema kunst rikastatud uute avastuste, keerukamate ja mitmekesisemate emotsionaalsete nüanssidega. Seda võis näha eelkõige Baškirovi esituses KFE kontsertidest, Fantaasia ja Mozarti sonaat c-moll, viiulikontserdi klaveriversioon op. 1987, Beethoven jne)

Baškirov on suurepärane vestluskaaslane. Ta on loomult uudishimulik ja uudishimulik; teda huvitavad paljud asjad; täna, nagu nooruses, vaatab ta tähelepanelikult kõike, mis on seotud kunsti, eluga. Lisaks oskab Baškirov oma mõtteid selgelt ja selgelt sõnastada – pole juhus, et ta avaldas mitmeid artikleid muusikalise esituse probleemidest.

"Olen alati öelnud," märkis Dmitri Aleksandrovitš kunagi ühes vestluses, "et lavalises loovuses määrab peamise ja kõige olulisema kunstniku talentide ladu – tema talent. individuaalsed isikuomadused ja omadused. Just sellega haakub interpreedi lähenemine teatud kunstinähtustele, üksikute teoste tõlgendamine. Kriitikud ja osa avalikkusest mõnikord ei võta seda asjaolu arvesse – hinnates artisti mängu abstraktselt, selle põhjal, kuidas nad poolt Mulle meeldiks kuulata muusikat, mida mängitakse. See on täiesti vale.

Aastate jooksul usun üldiselt üha vähem mingite tardunud ja üheselt mõistetavate valemite olemasolusse. Näiteks – kuidas on vaja (või vastupidi, pole vaja) tõlgendada sellist ja sellist autorit, sellist ja sellist esseed. Praktika näitab, et tulemuslikkuse otsused võivad olla väga erinevad ja ühtviisi veenvad. Kuigi see ei tähenda muidugi, et kunstnikul oleks õigus omatahtele või stiililisele omavolile.

Järgmine küsimus. Kas küpsusajal, selja taga 20-30 aastat erialast kogemust, on vaja klaverit mängida? rohkemkui nooruses? Või vastupidi – kas vanusega on mõistlikum koormuse intensiivsust vähendada? Selle kohta on erinevaid seisukohti ja seisukohti. "Mulle tundub, et vastus saab siin olla ainult puhtalt individuaalne," usub Baškirov. “On esinejaid, keda me nimetame sündinud virtuoosideks; nad vajavad kindlasti vähem pingutust, et end heas vormis hoida. Ja on ka teisi. Need, kellele pole kunagi niisama midagi kingitud, muidugi ilma pingutuseta. Loomulikult peavad nad kogu elu väsimatult tööd tegema. Ja hilisematel aastatel isegi rohkem kui nooruses.

Tegelikult pean ütlema, et suurte muusikute seas ei kohanud ma peaaegu kunagi neid, kes aastatega või vanusega oma nõudmisi enda suhtes nõrgendaksid. Tavaliselt juhtub vastupidi."

Alates 1957. aastast õpetab Baškirov Moskva konservatooriumis. Veelgi enam, aja jooksul kasvab pedagoogika roll ja tähtsus tema jaoks üha enam. «Nooruses laiutasin sageli, et mul on väidetavalt kõigeks aega – nii õpetamiseks kui ka kontsertetendusteks valmistumiseks. Ja et üks mitte ainult ei takista teist, vaid võib-olla isegi vastupidi: üks toetab, tugevdab teist. Täna ma sellele vastu ei vaidleks... Aeg ja vanus teevad ikka omad korrektiivid – teistmoodi ei saa hinnata. Tänapäeval kaldun arvama, et õpetamine tekitab kontserdiesinemisel teatud raskusi, piirab seda. Siin on konflikt, mida proovite pidevalt lahendada ja kahjuks mitte alati edukalt.

Eespool öeldu ei tähenda muidugi seda, et ma enda jaoks pedagoogilise töö vajalikkust või otstarbekust kahtluse alla seaksin. Pole võimalik! Sellest on saanud minu eksistentsi nii oluline, lahutamatu osa, et sellega seoses pole dilemmasid. Ma lihtsalt väidan fakte nii, nagu need on."

Praegu annab Baškirov hooaja jooksul umbes 55 kontserti. See näitaja on tema jaoks üsna stabiilne ega ole praktiliselt muutunud mitu aastat. "Ma tean, et on inimesi, kes esinevad palju rohkem. Ma ei näe selles midagi üllatavat: kõigil on erinevad energiavarud, vastupidavus, füüsiline ja vaimne jõud. Peamine on minu meelest mitte see, kui palju mängida, vaid kuidas. See tähendab, et esituste kunstiline väärtus on ennekõike oluline. Sest vastutustunne selle eest, mida laval teed, kasvab pidevalt.

