Boris Yoffe |

Boriss Yoffe

Helilooja, viiuldaja, dirigendi ja õpetaja Boris Yoffe looming väärib muidugi akadeemilise muusika austajate erilist tähelepanu, kuulub kaasaegse helilooja mõtteviisi parimate näidete hulka. Joffe edu heliloojana saab hinnata selle järgi, kes tema muusikat esitab ja salvestab. Siin on mittetäielik nimekiri Yoffe muusika tuntud esitajatest: Hilliard Ensemble, Rosamunde Quartet, Patricia Kopachinskaya, Konstantin Lifshits, Ivan Sokolov, Kolya Lessing, Reto Bieri, Augustine Wiedemann ja paljud teised. Manfred Aicher avaldas oma ECM-i plaadifirma Boris Yoffe CD Song of Songs Hilliard Ensemble'i ja Rosamunde Quartet esituses. Wolfgang Rihm on Joffe loomingut korduvalt kiitnud ja osa tekstist kirjutanud Laulude laulu plaadi vihiku jaoks. Tänavu juulis andis kirjastus Wolke saksa keeles välja Boris Joffe artikliteraamatu ja essee “Muusikaline tähendus” (“Musikalischer Sinn”).

Tundub, et Joffet võib pidada üsna edukaks heliloojaks, võiks arvata, et tema muusikat kuuleb ja teavad paljud. Heidame pilgu asjade tegelikule seisule. Kas Yoffe muusikat mängitakse nüüdismuusika festivalidel palju? Ei, see ei kõla üldse. Miks, sellele püüan allpool vastata. Kui tihti see raadios kõlab? Jah, mõnikord Euroopas – eriti “Laululaulus” –, kuid täielikult Boris Yoffe loomingule pühendatud saateid peaaegu polnud (välja arvatud Iisrael). Kas kontserte on palju? Need toimuvad ja leiavad aset erinevates riikides – Saksamaal, Šveitsis, Prantsusmaal, Austrias, USA-s, Iisraelis, Venemaal – tänu neile muusikutele, kes oskasid Yoffe muusikat hinnata. Need muusikud pidid aga ise tegutsema “produtsentidena”.

Boris Yoffe muusika pole veel eriti tuntud ja võib-olla alles teel kuulsuse poole (jääb vaid loota ja öelda "võib-olla", sest ajaloos oli palju näiteid, mil isegi oma aja parimat ei hinnatud kaasaegsete poolt). Muusikud, kes hindavad kirglikult Joffe muusikat ja isiksust – eelkõige viiuldaja Patricia Kopatchinskaya, pianist Konstantin Lifshitz ja kitarrist Augustin Wiedenman – väidavad tema muusikat oma kunstiga kontsertidel ja salvestustel, kuid see on vaid piisk tuhandete kontsertide ookeanis.

Püüan vastata küsimusele, miks Boris Yoffe muusikat nüüdismuusika festivalidel eriti harva kuuleb.

Probleem on selles, et Yoffe'i looming ei mahu mingisse raamistikku ja suunda. Siinkohal tuleb kohe rääkida Boris Yoffe põhitööst ja loomingulisest avastusest – tema “Kvartettide raamatust”. Alates 90ndate keskpaigast on ta kirjutanud igapäevaselt kvartetipalast, mis mahub ühele noodilehele ilma tempo, dünaamiliste või agoogiliste näpunäideteta. Nende näidendite žanri võib määratleda kui "luuletust". Nagu luuletust, tuleb iga pala lugeda (teisisõnu peab muusik muusikast määrama tempo, agoogia ja dünaamika), mitte ainult mängima. Moodsas muusikas ei tea ma midagi sellist (aleatoorika ei lähe arvesse), aga antiikmuusikas on see kogu aeg (Bachi fuugakunstis pole isegi pillide sümboleid, tempost ja dünaamikast rääkimata) . Veelgi enam, Yoffe muusikat on raske üheselt mõistetavasse stiiliraamistikku “torkida”. Mõned kriitikud kirjutavad Regeri ja Schönbergi (inglise kirjanik ja libretist Paul Griffiths) traditsioonidest, mis tundub muidugi väga kummaline! – meenutavad teised Cage’i ja Feldmani – viimane on eriti märgatav Ameerika kriitikas (Stephen Smolyar), mis näeb Yoffis midagi lähedast ja isiklikku. Üks kriitikutest kirjutas nii: “See muusika on ühtaegu tonaalne ja atonaalne” – selliseid ebatavalisi ja ebastandardseid aistinguid kogevad kuulajad. Pärdi ja Silvestrovi “uuest lihtsusest” ja “vaesusest” on see muusika sama kaugel kui Lachenmanist või Fernyhowist. Sama kehtib ka minimalismi kohta. Sellegipoolest on Joffe muusikas näha selle lihtsust, uudsust ja isegi omamoodi “minimalismi”. Olles seda muusikat korra kuulnud, ei saa seda enam teisega segi ajada; see on sama unikaalne kui inimese isiksus, hääl ja nägu.

