Dinu Lipatti (Dinu Lipatti) |
Dino Lipatti
Tema nimest on ammu saanud ajalugu: kunstniku surmast on möödunud umbes viis aastakümmet. Selle aja jooksul on maailma kontserdilavadele tõusnud ja tõusnud palju staare, üles on kasvanud mitu põlvkonda silmapaistvaid pianiste, lavakunstis on välja kujunenud uued suundumused – need, mida tavaliselt nimetatakse "kaasaegseks esinemisstiiliks". Ja vahepeal ei ole Dinu Lipatti pärand erinevalt paljude teiste meie sajandi esimese poole suurte kunstnike pärandist olnud kaetud “muuseumi hõnguga”, pole kaotanud oma võlu, värskust: selgus, et olla moest väljas ja pealegi mitte ainult ei eruta jätkuvalt kuulajaid, vaid mõjutab ka uusi pianistide põlvkondi. Tema salvestised ei ole vanade plaatide kogujatele uhkuse allikaks – neid antakse ikka ja jälle välja, müüakse silmapilkselt läbi. See kõik ei juhtu mitte sellepärast, et Lipatti võiks olla endiselt meie seas, olla oma parimas eas, kui mitte halastamatu haiguse tõttu. Põhjused on sügavamad – tema igavikulise kunsti olemuses, tunde sügavas tõepärasuses, justkui puhastatuna kõigest välisest, mööduvast, mitmekordistades muusiku ande ja praeguse aja distantsi mõjujõudu.
Vähestel kunstnikel õnnestus nii lühikese ajaga inimeste mällu nii ereda jälje jätta, mille saatus neile määras. Eriti kui meenutada, et Lipatti polnud sugugi imelaps selle sõna üldtunnustatud tähenduses ja suhteliselt hilja algas ulatuslik kontserttegevus. Ta kasvas ja arenes muusikalises õhkkonnas: tema vanaema ja ema olid suurepärased pianistid, isa oli kirglik viiuldaja (võttis isegi tunde P. Sarasate ja K. Fleschi käest). Ühesõnaga pole üllatav, et tulevane muusik, veel tähestikku teadmata, vabalt improviseeris klaveril. Tema lihtsates kompositsioonides oli veidral kombel ja üllatava tõsidusega ühendatud lapselik lõbusus; selline tunnete vahetu ja mõttesügavuse kombinatsioon jäi hiljemgi, muutudes küpsele kunstnikule iseloomulikuks jooneks.
Kaheksa-aastase Lipatti esimene õpetaja oli helilooja M. Zhora. Avastanud õpilases erakordsed pianistlikud võimed, andis ta 1928. aastal üle kuulsale õpetajale Florika Muzycheskile. Neil samadel aastatel oli tal veel üks mentor ja patroon – George Enescu, kellest sai noore muusiku “ristiisa”, kes jälgis tähelepanelikult tema arengut ja aitas teda. 15-aastaselt lõpetas Lipatti kiitusega Bukaresti konservatooriumi ja pälvis peagi Enescu auhinna oma esimese suurema teose, sümfooniliste maalide "Chetrari" eest. Samal ajal otsustas muusik osaleda Viinis toimuval rahvusvahelisel pianistide konkursil, mis on võistluste ajaloos osalejate arvu poolest üks “massiivsemaid”: siis saabus Austria pealinna umbes 250 artisti. Lipatti oli teine (B. Kohni järel), kuid paljud žüriiliikmed nimetasid teda tõeliseks võitjaks. A. Cortot lahkus protestiks isegi žüriist; igatahes kutsus ta rumeenia noored kohe Pariisi.
Lipatti elas Prantsusmaa pealinnas viis aastat. Ta täiendas end A. Cortoti ja I. Lefeburi juures, käis Nadia Boulangeri klassis, võttis dirigeerimistunde C. Munschilt, kompositsiooni I. Stravinskilt ja P. Duke’ilt. Kümneid suuremaid heliloojaid üles kasvatanud Boulanger ütles Lipatti kohta nii: „Tõeliseks muusikuks selle sõna täies tähenduses võib pidada seda, kes pühendub täielikult muusikale, unustades ennast. Võin julgelt öelda, et Lipatti on üks neist kunstnikest. Ja see on parim seletus minu usule temasse. Just Boulangeriga tegi Lipatti 1937. aastal oma esimese salvestuse: Brahmsi neljakäe tantsud.
Samal ajal algas kunstniku kontserttegevus. Juba tema esimesed esinemised Berliinis ja Itaalia linnades äratasid kõigi tähelepanu. Pärast Pariisi debüüti võrdlesid kriitikud teda Horowitziga ja ennustasid üksmeelselt talle helget tulevikku. Lipatti käis Rootsis, Soomes, Austrias, Šveitsis ja kõikjal õnnestus. Iga kontserdiga avanes tema talent uute tahkudega. Sellele aitas kaasa tema enesekriitika, loominguline meetod: enne oma tõlgenduse lavale toomist saavutas ta mitte ainult täiusliku teksti valdamise, vaid ka täieliku sulandumise muusikaga, mille tulemuseks oli kõige sügavam tungimine autori loomingusse. kavatsus.