Täna, jätkab Dmitri Aleksandrovitš, on väga raske rahvusvahelisel muusika- ja esinemismaastikul väärilist kohta hõivata. Vaja piisavalt sageli mängida; mängida erinevates linnades ja riikides; käivitada erinevaid programme. Ja loomulikult anna see kõik. üsna kõrgel professionaalsel tasemel. Ainult sellistel tingimustel on kunstnik, nagu öeldakse, silmapiiril. Pedagoogikaga tegelevale inimesele on see muidugi keerulisem kui mitteõpetajal. Seetõttu ignoreerivad paljud noored kontserdikülastajad õpetamist sisuliselt. Ja kusagil võib neist aru saada – arvestades kunstimaailmas üha suurenevat konkurentsi…”

Tulles tagasi vestluse juurde enda pedagoogitööst, ütleb Baškirov, et üldiselt tunneb ta end selles täiesti õnnelikuna. Õnnelik, sest tal on õpilased, kellega loominguline suhtlemine pakkus talle – ja pakub jätkuvalt – suurt rõõmu. «Kui vaadata neist parimaid, siis tuleb tunnistada, et tee kuulsuseni polnud kellelgi roosidega üle puistatud. Kui nad on midagi saavutanud, siis enamasti omaenda pingutustega. Ja võime loominguline eneseareng (mida pean muusiku jaoks kõige olulisemaks). Minu kunstiline elujõulisus seda ei tõestanud see või tolle võistluse seerianumber, vaid see, et nad mängivad tänapäeval paljude maailma riikide lavadel.

Eraldi tahaksin öelda mõne oma õpilase kohta. Üsna lühidalt. Sõna otseses mõttes mõne sõnaga.

Dmitri Aleksejev. Mulle meeldib see selles sisekonfliktmida mina tema õpetajana hästi tean. Konflikt selle sõna parimas tähenduses. See ei pruugi esmapilgul olla väga nähtav – pigem peidetud kui silmatorkav, kuid see on olemas, olemas ja see on väga oluline. Aleksejev on selgelt teadlik oma tugevatest ja nõrkadest külgedest, ta mõistab, et võitlus nende vahel ja tähendab meie erialal edasiliikumist. See liikumine võib kulgeda temaga, nagu ka teistega, sujuvalt ja ühtlaselt või kriiside ja ootamatute läbimurretena uutesse loomingulistesse sfääridesse. Vahet pole, kuidas. Tähtis on, et muusik läheks edasi. Mulle tundub, et Dmitri Aleksejevi kohta võib seda öelda, kartmata liialdusse langeda. Tema kõrge rahvusvaheline prestiiž pole juhuslik.

Nikolai Demidenko. Temasse suhtuti omal ajal mõnevõrra alandavalt. Mõned ei uskunud tema kunstniku tulevikku. Mida ma saan selle kohta öelda? Teatavasti küpsevad mõned esinejad varem, kiiremini (mõnikord küpsevad isegi liiga ruttu, nagu mõni esialgu läbi põlev nohik), teistel kulgeb see protsess aeglasemalt, rahulikumalt. Nende täielikuks arenemiseks, küpsemiseks, omal jalal seismiseks, parima väljatoomiseks kulub aastaid... Praegu on Nikolai Demidenkol rikkalik praktika, ta mängib palju meie riigi erinevates linnades ja välismaal. Ma ei jõua teda kuigi tihti kuulda, aga kui ma tema esinemistele lähen, siis näen, et paljud asjad, mida ta praegu teeb, pole päris samad, mis varem. Mõnikord ma peaaegu ei tunnegi ära tema tõlgenduses nendele teostele, mis me tunnis läbisime. Ja minu kui õpetaja jaoks on see suurim tasu…

Sergei Erokhin. VIII Tšaikovski konkursil kuulus ta laureaatide hulka, kuid sellel konkursil oli olukord tema jaoks väga raske: ta oli äsja Nõukogude armee ridadest demobiliseerunud ja loomulikult polnud ta kaugeltki oma parimast loomingulisest vormist. Võistlusest möödunud aja jooksul on Sergeil minu arvates olnud väga suur edu. Lubage mul meenutada vähemalt tema teist auhinda Santanderis (Hispaania) toimunud konkursil, mille kohta üks mõjukatest Madridi ajalehtedest kirjutas: "Sergei Erokhini etteasted olid väärt mitte ainult esimest auhinda, vaid kogu võistlust." Ühesõnaga, ma ei kahtle, et Sergeil on särav kunstiline tulevik. Pealegi on ta sündinud minu meelest mitte võistlusteks, vaid kontserdilavaks.

Aleksander Bondurjanski. Ta pühendus täielikult kammermuusikale. Aleksander on mitu aastat esinenud Moskva Trio koosseisus, kinnitades seda oma tahte, entusiasmi, pühendumuse, pühendumise ja kõrge professionaalsusega. Jälgin huviga tema tegemisi, veendun ikka ja jälle, kui oluline on muusikul oma tee leida. Tahaks arvata, et Bondurjanski huvi kammeransambelmuusika tegemise vastu oli tema vaatlus minu ühisest loometööst trios I. Bezrodny ja M. Khomitseriga.