Mida pole Boris Yoffe muusikas? Pole poliitikat, pole “aktuaalseid probleeme”, pole midagi ajalehte ja hetkelist. Selles pole müra ja ohtralt kolmkõla. Selline muusika määrab oma vormingu ja mõtlemise. Kordan: Joffe muusikat mängiv muusik peab oskama noote lugeda, mitte mängida, sest selline muusika nõuab kaasosatäitmist. Kuid ka kuulaja peab osalema. Selgub selline paradoks: tundub, et muusika ei ole pealesurutud ja tavaliste nootidega hingav, vaid muusikat tuleks kuulata eriti tähelepanelikult ja mitte lasta end segada – vähemalt üheminutilise kvarteti ajal. See polegi nii raske: sa ei pea olema suur ekspert, sa ei pea mõtlema tehnikale või kontseptsioonile. Et mõista ja armastada Boris Yoffe muusikat, tuleb osata muusikat vahetult ja tundlikult kuulata ning sellest lähtuda.

Keegi võrdles Joffe muusikat veega ja teine ​​leivaga, ennekõike eluks vajalikuga. Nüüd on nii palju liialdusi, nii palju hõrgutisi, aga miks sul on janu, miks tunned end nagu Saint-Exupery kõrbes? Tuhandeid “luuletusi” sisaldav “Kvartettide raamat” pole mitte ainult Boris Yoffe loomingu keskpunkt, vaid ka paljude teiste tema teoste – orkestri-, kammer- ja vokaalteoste – allikas.

Eristuvad ka kaks ooperit: rabi Nachmanil jidiši keeles põhinev “Rabi ja tema poja lugu” (libreto kirjutamises osales kuulus poeet ja tõlkija Anri Volohhonsky) ning suure prantslase originaalteksti põhjal loodud “Esther Racine”. näitekirjanik. Mõlemad ooperid kammeransamblile. Kunagi esitamata “Rabbi” (v.a sissejuhatus) ühendab endas kaasaegsed ja iidsed pillid – erinevas häälestuses. Esther on kirjutatud neljale solistile ja väikesele barokkansamblile. See lavastati 2006. aastal Baselis ja seda tuleks eraldi mainida.

