Lev Nikolajevitš Vlasenko |

Lev Vlasenko

On linnu, millel on muusikamaailma ees erilised teened, näiteks Odessa. Kui palju säravaid nimesid sõjaeelsetel aastatel kontserdilavale annetas. Rudolf Kereri, Dmitri Baškirovi, Eliso Virsalazze, Liana Isakadze ja mitmete teiste silmapaistvate muusikute sünnimaal Thbilisil on, mille üle uhkust tunda. Ka Lev Nikolajevitš Vlasenko alustas oma kunstiteed Gruusia pealinnas – pikkade ja rikkalike kunstitraditsioonidega linnas.

Nagu tulevaste muusikute puhul ikka, oli tema esimene õpetaja ema, kes kunagi ise õpetas Thbilisi konservatooriumi klaveriosakonnas. Mõne aja pärast läheb Vlasenko kuulsa Gruusia õpetaja Anastasia Davidovna Virsaladze juurde, lõpetab, õpib oma klassis, kümneaastase muusikakooli, seejärel konservatooriumi esimese kursuse. Ja paljude talentide teed järgides kolib ta Moskvasse. Alates 1948. aastast on ta olnud Yakov Vladimirovich Flieri õpilaste hulgas.

Need aastad pole tema jaoks kerged. Ta on kahe kõrgkooli tudeng korraga: lisaks konservatooriumile õpib Vlasenko (ja lõpetab oma õpingud edukalt õigel ajal) Võõrkeelte Instituudis; Pianist valdab vabalt inglise, prantsuse, itaalia keelt. Ja ometi jätkub noormehel energiat ja jõudu kõigeks. Konservatooriumis esineb ta üha enam tudengipidudel, tema nimi saab muusikaringkondades tuntuks. Temalt oodatakse aga enamat. Tõepoolest, 1956. aastal võitis Vlasenko Budapestis Liszti konkursil esikoha.

Kaks aastat hiljem osaleb ta taas esinevate muusikute konkursil. Seekord võitis pianist oma kodus Moskvas, esimesel rahvusvahelisel Tšaikovski konkursil, teise preemia, jättes seljataha vaid Van Cliburni, kes oli tollal oma tohutu talendi tipus.

Vlasenko räägib: „Varsti pärast konservatooriumi lõpetamist võeti mind Nõukogude armee ridadesse. Umbes aasta aega ma pilli ei puutunud – elasin hoopis teistsuguste mõtete, tegude, muredega. Ja muidugi päris nostalgiline muusika järele. Kui mind demobiliseeriti, asusin tööle kolmekordse energiaga. Ilmselt oli minu näitlejatöös siis mingisugune emotsionaalne värskus, kulutamata kunstiline jõud, janu lavalise loovuse järele. Laval on see alati abiks: see aitas mind ka tookord.

Pianist räägib, et varem küsiti temalt: kummal katsel – Budapestis või Moskvas – oli tal raskem? "Muidugi Moskvas," vastas ta sellistel juhtudel, "Tšaikovski konkurss, millel ma esinesin, toimus meie riigis esimest korda. esimene - see ütleb kõik. Ta äratas suurt huvi – ta koondas žüriisse nii nõukogude kui ka välismaa prominentsemaid muusikuid, köitis kõige laiemat publikut, sattus raadio, televisiooni ja ajakirjanduse tähelepanu keskpunkti. Sellel konkursil oli ülimalt raske ja vastutusrikas mängida – iga klaverileminek oli väärt närvipinget…”

Mainekate muusikavõistluste võidud – ja Vlasenko Budapestis võidetud “kuld” ja Moskvas võidetud “hõbe” peeti peavõidudeks – avasid talle uksed suurele lavale. Temast saab professionaalne kontserdiesineja. Tema esinemised nii kodu- kui ka mujal riikides meelitavad arvukalt kuulajaid. Talle ei anta aga tähelepanu märke ainult muusikuna, väärtuslike laureaadiregalite omanikuna. Suhtumine temasse määratakse algusest peale erinevalt.