Eiro Heinonen. Kodus, Soomes, on ta üks tuntumaid pianiste ja õppejõude (praegu on ta Helsingis Sibeliuse Akadeemia professor). Mäletan rõõmuga oma kohtumisi temaga.

Dang Thai Sean. Õppisin tema juures, kui ta oli Moskva konservatooriumi aspirant; kohtus temaga hiljem. Väga meeldivad muljed jäid kokkupuutest Seaniga – inimese ja kunstnikuga. Ta on tark, intelligentne, võluv ja hämmastavalt andekas. Oli aeg, mil ta koges midagi kriisitaolist: ta sattus ühtse stiili suletud ruumi ja isegi seal nägi ta mõnikord välja mitte eriti mitmekesine ja mitmetahuline ... Sean sai sellest kriisiperioodist suures osas üle; esitusmõtlemise sügavus, tunnete skaala, draama ilmus tema mängus … Tal on suurepärane pianistlik olevik ja kahtlemata mitte vähem kadestamisväärne tulevik.

Minu klassis on täna teisigi huvitavaid, lootustandvaid noori muusikuid. Kuid nad kasvavad endiselt. Seetõttu hoidun neist rääkimast.

Nagu igal andekal õpetajal, on ka Baškirovil õpilastega töötamiseks oma stiil. Talle ei meeldi klassiruumis pöörduda abstraktsete kategooriate ja mõistete poole, talle ei meeldi õpitavast tööst kaugele minna. Kasutab harva enda sõnul paralleele teiste kunstidega, nagu ka mõned kolleegid. Ta lähtub sellest, et muusikal, kõige universaalsemal kunstiliikidest, on omad seadused, omad “reeglid”, oma kunstiline eripära; seetõttu üritab õpilast sfääri kaudu puhtmuusikalise lahenduseni juhtida mittemuusikaline on mõnevõrra kunstlikud. Mis aga puudutab analoogiaid kirjanduse, maalikunsti jm, siis need võivad anda vaid tõuke muusikalise kuvandi mõistmiseks, kuid mitte asendada seda millegi muuga. Juhtub, et need analoogiad ja paralleelid tekitavad muusikale isegi teatud kahju – lihtsustavad... „Minu meelest on parem selgitada õpilasele, mida sa tahad, näoilmete, dirigendižesti ja loomulikult otsepildi abil. klaviatuuri.

Õpetada saab aga nii ja naa... Jällegi, sel juhul ei saa olla ühtset ja universaalset valemit.

Ta pöördub pidevalt ja visalt selle mõtte juurde tagasi: kunstikäsitluses pole midagi hullemat kui erapoolikus, dogmatism, ühedimensioonilisus. „Muusikamaailm, eriti esitus- ja pedagoogika, on ääretult mitmekesine. Siin saavad ja peavad täielikult koos eksisteerima kõige erinevamad väärtusvaldkonnad, kunstilised tõed ja konkreetsed loomingulised lahendused. Juhtub, et mõned inimesed vaidlevad nii: mulle meeldib – see tähendab, et see on hea; Kui ei meeldi, siis on see kindlasti halb. Selline nii-öelda loogika on mulle sügavalt võõras. Üritan selle ka oma õpilastele võõraks teha.

… Eespool rääkis Baškirov oma õpilase Dmitri Aleksejevi sisekonfliktist – konfliktist “selle sõna kõige paremas tähenduses”, mis “tähendab meie erialal edasiliikumist”. Need, kes Dmitri Aleksandrovitšit lähedalt tunnevad, nõustuvad, et esiteks on selline konflikt temas endas märgatav. Just tema oli see, kes kombineerituna kütkestava rangusega enda suhtes (Kunagi, 7-8 aastat tagasi, ütles Baškirov, et andis endale esinemiste eest midagi taolist: „Punktid on tõtt-öelda tavaliselt madalad... Aasta pärast sa pean andma kümneid kontserte. Olen parimal juhul mõnega rahul... "Sellega seoses tuleb tahtmatult meelde episood, mida GG Neuhausile meeldis meenutada:" Leopold Godovsky, mu kuulsusrikas õpetaja, ütles mulle kord: "Ma andis sel hooajal 83 kontserti ja teate, kui paljudega ma rahul olin? – kolm! (Neigauz GG Mõtisklused, mälestused, päevikud // Valitud artiklid. Kirjad vanematele. Lk 107).) – ja aitas tal kujuneda üheks oma põlvkonna silmapaistvamaks tegelaseks pianismis; see on see, kes toob kunstnikule kahtlemata palju loomingulisi avastusi.

G. Tsypin, 1990