Sergei Vassiljevitš Rahmaninov |

Sergei Rahmaninov

Ja mul oli kodumaa; Ta on imeline! A. Pleštšejev (G. Heinest)

Rahmaninov loodi terasest ja kullast; Teras tema kätes, kuld südames. I. Hoffman

"Olen vene helilooja ja kodumaa on jätnud jälje mu iseloomu ja vaateid." Need sõnad kuuluvad S. Rahmaninovile, suurele heliloojale, säravale pianistile ja dirigendile. Kõik Venemaa ühiskondliku ja kunstielu olulisemad sündmused kajastusid tema loomingulises elus, jättes kustumatu jälje. Rahmaninovi loomingu kujunemine ja õitseng langeb 1890.-1900. aastatesse, aega, mil vene kultuuris toimusid kõige keerulisemad protsessid, vaimne pulss lõi palavikuliselt ja närviliselt. Rahmaninovile omane ajastu teravalt lüüriline tunnetus oli alati seotud tema armastatud kodumaa kuvandiga, selle laiade avaruste lõpmatuse, elementaarjõudude jõu ja vägivaldse võimsusega, õitseva kevadise looduse õrna haprusega.

Rahmaninovi anne avaldus varakult ja eredalt, kuigi kuni kaheteistkümnenda eluaastani ei ilmutanud ta erilist innukust süstemaatilise muusikatundide vastu. Klaverimängu hakkas ta õppima 4-aastaselt, 1882. aastal võeti ta vastu Peterburi konservatooriumi, kus ta omapäi jäetuna päris palju jamasid ja 1885. aastal viidi üle Moskva konservatooriumi. Siin õppis Rahmaninnov klaverit N. Zverevi, seejärel A. Siloti juures; teoreetilistes ainetes ja kompositsioonis – koos S. Tanejevi ja A. Arenskiga. Elades koos Zvereviga (1885-89) pansionaadis, läbis ta karmi, kuid väga mõistliku töödistsipliini kooli, mis muutis ta meeleheitel laisast ja ulakast erakordselt kogukaks ja tahtejõuliseks inimeseks. "Parima, mis minus on, olen talle võlgu," ütles Rahmaninov hiljem Zverevi kohta. Konservatooriumis mõjutas Rahmaninovi tugevalt P. Tšaikovski isiksus, kes omakorda jälgis oma lemmiku Serjoža arengut ja aitas pärast konservatooriumi lõpetamist lavastada Suures Teatris ooperit Aleko, teades tema enda teada. enda kurb kogemus, kui raske on algajal muusikul oma teed rajada.

Rahmaninov on lõpetanud konservatooriumi klaveri erialal (1891) ja kompositsiooni erialal (1892) suure kuldmedaliga. Selleks ajaks oli ta juba mitmete kompositsioonide autor, sealhulgas kuulus prelüüd cis-moll, romanss “Salajase öö vaikuses”, esimene klaverikontsert, ooper “Aleko”, mis on kirjutatud lõputööna. vaid 17 päevaga! Järgnenud fantaasiapalad op. 3 (1892), Eleegiac Trio “Suure kunstniku mälestuseks” (1893), Süit kahele klaverile (1893), Muusikahetked op. 16 (1896), romansid, sümfoonilised teosed – “Kalju” (1893), Capriccio mustlasteemadel (1894) – kinnitasid Rahmaninovi arvamust kui tugevat, sügavat, originaalset talendit. Rahmaninovile omased kujundid ja meeleolud esinevad neis teostes laias spektris – „Muusikalise hetke” h-moll traagilisest leinast romansi „Kevadveed” hümnilise apoteoosini, alates XNUMX. aastast pärit karmist spontaans-tahtlikust survest. “Muusikaline hetk” e-moll romanssi “Saar” peeneima akvarellini.

Nende aastate elu oli raske. Otsustav ja võimas esituses ja loomingulisuses Rahmaninov oli loomult haavatav inimene, kes koges sageli enesekindlust. Segasid materiaalsed raskused, maised korratused, ekslemine võõrastes nurkades. Ja kuigi teda toetasid lähedased inimesed, eelkõige perekond Satin, tundis ta end üksikuna. Tema 1897. aasta märtsis Peterburis ette kantud Esimese sümfoonia läbikukkumisest põhjustatud tugev šokk viis loomingulise kriisini. Mitu aastat ei komponeerinud Rahmaninnov midagi, kuid tema esinemistegevus pianistina intensiivistus ja ta debüteeris Moskva Erooperis (1897) dirigendina. Nende aastate jooksul kohtus ta L. Tolstoiga, Kunstiteatri kunstnikest A. Tšehhovist sai alguse sõprus Fjodor Šaljapiniga, mida Rahmaninov pidas üheks “kõige võimsamaks, sügavamaks ja peenemaks kunstielamuseks”. 1899. aastal esines Rahmaninov esimest korda välismaal (Londonis) ja 1900. aastal külastas ta Itaaliat, kus ilmusid sketsid tulevasest ooperist Francesca da Rimini. Rõõmustav sündmus oli ooperi Aleko lavaletoomine Peterburis A. Puškini 100. sünniaastapäeva puhul Chaliapiniga Aleko rollis. Nii hakati tasapisi ette valmistama sisemist pöördepunkti ja seda 1900. aastate alguses. toimus tagasipöördumine loovuse juurde. Uus sajand algas Teise klaverikontserdiga, mis kõlas võimsa häirekellana. Kaasaegsed kuulsid temas Aja häält selle pinge, plahvatuslikkuse ja lähenevate muutuste tunnetusega. Nüüd on kontserdi žanr muutumas juhtivaks, just selles kehastuvad peamised ideed suurima terviklikkuse ja kaasatusega. Rahmaninovi elus algab uus etapp.

