Andrei Jakovlevitš Eshpay |

Andrei Eshpay

Ühtne harmoonia – muutuv maailm... Iga rahva hääl peaks kõlama planeedi polüfoonias ja see on võimalik, kui kunstnik – kirjanik, maalikunstnik, helilooja – väljendab oma mõtteid ja tundeid oma emakeeles kujundikeeles. Mida rahvuslikum on kunstnik, seda individuaalsem ta on. A. Eshpay

Kunstniku elulugu ise määras paljuski ette aupakliku puudutuse kunstis originaalile. Helilooja isa Y. Eshpay, üks mari professionaalse muusika rajajaid, sisendas oma ennastsalgava tööga pojas armastust rahvakunsti vastu. A. Eshpay sõnul oli isa märkimisväärne, sügav, intelligentne ja taktitundeline, väga tagasihoidlik – tõeline ennastsalgav muusik. Suure rahvaluuletundjana näis ta autorina kõrvale jätvat, nähes oma kohust inimesteni rahvamõtte ilu ja suursugusust edasi anda. Ta mõistis, et Mari pentatoonilise skaalaga on võimatu sobitada … ühegi teise harmoonilise ja iseseisva, kuid rahvakunstile võõrasse süsteemi. Originaali tunnen ma alati ära oma isa töödest.»

A. Eshpay neelas lapsepõlvest peale Volga piirkonna erinevate rahvaste folkloori, kogu karmi ugri piirkonna lüürilis-eepilise süsteemi. Eriliseks traagiliseks teemaks helilooja elus ja loomingus kujunes sõda – ta kaotas sõbrad vanema venna, kelle mälestus on pühendatud kaunile laulule “Moskvalased” (“Kõrvarõngas Malaya Bronnaga”). Luurerühmas osales Eshpay Varssavi vabastamisel, Berliini operatsioonil. Sõjaga katkenud muusikatunnid jätkusid Moskva konservatooriumis, kus Ešpay õppis kompositsiooni N. Rakovi, N. Mjaskovski, E. Golubevi ja klaverit V. Sofronitski juures. Ta lõpetas aspirantuuri A. Hatšaturjani juhendamisel 1956. aastal.

Sel ajal loodi Sümfoonilised tantsud mari teemadel (1951), Ungari meloodiad viiulile ja orkestrile (1952), Esimene klaverikontsert (1954, 2. trükk – 1987), Esimene viiulikontsert (1956). Need teosed tõid heliloojale laialdase kuulsuse, avasid tema loomingu põhiteemad, murdsid loominguliselt tema õpetajate ettekirjutusi. On iseloomulik, et Hatšaturjan, kes sisendas temasse helilooja sõnul “mastaabimaitse”, mõjutas suuresti Eshpai ideid kontserdižanri kohta.

Eriti viitav on I viiulikontsert oma temperamentse plahvatuslikkuse, värskuse, vahetu tunnete väljendamise, avatud pöördumisega rahva- ja žanrisõnavarasse. Eshpay on Hatšaturjanile lähedane ka armastusega M. Raveli stiili vastu, mis tuli eriti esile tema klaveriloomingus (Esimene klaverikontsert, esimene klaverisonatiin – 1948). Neid meistreid ühendab ka harmoonia, värskus, emotsionaalne nakkav ja koloristiline suuremeelsus.

Myaskovski teema on Eshpay loomingus eriline osa. Tema järgija ideaaliks osutusid eetilised positsioonid, väljapaistva nõukogude muusiku, tõelise traditsioonide hoidja ja reformija kuvand. Helilooja jääb truuks Mjaskovski ettekirjutusele: "olla siiras, tulihingeline kunsti suhtes ja juhtida oma liini." Mjaskovski mälestuseks mõeldud mälestusteosed on seotud õpetaja nimega: Orel Passacaglia (1950), Variatsioonid orkestrile Mjaskovski kuueteistkümnenda sümfoonia teemal (1966), Teine viiulikontsert (1977), vioolakontsert (1987-88), milles kasutati Passacaglia oreli materjali. Myaskovski mõju Eshpay suhtumisele folkloorisse oli väga märkimisväärne: oma õpetajat järgides jõudis helilooja rahvalaulu sümboolse tõlgendamiseni, kultuuri erinevate traditsiooniliste kihtide lähendamiseni. Myaskovski nime seostatakse ka pöördumisega veel ühele Eshpay jaoks kõige olulisemale traditsioonile, mis kordub paljudes kompositsioonides, alustades balletist “Ring” (“Pea meeles!” – 1979), – Znanny laulmine. Esiteks, Neljandas (1980), Viiendas (1986), Kuuendas (“Liturgiline” sümfoonia (1988), Koorikontsert (1988) personifitseerib see ennekõike harmoonilist, valgustatud, eetose printsiipi, algupäraseid omadusi. rahvuslik eneseteadvus, vene kultuuri aluspõhimõtted.Eriline tähendus omandab Eshpay loomingus veel ühe olulise teema – lüürilise. Traditsioonis juurdunud, ei muutu see kunagi individualistlikuks omavoliks, selle võõrandamatuteks omadusteks on rõhutatud vaoshoitust ja rangust, väljenduse objektiivsust ja sageli otsene seos kodanlike intonatsioonidega.