“Esther Racina” on austusavaldus (kummardus) Rameau’le, kuid samas ei ole ooper stilisatsioon ja on kirjutatud oma äratuntavas võtmes. Näib, et pärast Stravinski Oidipus Rexi, millega Estherit võib võrrelda, pole midagi sellist juhtunud. Sarnaselt Stravinski ooper-oratooriumile ei piirdu Esther ühe muusikalise ajastuga – see pole isikupäratu pastišš. Mõlemal juhul on autorid, nende esteetika ja idee muusikast täiesti äratuntavad. Siit aga algavad erinevused. Stravinski ooper võtab üldiselt vähe arvesse mitte-Stravinski muusikat; huvitavam on selles, mis on tema harmooniast ja rütmist kui barokitraditsiooni žanri mõistmine. Pigem kasutab Stravinsky klišeesid, žanrite ja vormide “fossiile” nii, et neid saab murda ja nendest kildudest üles ehitada (nagu Picasso maalis tegi). Boris Yoffe ei riku midagi, sest tema jaoks ei ole need barokkmuusika žanrid ja vormid fossiilid ning tema muusikat kuulates võime ka veenduda, et muusikatraditsioon on elus. Kas see ei tuleta teile meelde... surnute ülestõusmise imet? Ainult, nagu näete, on ime mõiste (ja veelgi enam tunne) väljaspool tänapäeva inimese eluvaldkonda. Horowitzi märkmetesse jäädvustatud ime on nüüdseks vulgaarsus ja Chagalli imed on naiivsed jamad. Ja kõigele vaatamata: Schubert elab Horowitzi kirjutistes edasi ja valgus täidab läbi Chagalli vitraažide Püha Stefani kirikut. Juudi vaim ja Euroopa muusika on Joffe kunstis kõigest hoolimata olemas. “Estheril” puuduvad välise iseloomu ega “läikiva” ilu efektid. Nagu Racine'i värss, on ka muusika karm ja graatsiline, kuid selle graatsilise ranguse raames antakse vabadus paljudele väljenditele ja tegelastele. Esteri häälepartii kõverad saavad kuuluda vaid kaunile keisrinnale, tema õrnadele ja suurepärastele õlgadele... Nagu Mandelstam: “... Kõik laulavad järskude õlgadega õnnistatud naisi…” Samas kuuleme neis kurvides valu, värinat, kõiki tasaduse, usu ja armastuse pettuse, ülbuse ja vihkamise jõud. Elus ilmselt mitte, aga vähemalt kunstis me seda näeme ja kuuleme. Ja see pole pettus, mitte põgenemine reaalsuse eest: tasadus, usk, armastus – see on inimlik, parim, mis meis, inimestes, sisaldub. Kes kunsti armastab, tahab selles näha ainult kõige väärtuslikumat ja puhtamat ning mustust ja ajalehti on maailmas niikuinii piisavalt. Ja pole vahet, kas seda väärtuslikku asja nimetatakse tasaduseks või jõuks või äkki mõlemaks korraga. Boris Yoffe väljendas oma kunstiga otseselt oma ideed ilust Estheri monoloogis 3. vaatusest. Pole juhus, et monotüki aineline ja muusikaline esteetika pärineb helilooja peateosest “Kvartettide raamatust”, kus ta teeb ainult seda, mida ta enda jaoks vajalikuks peab.

Boris Yoffe sündis 21. detsembril 1968 Leningradis inseneride peres. Kunst hõivas Yoffe'i perekonna elus olulise koha ning väike Boris sai üsna varakult (läbi salvestuste) kirjanduse ja muusikaga liituda. 9-aastaselt hakkas ta ise viiulit mängima, käies muusikakoolis, 11-aastaselt lõi ta oma esimese kvarteti, kestusega 40 minutit, mille muusika üllatas kuulajaid oma tähenduslikkusega. Pärast 8. klassi astus Boris Yoffe muusikakooli viiuliklassi (ped Zaitsev). Umbes samal ajal toimus Joffe jaoks oluline kohtumine: ta hakkas võtma Adam Stratievskilt teooria eratunde. Stratijevski viis noore muusiku muusika mõistmise uuele tasemele ja õpetas talle palju praktilisi asju. Joffe ise oli selleks kohtumiseks valmis oma kolossaalse musikaalsuse (tundlik absoluutne kõrv, mälu ja mis kõige tähtsam – kustumatu armastus muusika vastu, muusikaga mõtlemine) kaudu.

Seejärel oli teenistus Nõukogude armees ja emigreerumine Iisraeli 1990. aastal. Tel Avivis astus Boris Yoffe muusikaakadeemiasse. Rubin ja jätkas õpinguid A. Stratijevski juures. 1995. aastal kirjutati Kvartettide raamatu esimesed palad. Nende esteetika määratleti lühikeses teoses keelpillitriole, mis oli kirjutatud veel sõjaväes. Mõni aasta hiljem salvestati esimene kvartettidega plaat. 1997. aastal kolis Boris Joffe koos naise ja esimese tütrega Karlsruhesse. Seal õppis ta Wolfgang Rihmi juures, seal kirjutati kaks ooperit ja anti välja veel neli plaati. Joffe elab ja töötab Karlsruhes tänaseni.