Tema pianisti- ja dirigenditegevus pälvib üldise tunnustuse Venemaal ja välismaal. 2 aastat (1904-06) töötas Rahmaninov Suures Teatris dirigendina, jättes selle ajalukku mälestuseks vene ooperite imelised lavastused. 1907. aastal osales ta S. Djagilevi korraldatud Vene ajaloolistel kontsertidel Pariisis, 1909. aastal esines esmakordselt Ameerikas, kus mängis G. Mahleri ​​juhatusel oma Kolmandat klaverikontserti. Intensiivne kontserttegevus Venemaa linnades ja välismaal ühendati mitte vähem intensiivse loominguga ning selle kümnendi muusikas (kantaadis “Kevade” – 1902, prelüüdides op. 23, II sümfoonia finaalis ja Kolmas kontsert) on palju tulihingelist entusiasmi ja entusiasmi. Ja sellistes kompositsioonides nagu romanssid “Sirel”, “Siin on hea”, prelüüdides D-duur ja G-duur kõlas “loodusjõudude laulvate jõudude muusika” hämmastava läbitungiga.

Aga samadel aastatel on tunda ka teisi meeleolusid. Kurbadest mõtetest emamaast ja selle edasisest saatusest, filosoofilistest mõtisklustest elu ja surma üle sünnivad traagilised kujundid esimesest klaverisonaadist, mis on inspireeritud Goethe Faustist, Šveitsi kunstniku maalil põhinevast sümfoonilisest poeemist “Surnute saar”. A. Böcklin (1909), kolmanda kontserdi paljud leheküljed, romansid op. 26. Sisemised muutused muutusid eriti märgatavaks pärast 1910. aastat. Kui kolmandas kontserdis saadakse tragöödiast lõpuks üle ja kontsert lõpeb juubeldava apoteoosiga, siis sellele järgnenud teostes see aina süveneb, tuues ellu agressiivseid, vaenulikke kujundeid, süngeid, depressiivsed meeleolud. Muusikakeel muutub keerulisemaks, kaob Rahmaninovile nii omane lai meloodiline hingus. Sellised on vokaal-sümfooniline poeem “Kellad” (p. E. Poe, tlk K. Balmont – 1913); romansid op. 34 (1912) ja op. 38 (1916); Etüüdid-maalid op. 39 (1917). Kuid just sel ajal lõi Rahmaninovi kõrge eetilise tähendusega teosed, millest sai kestva vaimse ilu kehastus, Rahmaninovi meloodia – “Vocalise” ja “All-Night Vigil” – kulminatsioon koorile a cappella (1915). “Mind on lapsepõlvest saati köitnud Oktoikhi suurepärased meloodiad. Olen alati tundnud, et nende kooritöötluseks on vaja erilist, erilist stiili, ja mulle tundub, et ma leidsin selle vesprist. Ma ei saa muud kui tunnistada. et selle esmaesitus Moskva Sinodaalikoori esituses pakkus mulle tund aega kõige rõõmsamat naudingut,” meenutas Rahmaninov.

24. detsembril 1917 lahkus Rahmaninov koos perega Venemaalt, nagu hiljem selgus, igaveseks. Rohkem kui veerand sajandit elas ta võõral maal, USA-s ning see periood oli enamasti täis kurnavat kontserttegevust, alludes muusikaäri julmatele seadustele. Märkimisväärse osa oma honoraridest kasutas Rahmaninov kaasmaalaste materiaalseks toetamiseks välismaal ja Venemaal. Niisiis anti kogu 1922. aasta aprilli etenduse kollektsioon üle Venemaa nälgijate hüvanguks ja 1941. aasta sügisel saatis Rahhmaninov Punaarmee abifondi üle nelja tuhande dollari.

Välismaal elas Rahmaninov isolatsioonis, piirates oma sõpruskonda Venemaalt pärit immigrantidega. Erand tehti vaid klaverifirma juhi F. Steinway perekonnale, kellega Rahmaninovil olid sõbralikud suhted.

Välismaal viibimise esimestel aastatel ei jätnud Rahmaninov loomingulise inspiratsiooni kadumisele. «Pärast Venemaalt lahkumist kadus komponeerimissoov. Olles kaotanud oma kodumaa, kaotasin ma iseenda. Vaid 8 aastat pärast välismaalt lahkumist naaseb Rahmaninov loovuse juurde, loob neljanda klaverikontserdi (1926), kolm vene laulu koorile ja orkestrile (1926), variatsioonid Corelli teemale klaverile (1931), rapsoodia Paganini teemal. (1934), Kolmas sümfoonia (1936), "Sümfoonilised tantsud" (1940). Need tööd on Rahmaninovi viimane, kõrgeim tõus. Kurb korvamatu kaotuse tunne, põletav igatsus Venemaa järele sünnitab tohutu traagilise jõuga kunsti, mis jõuab haripunkti sümfoonilistes tantsudes. Ja säravas Kolmandas sümfoonias kehastab Rahmaninov viimast korda oma teose keskset teemat – kodumaa kuvandit. Kunstniku karmilt kontsentreeritud intensiivne mõte äratab teda sajandite sügavusest, ta kerkib lõputult kalli mälestusena. Mitmekesiste teemade, episoodide keerukas põimumises tekib lai vaatenurk, taasluuakse Isamaa saatuse dramaatiline eepos, mis lõpeb võiduka elujaatusega. Nii kannab ta läbi kõigi Rahmaninovi teoste oma eetiliste põhimõtete puutumatust, kõrget vaimsust, truudust ja vältimatut armastust kodumaa vastu, mille kehastus oli tema kunst.