Militaarteema lahendus, memoriaali žanrid, pöördumine pöördelistele sündmustele – olgu selleks sõda, ajaloolised meeldejäävad daatumid – on omapärane ja nende arusaamises on laulusõnad alati olemas. Sellised teosed nagu esimene (1959), teine ​​(1962) valgusest läbi imbunud sümfoonia (esimese epigraaf – V. Majakovski sõnad „Tulevatest päevadest tuleb rõõmu välja võluda“, teise epigraaf – „Kiitus valgusele”), pani kantaat “Lenin meiega” (1968), mis on silmapaistev oma plakatilaadse kaasakiskuvuse, väljendusretoorilise heledusega ja samal ajal peeneima lüürilise maastiku poolest, aluse originaalsele stiililisele sulamile. oratoorne ja lüüriline, objektiivne ja isiklik, helilooja peamiste teoste jaoks tähenduslik. Vana-Vene kultuuri jaoks nii tähendusrikast ühtsust “nutt ja au, haletsus ja kiitus” (D. Lihhatšov) jätkatakse erinevates žanrites. Eriti silmapaistvad on Kolmas sümfoonia (Isa mälestuseks, 1964), teine ​​viiuli- ja vioolakontsert, omamoodi suur tsükkel – Neljas, Viies ja Kuues sümfoonia, koorikontsert. Aastate jooksul omandab lüürilise teema tähendus sümboolse ja filosoofilise varjundi, puhastub üha enam kõigest välisest, subjektiivsest-pealiskaudsest, mälestusmärk riietatakse mõistujuttu. Märkimisväärne on lüürilise teema vahetamine balleti Angara (1975) muinasjutu-folkloori ja romantilis-kangelasliku jutustamise asemel hoiatava balleti Ring (Pea meeles!) üldistatud kujundile. Traagilisest, kohati leinast tähendusest läbi imbunud teoste-pühenduste üldinimlik tähendus on üha ilmsem. Kaasaegse maailma konfliktsuse kõrgendatud tajumine ja kunstilise reaktsiooni tundlikkus sellele kvaliteedile on kooskõlas helilooja vastutusega pärandi ja kultuuri ees. Kujundite kvintessents on “Mäe- ja niidumari laulud” (1983). See teos koos kontserdiga oboele ja orkestrile (1982) pälvis Lenini preemia.

Objektiiv-lüüriline intonatsioon ja “kooriline” kõla värvivad kontserdižanri tõlgendust, mis kehastab individuaalset printsiipi. Väljendatuna erinevates vormides – memoriaal, meditatiivne tegevus, folkloori taasloomine, pöördumine vana concerto grosso uuesti läbimõeldud mudeli poole, kaitseb helilooja seda teemat järjekindlalt. Samas arendab helilooja kontserdižanris, nagu ka teistes teostes, mängulisi motiive, pidulikkust, teatraalsust, värvikergust, rütmi julget energiat. See on eriti märgatav kontsertides orkestrile (1966), 1972. klaverile (1982), oboele (1985) ja kontserti saksofonile (86–XNUMX) võib nimetada "improvisatsiooni portreeks". “Üks harmoonia – muutuv maailm” – need sõnad balletist “Ring” võiksid olla epigraafina meistri loomingule. Harmoonilise, piduliku konfliktis ja keerulises maailmas ülekandmine on heliloojale omane.

Samaaegselt traditsioonide teema kehastamisega pöördub Eshpay alati uue ja tundmatu poole. Traditsioonilise ja uuendusliku orgaaniline kombinatsioon on omane nii vaadetele komponeerimisprotsessile kui ka helilooja loomingule endale. Loominguliste ülesannete mõistmise laius ja vabadus peegeldub juba žanrimaterjali käsitluses. Teatavasti on džässiteema ja sõnavara helilooja loomingus erilisel kohal. Džäss on tema jaoks mingil moel nii muusika enda kui ka folkloori hoidja. Helilooja pööras palju tähelepanu massilaulule ja selle probleemidele, kergele muusikale, filmikunstile, mis on oluline dramaatilise ja väljendusliku potentsiaali poolest, iseseisvate ideede allikas. Muusikamaailm ja elav reaalsus ilmnevad orgaanilises suhtes: helilooja sõnul pole "muusika imeline maailm suletud, mitte isoleeritud, vaid on vaid osa universumist, mille nimi on elu."

M. Lobanova