Iseloomulik on see, et alles viimastel aastatel hakkas ta pöörduma Beethoveni pärandi poole ja varem ei pidanud ta end selleks valmis. Ühel päeval märkis ta, et Beethoveni viienda kontserdi või Tšaikovski esimese kontserdi ettevalmistamiseks kulus tal neli aastat. Muidugi ei räägi see tema piiratud võimetest, vaid ainult tema äärmuslikest nõudmistest iseendale. Kuid iga tema esinemine on millegi uue avastamine. Autoritekstile truuks jäädes pani pianist tõlgenduse alati käima oma individuaalsuse “värvidega”.
Üks tema individuaalsuse tunnuseid oli sõnastamise hämmastav loomulikkus: väline lihtsus, mõistete selgus. Samas leidis ta iga helilooja jaoks erilised klaverivärvid, mis vastasid tema enda maailmavaatele. Tema Bach kõlas protestina suure klassiku kõhna “muuseumi” reproduktsiooni vastu. "Kes julgeb mõelda cembalole, kuulates Lipatti esituses esimest partiitat, mis on täis nii närvilist jõudu, nii meloodilist legatot ja nii aristokraatlikku graatsiat?" hüüatas üks kriitikutest. Mozart tõmbas teda ennekõike mitte graatsilisuse ja kergusega, vaid põnevuse, isegi draama ja meelekindlusega. "Pole järeleandmisi galantsele stiilile," näib tema mäng ütlevat. Seda rõhutavad rütmiline rangus, keskmine pedaalimine, energiline puudutus. Tema arusaam Chopinist on samas plaanis: puudub sentimentaalsus, range lihtsus ja samal ajal – tohutu tundejõud…
Teine maailmasõda leidis kunstniku järjekordsel ringreisil Šveitsis. Ta naasis kodumaale, jätkas esinemist, muusika loomist. Kuid fašistliku Rumeenia lämmatav õhkkond surus ta maha ja 1943. aastal õnnestus tal lahkuda Stockholmi ja sealt edasi Šveitsi, millest sai tema viimane pelgupaik. Ta juhatas Genfi konservatooriumi esinemisosakonda ja klaveriklassi. Kuid just sel hetkel, kui sõda lõppes ja kunstniku ees avanesid hiilgavad väljavaated, ilmnesid esimesed märgid ravimatust haigusest – leukeemiast. Ta kirjutab oma õpetajale M. Zhorale kibestunult: „Kui olin terve, oli võitlus puudusega väsitav. Nüüd, kui ma olen haige, on kutseid kõikidest riikidest. Olen sõlminud lepingud Austraalia, Lõuna- ja Põhja-Ameerikaga. Milline saatuse iroonia! Aga ma ei anna alla. Ma võitlen, ükskõik mida."
Võitlus kestis aastaid. Pikad ringreisid tuli ära jätta. 40ndate teisel poolel ta peaaegu ei lahkunud Šveitsist; Erandiks olid tema reisid Londonisse, kus ta debüteeris 1946. aastal koos G. Karajaniga, mängides tema juhatusel Schumanni kontserti. Lipatti sõitis hiljem veel mitu korda Inglismaale salvestama. Kuid 1950. aastal ei suutnud ta isegi sellist reisi enam välja kannatada ja I-am-a firma saatis oma “meeskonna” tema juurde Genfi: mõne päevaga, suurima pingutuse hinnaga, 14 Chopini valsi, Salvestati Mozarti sonaat (nr 8), Bachi partiita (B-duur), Chopini 32. Mazurka. Augustis esines ta orkestriga viimast korda: kõlas Mozarti kontsert (nr 21), poodiumil oli G. Karayan. Ja 16. septembril jättis Dinu Lipatti Besançoni publikuga hüvasti. Kontserdi kavas olid Bachi partiita B-duur, Mozarti sonaat, kaks eksprompt Schubertilt ja kõik 14 Chopini valssi. Ta mängis vaid 13 – viimasele ei jätkunud enam jõudu. Kuid mõistis, et ta ei tule enam kunagi laval, esitas kunstnik Bachi koraali, mille seadis klaverile Myra Hess... Selle kontserdi salvestusest sai üks põnevamaid, dramaatilisemaid dokumente meie sajandi muusikaajaloos...
Pärast Lipatti surma kirjutas tema õpetaja ja sõber A. Cortot: „Kallis Dinu, teie ajutine viibimine meie seas ei too teid mitte ainult ühisel nõusolekul teie põlvkonna pianistide seas esikohale. Teid kuulajate mällu jätate kindlustunde, et kui saatus poleks teie vastu nii julm olnud, oleks teie nimest saanud legend, näide kunsti ennastsalgavast teenimisest. Sellest ajast möödunud aeg on näidanud, et Lipatti kunst on selliseks eeskujuks tänaseni. Tema helipärand on suhteliselt väike – ainult umbes üheksa tundi salvestusi (kui kordusi arvestada). Lisaks ülalmainitud heliloomingutele õnnestus tal plaatidele jäädvustada Bachi (nr 1), Chopini (nr 1), Griegi, Schumanni kontserte, Bachi, Mozarti, Scarlatti, Liszti, Raveli näidendeid, tema enda teoseid. kompositsioonid – Concertino klassikalises stiilis ja Sonaat vasakutele kätele… See on peaaegu kõik. Kuid kõik, kes nende plaatidega tutvuvad, nõustuvad kindlasti Florica Muzycescu sõnadega: "Kunstiline kõne, millega ta inimeste poole pöördus, on alati publikut köitnud, see haarab ka neid, kes tema mängu plaadilt kuulavad."
Grigorjev L., Platek Ya.