O. Averjanova

• Rahmaninovi muuseum-mõisa Ivanovkas →
• Rahmaninovi klaveriteosed →
• Rahmaninovi sümfoonilised teosed →
• Rahmaninovi kammerlik-instrumentaalkunst →
• Ooperiteosed Rahmaninovi →
• Rahmaninovi kooriteosed →
• Rahmaninovi romansid →
• Rahmaninov-dirigent →

Loovuse tunnused

Sergei Vassiljevitš Rahmaninov on koos Skrjabiniga üks keskseid tegelasi 1900. aastate vene muusikas. Nende kahe helilooja looming pälvis kaasaegsete eriti suurt tähelepanu, selle üle vaidleti tuliselt, nende üksikteoste ümber algasid teravad trükiarutelud. Hoolimata Rahmaninovi ja Skrjabini muusika individuaalse välimuse ja kujundliku struktuuri erinevusest, esinesid nende nimed neis vaidlustes sageli kõrvuti ja võrreldi neid omavahel. Sellisel võrdlusel olid puhtalt välised põhjused: mõlemad olid Moskva konservatooriumi õpilased, kes lõpetasid selle peaaegu üheaegselt ja õppisid samade õpetajate juures, mõlemad paistsid eakaaslaste seas kohe silma oma ande tugevuse ja säraga, pälvides tunnustust mitte. ainult üliandekate heliloojatena, aga ka silmapaistvate pianistidena.

Kuid oli ka palju asju, mis neid lahutasid ja mõnikord muusikaelu erinevatele külgedele asetasid. Julge uuendaja Skrjabin, kes avas uusi muusikamaailmu, vastandus Rahmaninovile kui traditsioonilisemalt mõtlevale kunstnikule, kes rajas oma loomingus rahvusliku klassikalise pärandi kindlatele alustele. "G. Rahmaninov, kirjutas üks kriitik, on tugisammas, mille ümber koonduvad kõik tõelise suuna eestvõitlejad, kõik need, kes peavad kalliks Mussorgski, Borodini, Rimski-Korsakovi ja Tšaikovski rajatud vundamenti.

Hoolimata kõigist erinevustest Rahmaninovi ja Skrjabini positsioonides nende kaasaegses muusikalises reaalsuses, ei toonud neid kokku mitte ainult üldised tingimused loomingulise isiksuse kasvamiseks ja kasvamiseks nooruses, vaid ka mõned sügavamad ühisomadused. . “Mässumeelne, rahutu talent” – nii iseloomustati Rahmaninovit kunagi ajakirjanduses. Just see mõlema helilooja loomingule omane rahutu impulsiivsus, erutuvus emotsionaalsest toonist tegi selle XNUMX. sajandi alguses Venemaa ühiskonna laiadele ringkondadele oma ärevate ootuste, püüdluste ja lootustega eriti kalliks ja lähedaseks. .

“Skrjabin ja Rahmaninov on kaks kaasaegse vene muusikamaailma “muusikaliste mõtete valitsejat” <...> Nüüd jagavad nad muusikamaailmas omavahel hegemooniat,” tunnistas LL Sabanejev, üks innukamaid esimese ja muusikalise maailma vabandajaid. võrdselt kangekaelne vastane ja teise halvustaja. Teine kriitik, oma hinnangutes mõõdukam, kirjutas artiklis, mis oli pühendatud Moskva muusikakooli kolme silmapaistvama esindaja Tanejevi, Rahmaninovi ja Skrjabini võrdlevale kirjeldusele: moodsa, palavikuliselt intensiivse elu toon. Mõlemad on tänapäeva Venemaa parimad lootused.

Pikka aega domineeris nägemus Rahmaninovist kui ühest Tšaikovski lähimast pärijast ja järglasest. Tema loomingu kujunemises ja arengus mängis kahtlemata olulist rolli „Padjakuninganna“ autori mõju, mis on Moskva konservatooriumi lõpetajale, AS Arenski ja SI Tanejevi õpilasele üsna loomulik. Samas tajus ta ka mõningaid “Peterburi” heliloojate koolkonna jooni: Tšaikovski elevil lüürika on Rahmaninovis ühendatud Borodini karmi eepilise suursugususega, Mussorgski sügava tungimisega iidse vene muusikalise mõtlemise süsteemi ja poeetiline taju Rimski-Korsakovi sünnipärasest olemusest. Kõik õpetajatelt ja eelkäijatelt õpitu mõtles helilooja aga oma tugevale loomingulisele tahtele alludes sügavalt ümber ja omandas uue, täiesti iseseisva individuaalse iseloomu. Rahmaninovi sügavalt originaalsel stiilil on suur sisemine terviklikkus ja orgaanilisus.

Kui otsida talle paralleele sajandialguse vene kunstikultuurist, siis on selleks ennekõike Tšehhovi-Bunini liin kirjanduses, Levitani, Nesterovi, Ostrouhhovi lüürilised maastikud maalikunstis. Erinevad autorid on neid paralleele korduvalt märkinud ja muutunud peaaegu stereotüüpseks. On teada, millise tulihingelise armastuse ja austusega suhtus Rakhmaninov Tšehhovi loomingusse ja isiksusesse. Juba hilisematel eluaastatel kirjaniku kirju lugedes kahetses ta, et pole temaga omal ajal lähemalt kohtunud. Heliloojat seostas Buniniga aastaid vastastikune sümpaatia ja ühised kunstilised vaated. Neid ühendas ja seostas kirglik armastus oma kodumaise vene olemuse, lihtsa elu märkide vastu, mis on juba lahkumas inimese vahetus läheduses teda ümbritsevasse maailma, maailma poeetiline hoiak, mida värvib sügav sügavus. läbitungiv lüürika, janu vaimse vabanemise ja inimisiku vabadust piiravatest köidikutest vabanemise järele.

Rahmaninovi inspiratsiooniallikaks olid mitmesugused reaalsest elust lähtuvad impulsid, looduse ilu, kirjanduse ja maalikunsti kujundid. "...Ma leian," ütles ta, "et muusikalised ideed sünnivad minus kergemini teatud muusikaväliste muljete mõjul." Kuid samal ajal ei püüdnud Rahmaninov mitte niivõrd teatud reaalsusnähtuste otsest peegeldamist muusika abil, “helidesse maalimist”, vaid oma emotsionaalse reaktsiooni, erinevate mõjul tekkivate tunnete ja kogemuste väljendamist. väliselt saadud muljeid. Selles mõttes võime temast rääkida kui 900. aastate poeetilise realismi ühest silmatorkavamast ja tüüpilisemast esindajast, mille peamise suundumuse sõnastas edukalt VG Korolenko: „Me ei kajasta ainult nähtusi nii, nagu nad on ja teevad. mitte luua illusiooni kapriisist olematust maailmast. Loome või manifesteerime inimvaimu uut suhet ümbritseva maailmaga, mis meis sünnib.

Rahmaninovi muusika üks iseloomulikumaid jooni, mis tõmbab tähelepanu eelkõige sellega tutvudes, on ilmekaim meloodia. Oma kaasaegsetest paistab ta silma oskusega luua laiaulatuslikult ja pikalt lahtirulluvaid suure hingamise meloodiaid, ühendades joonise ilu ja plastilisuse helge ja intensiivse väljendusega. Meloodilisus, meloodilisus on Rahmaninovi stiili peamine omadus, mis määrab suuresti helilooja harmoonilise mõtlemise olemuse ja tema teoste faktuuri, mis on reeglina küllastunud iseseisvate häältega, mis liiguvad esiplaanile või kaovad tihedasse tihedusse. helikangast.

Rahmaninov lõi oma väga erilise meloodiatüübi, mis põhines Tšaikovskile iseloomulike võtete kombinatsioonil – intensiivne dünaamiline meloodiaarendus variantide teisenduste meetodil, mis on läbi viidud sujuvamalt ja rahulikumalt. Pärast kiiret õhkutõusmist või pikka intensiivset tippu tõusmist meloodia justkui hangub saavutatud tasemele, pöördudes alati tagasi ühe kaualauldud heli juurde või naaseb aeglaselt, hüppeliste servadega, algsele kõrgusele. Võimalik on ka vastupidine suhe, kui enam-vähem pikaajaline viibimine ühes piiratud kõrgvööndis katkeb ootamatult meloodia kulgemisega laiaks intervalliks, tuues sisse terava lüürilise väljenduse varjundi.

Sellises dünaamika ja staatika läbipõimumises näeb LA Mazel Rahmaninovi meloodia üht iseloomulikumat joont. Teine uurija omistab nende põhimõtete suhtele Rahmaninovi loomingus üldisema tähenduse, osutades paljude tema tööde aluseks olevate “pidurdus” ja “läbimurde” hetkede vaheldusele. (VP Bobrovsky väljendab sarnast ideed, märkides, et "Rahmaninovi individuaalsuse ime seisneb kahe vastandliku suuna unikaalses orgaanilises ühtsuses ja ainult temale omases sünteesis" - aktiivne püüdlus ja kalduvus "püsida kaua sellel, mis on olnud". saavutatud."). Kalduvus mõtisklevasse lüürilisusesse, pikaajaline sukeldumine mingisse ühte meeleseisundisse, justkui sooviks helilooja põgusat aega peatada, ühendas ta tohutu väljapoole tormava energia, aktiivse enesejaatuse janu. Sellest ka tema muusika kontrastide tugevus ja teravus. Ta püüdis viia iga tunde, iga meeleseisundi äärmise väljendusastmeni.

Rahmaninovi vabalt rulluvates lüürilistes meloodiates oma pika katkematu hingusega kuuleb sageli midagi sarnast, mis sarnaneb vene veniva rahvalaulu “pääsmatule” laiusele. Samas oli aga seos Rahmaninovi loomingu ja rahvalaulukirjutamise vahel väga kaudse iseloomuga. Vaid harvadel üksikutel juhtudel kasutas helilooja ehtsaid rahvaviise; ta ei püüdnud oma meloodiate otsest sarnasust rahvalikega. "Rahmaninovis," märgib tema meloodikat käsitleva eriteose autor õigesti, "harva ilmneb otsene seos teatud rahvakunsti žanritega. Täpsemalt, žanr näib sageli lahustuvat folgi üldises “tunnetuses” ega ole, nagu tema eelkäijatel, kogu muusikalise kuvandi kujunemise ja kujunemise protsessi tsementeeriv algus. Korduvalt on tähelepanu pälvinud sellised Rahmaninovi meloodiale iseloomulikud jooned, mis toovad selle lähemale vene rahvalaulule, nagu liikumise sujuvus astmeliste käikude ülekaaluga, diatoonilisus, früügia pöörete rohkus jne. Sügavalt ja orgaaniliselt assimileerunud helilooja poolt muutuvad need jooned tema individuaalse autoristiili võõrandamatuks omandiks, omandades erilise, ainult talle omase ekspressiivse värvingu.

Selle stiili teine ​​pool, mis on sama vastupandamatult muljetavaldav kui Rahmaninovi muusika meloodiarikkus, on ebatavaliselt energiline, imperatiivselt vallutav ja samas paindlik, kohati kapriisne rütm. Sellest spetsiifiliselt Rahmaninovi rütmist, mis tahes-tahtmata kuulaja tähelepanu köidab, kirjutasid palju nii helilooja kaasaegsed kui ka hilisemad uurijad. Sageli määrab muusika põhitooni just rütm. AV Ossovski märkis 1904. aastal Teise süidi kahele klaverile viimase osa kohta, et Rahmaninov selles "ei kartnud süvendada Tarantella vormi rütmilist huvi rahutu ja tumenenud hingeni, kellele ei olnud võõrad mingisuguse deemonismi rünnakud korda."

Rütm esineb Rahmaninovis efektse tahteprintsiibi kandjana, mis dünaamib muusikalist kangast ja toob lüürilise “tundetulva” harmoonilise arhitektooniliselt tervikliku terviku peavoolu. BV Asafjev, kõrvutades rütmiprintsiibi rolli Rahmaninovi ja Tšaikovski teostes, kirjutas: "Kuid viimases avaldus tema" rahutu "sümfoonia fundamentaalne olemus eriti jõuliselt teemade endi dramaatilises kokkupõrkes. Rahmaninovi muusikas osutub väga kirglik oma loomingulises terviklikkuses, lüürika-mõtiskleva tundelao liit helilooja-esineja “mina” tahtejõulise organisatsioonilise laoga, isikliku mõtiskluse “individuaalseks sfääriks”, mida kontrollis rütm tahtefaktori tähenduses … “. Rahmaninovi rütmimuster on alati väga selgelt välja toodud, olenemata sellest, kas rütm on lihtne, ühtlane, nagu suure kella rasked, mõõdetud löögid, või keeruline, keerukalt lilleline. Helilooja lemmik, eriti 1910. aastate loomingus, rütmiline ostinato annab rütmile mitte ainult kujundava, vaid kohati ka temaatilise tähenduse.

Harmoonia vallas ei jõudnud Rahmaninov klassikalisest duur-moll süsteemist sellisel kujul, nagu see omandas Euroopa romantiliste heliloojate, Tšaikovski ja Võimsa Käputäie esindajate loomingus. Tema muusika on alati tonaalselt piiritletud ja stabiilne, kuid klassikalis-romantilise tonaalse harmoonia vahendeid kasutades iseloomustasid teda mõned iseloomulikud jooned, mille järgi pole raske ühe või teise teose autorsust kindlaks teha. Selliste Rahmaninovi harmoonilise keele eripäraste individuaalsete tunnuste hulka kuuluvad näiteks funktsionaalse liikumise üldtuntud aeglus, kalduvus pikka aega ühes võtmes püsida, mõnikord ka gravitatsiooni nõrgenemine. Tähelepanu juhitakse keeruliste mitmetertiliste moodustiste rohkusele, mitte- ja kümnendarvuta akordide ridadele, millel on sageli rohkem värvikas, heliline kui funktsionaalne tähendus. Seda tüüpi keeruliste harmooniate ühendamine toimub enamasti meloodilise ühenduse abil. Meloodilis-laululise elemendi domineerimine Rahmaninovi muusikas määrab selle kõlakanga polüfoonilise küllastuse kõrge taseme: enam-vähem iseseisvate “laulu” häälte vaba liikumise tulemusena tekivad pidevalt individuaalsed harmoonilised kompleksid.

Rahmaninovilt on üks lemmik harmooniline pööre, mida ta kasutas nii sageli, eriti varase perioodi kompositsioonides, et sai isegi nime “Rahmaninovi harmoonia”. See pööre põhineb harmoonilise molli vähendatud sissejuhataval septakordil, mida tavaliselt kasutatakse terzkvartakkordi kujul, asendades II astme III ja resolutsiooniga helikolmikuks meloodilises kolmandas positsioonis.

Üleminek vähendatud kvartile, mis sel juhul meloodilises hääles tekib, kutsub esile terava leinatunde.

Rahmaninovi muusika ühe tähelepanuväärse joonena märkisid mitmed uurijad ja vaatlejad selle valdavat minoorset värvingut. Kõik tema neli klaverikontserti, kolm sümfooniat, mõlemad klaverisonaadid, enamik etüüde-pilte ja palju muid teoseid on kirjutatud molli. Isegi duur omandab sageli väiksema värvuse vähenevate muutuste, toonide kõrvalekallete ja väikeste kõrvalastmete laialdase kasutamise tõttu. Kuid vähesed heliloojad on saavutanud molli võtme kasutamisel nii palju erinevaid nüansse ja väljendusrikast keskendumisastet. LE Gakkeli märkus, et etüüdides-maalides op. 39 „arvestades kõige laiemat valikut olemise väiksemaid värve, elutunde väiksemaid varjundeid” võib laiendada olulisele osale kogu Rahmaninovi loomingust. Kriitikud nagu Sabaneev, kes kandis Rahmaninovi suhtes eelarvamuslikku vaenulikkust, nimetasid teda "intelligentseks virisejaks", kelle muusika peegeldab "tahtejõuta mehe traagilist abitust". Samal ajal kõlab Rahmaninovi tihe “tume” moll sageli julgelt, protesteerivalt ja täis tohutut tahtepinget. Ja kui kurvad noodid jäävad kõrvu, siis see on patriootkunstniku “üllas kurbus”, see “summutatud oigamine kodumaa pärast”, mida M. Gorki kuulis mõnes Bunini teoses. Nagu see hingelt lähedane kirjanik, mõtles Rahmaninov Gorki sõnadega "Venemaale tervikuna", kahetsedes oma kaotusi ja kogedes ärevust tuleviku saatuse pärast.

Rahmaninovi loominguline kuvand oma põhijoontes püsis terviklikuna ja stabiilsena kogu helilooja poole sajandi pikkuse teekonna vältel, kogemata teravaid murde ja muutusi. Nooruses õpitud esteetilised ja stiiliprintsiibid oli truu oma viimastele eluaastatele. Sellegipoolest võib tema loomingus täheldada teatud evolutsiooni, mis ei väljendu ainult oskuste kasvus, kõlapaleti rikastamises, vaid mõjutab osaliselt ka muusika kujundlikku ja väljenduslikku struktuuri. Sellel teel on selgelt välja toodud kolm suurt, kuigi ebavõrdset nii kestuse kui ka tootlikkuse astme poolest perioodi. Neid piiritlevad üksteisest enam-vähem pikad ajutised tsesuurid, kahtluste, mõtiskluste ja kõhkluste vöödid, mil helilooja sulest ei tulnud välja ainsatki valminud teost. Esimest perioodi, mis langeb 90. sajandi XNUMXndatele, võib nimetada loomingulise arengu ja talentide küpsemise ajaks, mis läks oma teed kehtestama juba varajases eas looduslike mõjude ületamise kaudu. Selle perioodi teosed pole sageli veel piisavalt iseseisvad, vormilt ja faktuurilt ebatäiuslikud. (Mõned neist (Esimene klaverikontsert, Eleegiac Trio, klaveripalad: Meloodia, Serenaad, Humoresk) vaatas helilooja hiljem üle ning nende tekstuuri rikastas ja arendas.), kuigi mitmel nende lehekülgedel (nooruseooperi “Aleko” parimad hetked, Eleegia Trio P. Tšaikovski mälestuseks, kuulus prelüüd c-moll, mõned muusikalised hetked ja romansid) on helilooja individuaalsus. on juba piisava kindlusega selgunud.

Ootamatu paus saabub 1897. aastal pärast Rahmaninovi Esimese sümfoonia ebaõnnestunud esitust – teos, millesse helilooja investeeris palju tööd ja vaimset energiat, mida enamik muusikuid valesti mõistsid ja mis ajakirjanduse lehekülgedel peaaegu üksmeelselt hukka mõisteti, isegi naeruvääristati. mõnede kriitikute poolt. Sümfoonia ebaõnnestumine põhjustas Rahmaninovile sügava vaimse trauma; tema enda, hilisema ülestunnistuse järgi oli ta "nagu mees, kellel oli insult ja kes kaotas pikka aega nii pea kui ka käed". Järgmised kolm aastat olid peaaegu täieliku loomingulise vaikuse, kuid samas kontsentreeritud mõtiskluste, kõige varem tehtu kriitilise ümberhindamise aastad. Helilooja intensiivse sisetöö tulemuseks iseendaga oli ebatavaliselt intensiivne ja särav loominguline tõus uue sajandi alguses.

23. sajandi esimese kolme-nelja aasta jooksul lõi Rahhmaninov hulga eri žanrilisi teoseid, mis paistavad silma sügava poeesia, värskuse ja inspiratsiooni vahetu poolest, milles väljendus loomingulise kujutlusvõime rikkus ja autori “käekirja” originaalsus. on ühendatud kõrge viimistletud viimistlusega. Nende hulgas on teine ​​klaverikontsert, teine ​​süit kahele klaverile, sonaat tšellole ja klaverile, kantaat “Kevad”, kümme prelüüdi op. XNUMX, ooper “Francesca da Rimini”, mõned Rahmaninovi vokaalsõnade parimad näited (“Lilac”, “Katkend A. Mussetist”). See teoste sari kehtestas Rahmaninovi positsiooni ühe suurima ja huvitavama vene heliloojana. meie ajast, tuues talle laialdast tuntust kunstiintelligentsi ringkondades ja kuulajate hulgas.

Suhteliselt lühike ajavahemik 1901–1917 oli tema loomingu viljakaim: selle pooleteise aastakümne jooksul kirjutati suurem osa Rahmaninovi küpsetest, stiililt iseseisvatest teostest, millest sai rahvusliku muusikaklassika lahutamatu osa. Peaaegu iga aasta tõi uusi oopuseid, mille ilmumisest sai muusikaelus märkimisväärne sündmus. Rahmaninovi lakkamatu loomingulise tegevuse juures ei jäänud tema looming sel perioodil muutumatuks: kahe esimese kümnendi vahetusel on selles märgata pruulimisnihke sümptomeid. Üldisi “üldiseloomulisi” omadusi kaotamata muutub see toonilt karmimaks, häirivad meeleolud intensiivistuvad, samas kui otsene lüürilise tunde väljavalamine näib aeglustuma, helilooja helipaletile ilmuvad heledad läbipaistvad värvid harvem, muusika üldkoloriit. tumeneb ja pakseneb. Need muutused on märgatavad klaveriprelüüdide teises seerias op. 32, kaks tsüklit etüüde-maale ja eriti sellised monumentaalsed suurkompositsioonid nagu “Kellad” ja “Kogu öö valvsus”, mis esitavad sügavaid fundamentaalseid küsimusi inimeksistentsist ja inimese elueesmärgist.

Rahmaninovi kogetud areng ei jäänud tema kaasaegsete tähelepanust kõrvale. Üks kriitik kirjutas "Kellade" kohta: "Tundub, et Rahmaninov on hakanud otsima uusi meeleolusid, uut viisi oma mõtete väljendamiseks... Siin on tunda Rahmaninovi uuestisündinud uut stiili, millel pole Tšaikovski stiiliga midagi ühist. ”

Pärast 1917. aastat algab Rahmaninovi loomingus uus paus, seekord tunduvalt pikem kui eelmine. Alles terve kümnendi pärast naasis helilooja muusikaloomingu juurde, seades koorile ja orkestrile kolm vene rahvalaulu ning valmis Esimese maailmasõja eelõhtul alanud IV klaverikontsert. 30ndatel kirjutas ta (välja arvatud mõned kontserdi transkriptsioonid klaverile) vaid neli, kuid olulisemate teoste idee poolest.

* * *

Keeruliste, sageli vastuoluliste otsingute, terava, intensiivse suundade võitluse, kunstiteadvuse tavaliste vormide lagunemise keskkonnas, mis iseloomustas muusikakunsti arengut XNUMX. sajandi esimesel poolel, jäi Rahmaninov truuks suurele klassikale. vene muusika traditsioone Glinkast Borodini, Mussorgski, Tšaikovski, Rimski-Korsakovini ning nende lähimad, vahetud Tanejevi, Glazunovi õpilased ja järgijad. Kuid ta ei piirdunud nende traditsioonide eestkostja rolliga, vaid tajus neid aktiivselt, loovalt, kinnitades nende elavat, ammendamatut jõudu, võimet edasi areneda ja rikastada. Tundlik, muljetavaldav kunstnik Rahmaninov ei jäänud vaatamata klassika ettekirjutustele kurdiks modernsuse üleskutsetele. Tema suhtumises XNUMX. sajandi uutesse stiilisuundadesse ei ilmnenud mitte ainult vastasseisu, vaid ka teatud interaktsiooni hetk.

Poole sajandi jooksul on Rahmaninovi looming läbi teinud märkimisväärse evolutsiooni ning mitte ainult 1930., vaid ka 1910. aastate teosed erinevad oluliselt nii oma kujundliku struktuuri kui ka keele, muusikalise väljendusvahendite poolest alates varasest, veel mitte. täiesti iseseisvad oopused eelmise lõpust. sajandite jooksul. Mõnes neist puutub helilooja kokku impressionismi, sümbolismi, neoklassitsismiga, kuigi sügavalt omapärasel moel tajub ta nende suundade elemente individuaalselt. Kõikide muutuste ja pööretega jäi Rahmaninovi loominguline kuvand sisemiselt väga terviklikuks, säilitades need põhilised, defineerivad jooned, mille tõttu tema muusika võlgneb oma populaarsuse kõige laiemale kuulajaskonnale: kirglik, kaasahaarav lüürilisus, väljenduse tõepärasus ja siirus, poeetiline maailmanägemus. .

Yu. Ole nüüd

Rahmaninov dirigent

Rahmaninov ei läinud ajalukku mitte ainult helilooja ja pianistina, vaid ka meie aja silmapaistva dirigendina, kuigi tema tegevuse see pool ei olnud nii pikk ja intensiivne.

Rahmaninov debüteeris dirigendina 1897. aasta sügisel Moskvas Mamontovi eraooperis. Enne seda ei pidanud ta orkestrit juhatama ja dirigeerimist õppima, kuid muusiku särav anne aitas Rahmaninovil kiiresti meisterlikkuse saladused selgeks õppida. Piisab, kui meenutada, et ta jõudis vaevu esimese proovi lõpuni teha: ta ei teadnud, et lauljatel on vaja tutvustusi näidata; ja paar päeva hiljem oli Rahmaninov oma töö juba suurepäraselt teinud, juhatades Saint-Saensi ooperit Simson ja Delilah.

"Mamontovi ooperis viibimise aasta oli minu jaoks väga oluline," kirjutas ta. "Seal omandasin ehtsa dirigenditehnika, mis hiljem tohutult teenis." Teatri teise dirigendina töötamise hooajal juhatas Rahmaninov kakskümmend viis etendust üheksast ooperist: “Samson ja Delila”, “Merineitsi”, “Carmen”, Glucki “Orpheus”, Serovi “Rogneda”, “ Mignon”, Tom, “Askoldi haud”, “Vaenlase jõud”, “Mai öö”. Ajakirjandus märkis kohe ära tema dirigendi stiili selguse, loomulikkuse, pooside puudumise, esinejatele edasi kantud raudse rütmitaju, õrna maitse ja suurepärase orkestrivärvitaju. Kogemuste omandamisega hakkasid need Rahmaninovi kui muusiku omadused täiel määral avalduma, millele lisandus enesekindlus ja autoriteet töös solistide, koori ja orkestriga.

Järgmistel aastatel tegutses kompositsiooni ja pianistiga tegelev Rahmaninov vaid aeg-ajalt. Tema dirigeerimistalendi hiilgeaeg langeb perioodile 1904-1915. Kaks hooaega on ta töötanud Suures Teatris, kus tema vene ooperite tõlgendus on eriti edukas. Ajaloosündmusteks teatri elus nimetavad kriitikud Ivan Susanini juubelilavastust, mille ta juhatas Glinka sajanda sünniaastapäeva auks, ja Tšaikovski nädalat, mil Rahmaninov juhatas “Patida kuningannat”, Jevgeni Onegini, Opritšnikut. ja balletid.

Hiljem lavastas Rahmaninov Peterburis etenduse „Pibjakuninganna“; arvustajad nõustusid, et just tema oli esimene, kes mõistis ja edastas publikule kogu ooperi traagilise tähenduse. Rahmaninovi loominguliste edusammude hulgas Suures Teatris on ka tema lavastus Rimski-Korsakovi "Pan Voevoda" ning tema enda ooperid "Keser rüütel" ja Francesca da Rimini.

Sümfoonialaval tõestas Rahmaninov juba esimestest kontsertidest end tohutu mastaabi täieliku meistrina. Epiteet “hiilgav” saatis kindlasti arvustusi tema esinemiste kohta dirigendina. Kõige sagedamini esines Rahmaninov dirigendipuldis Moskva Filharmoonia kontsertidel, aga ka Siloti ja Koussevitzky orkestritega. Aastatel 1907-1913 dirigeeris ta palju välismaal – Prantsusmaa, Hollandi, USA, Inglismaa, Saksamaa linnades.

Rahmaninovi repertuaar dirigendina oli neil aastatel tavatult mitmetahuline. Ta suutis tungida teose stiililt ja iseloomult kõige erinevamasse. Kõige lähedasem oli talle loomulikult vene muusika. Ta taaselustas laval selleks ajaks peaaegu unustatud Borodini Bogatyri sümfoonia, mis aitas kaasa Ljadovi miniatuuride populaarsusele, mida ta esitas erakordse säraga. Tema interpretatsiooni Tšaikovski muusikast (eriti 4. ja 5. sümfooniast) iseloomustas erakordne tähendus ja sügavus; Rimski-Korsakovi teostes suutis ta avada publiku jaoks kirkaima värvigamma ning Borodini ja Glazunovi sümfooniates köitis publikut eepilise laiuse ja dramaatilise tõlgenduse terviklikkusega.

Rahmaninovi dirigeerimiskunsti üks tippe oli Mozarti g-moll sümfoonia interpretatsioon. Kriitik Wolfing kirjutas: „Mida tähendavad paljud kirjutatud ja trükitud sümfooniad enne Rahmaninovi esitust Mozarti g-moll sümfooniast! … Vene kunstigeenius muutis ja näitas teist korda selle sümfoonia autori kunstilist olemust. Me ei saa rääkida ainult Puškini Mozartist, vaid ka Rahmaninovi Mozartist…”

Koos sellega leiame Rahmaninovi kavadest palju romantilist muusikat – näiteks Berliozi Fantastiline sümfoonia, Mendelssohni ja Francki sümfooniad, Weberi Oberoni avamäng ja katked Wagneri ooperitest, Liszti poeem ja Griegi lüüriline süit… Ja selle kõrval – suurepärane esitus kaasaegsed autorid – R. Straussi sümfoonilised poeemid, impressionistide teosed: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse… Ja loomulikult oli Rahmaninov oma sümfooniliste kompositsioonide ületamatu interpreteerija. Tuntud nõukogude muusikateadlane V. Jakovlev, kes kuulis Rahmaninovit korduvalt, meenutab: „Mitte ainult avalikkus ja kriitikud, kogenud orkestrandid, professorid, kunstnikud ei tunnistanud tema juhtimist selle kunsti kõrgeimaks punktiks... Tema töömeetodid olid taandatuna mitte niivõrd saateks, vaid eraldiseisvateks märkusteks, alatuteks seletusteks, sageli ta laulis või seletas ühel või teisel kujul seda, mida oli varem kaalunud. Kõik, kes tema kontsertidel viibisid, mäletavad neid laiu, iseloomulikke kogu käe liigutusi, mitte ainult pintslilt; mõnikord pidasid orkestriliikmed neid tema žeste ülemääraseks, kuid need olid talle tuttavad ja arusaadavad. Ei olnud kunstlikkust liigutustes, poosides, ei mingit efekti ega käsitsi joonistamist. Oli piiritu kirg, millele eelnes läbimõtlemine, analüüs, mõistmine ja sissevaade esineja stiili.

Olgu lisatud, et ka dirigent Rahmaninov oli ületamatu ansamblimängija; Tema kontsertidel olid solistid sellised artistid nagu Tanejev, Skrjabin, Siloti, Hoffmann, Casals ning ooperietendustel Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov …

Pärast 1913. aastat keeldus Rahmaninov esitamast teiste autorite teoseid ja juhatas ainult oma heliloomingut. Alles 1915. aastal kaldus ta sellest reeglist kõrvale, juhatades kontserdi Skrjabini mälestuseks. Kuid ka hiljem oli tema dirigendi maine kogu maailmas ebatavaliselt kõrge. Piisab, kui öelda, et kohe pärast USA-sse jõudmist 1918. aastal pakuti talle riigi suurimate orkestrite – Bostoni ja Cincinnati – juhatamist. Kuid sel ajal ei saanud ta enam dirigeerimisele aega pühendada, oli sunnitud pianistina intensiivselt kontserttegevust juhtima.

Alles 1939. aasta sügisel, kui New Yorgis korraldati kontsertide tsükkel Rahmaninovi loomingust, nõustus helilooja üht neist juhatama. Seejärel esitas Philadelphia orkester kolmanda sümfoonia ja kellad. Ta kordas sama kava 1941. aastal Chicagos ning aasta hiljem juhatas Egan Arboris etendusi “Surnute saar” ja “Sümfoonilised tantsud”. Kriitik O. Daune kirjutas: “Rahhmaninov tõestas, et tal on orkestrit juhtides samasugune oskus ja kontroll esituse, musikaalsuse ja loomingulise jõu üle, mida ta näitab ka klaverit mängides. Tema mängu iseloom ja stiil, aga ka dirigeerimine rabab rahulikult ja enesekindlalt. See on seesama edevuse täielik puudumine, sama väärikustunne ja ilmselge vaoshoitus, seesama imetlusväärne võimukas jõud. Toona tehtud "Surnute saare", "Vocalise" ja kolmanda sümfoonia salvestused on meile säilitanud tõendeid särava vene muusiku dirigeerimiskunstist.

L. Grigorjev, J. Platek