Laval on nagu eluski universaalset sümpaatiat nautivad natuurid – vahetud, avatud, siirad. Vlasenko kui kunstnik nende hulgas. Sa usud teda alati: kui ta on kirglik teose tõlgendamisse, on ta nii tõeliselt kirglik, elevil – nii põnevil; kui ei, siis ta ei saa seda varjata. Niinimetatud esituskunst pole tema pärusmaa. Ta ei tegutse ega riku; tema moto võiks olla: "Ma ütlen, mida ma arvan, ma väljendan seda, mida ma tunnen." Hemingwayl on imelised sõnad, millega ta üht oma kangelast iseloomustab: "Ta oli seestpoolt tõeliselt, inimlikult ilus: tema naeratus tuli inimese südamest või sellest, mida nimetatakse inimese hingeks, ning tuli siis rõõmsalt ja avameelselt tema juurde. pind, see tähendab, et valgustas nägu " (Hemingway E. Sealpool jõge, puude varjus. – M., 1961. S. 47.). Vlasenkot tema parimatel hetkedel kuulates juhtub, et need sõnad meenuvad.

Ja pianistiga kohtudes avaldab avalikkusele veel üks asi – tema lava seltskondlikkus. Kas neid, kes lavale sulguvad, põnevusest endasse tõmbuvad, on vähe? Teised on külmad, loomult vaoshoitud, see annab nende kunstis tunda: nad pole üldlevinud väljendi kohaselt kuigi “seltskondlikud”, hoiavad kuulaja justkui endast eemal. Vlasenkoga on tema talendi (olgu siis kunstilise või inimliku) eripära tõttu lihtne otsekui iseenesest publikuga kontakti luua. Inimesed, kes teda esimest korda kuulavad, väljendavad vahel üllatust – jääb mulje, et nad on teda artistina ammu ja hästi tundnud.

Need, kes Vlasenko õpetajat, professor Jakov Vladimirovitš Flierit lähedalt tundsid, väidavad, et neil oli palju ühist – särav popp temperament, emotsionaalsuse suuremeelsus, julge ja laiaulatuslik mängumaneeri. Tõesti oli. Pole juhus, et Moskvasse saabudes sai Vlasenkost Flieri õpilane ja üks lähimaid õpilasi; hiljem kasvas nende suhe sõpruseks. Kahe muusiku loomingulise olemuse sugulus ilmnes aga isegi nende repertuaarist.

Kontserdisaalide vanaaegsed inimesed mäletavad hästi, kuidas Flier kunagi Liszti kavades säras; muster on selles, et Vlasenko debüteeris ka Liszti teostega (konkurss 1956 Budapestis).

"Ma armastan seda autorit," ütleb Lev Nikolajevitš, "tema uhket kunstilist poosi, üllast paatost, suurejoonelist romantikatoogat, oratoorset väljenduslaadi. Juhtus nii, et Liszti muusikas õnnestus mul end alati kergesti leida... Mäletan, et mängisin seda juba noorest peale eriti hea meelega.

Vlasenko aga mitte ainult alustatud Lisztist tee suurele kontserdilavale. Ja täna, palju aastaid hiljem, on tema kavade keskmes selle helilooja teosed – etüüdidest, rapsoodiatest, transkriptsioonidest, paladest tsüklist “Rännakute aastad” kuni sonaatide ja muude suurevormiliste teosteni. Niisiis oli hooaja 1986/1987 silmapaistev sündmus Moskva filharmooniaelus Vlasenko mõlema klaverikontserdi, Liszti “Surmatantsu” ja “Fantaasia Ungari teemadel” esitus; orkestri saatel M. Pletnevi juhatusel. (See õhtu oli pühendatud helilooja 175. sünniaastapäevale.) Edu avalikkuse ees oli tõesti suur. Ja pole ka ime. Sädelev klaveribravuuri, üldine tooni elevus, vali lavaline “kõne”, fresko, jõuline mängustiil – kõik see on Vlasenko tõeline element. Siin ilmub pianist enda jaoks kõige soodsama poole pealt.

On veel üks autor, kes pole Vlasenkole sugugi vähem lähedane, nagu sama autor oli lähedane ka tema õpetajale Rahmaninovile. Vlasenko plakatitel on näha klaverikontserte, prelüüde ja muid Rahmaninovi palasid. Kui pianist on “löögil”, on ta selles repertuaaris tõesti hea: ta ujutab publiku üle laia tundetulvaga, “valab”, nagu ütles üks kriitik, teravate ja tugevate kirgedega. Omab meisterlikult Vlasenkot ja paksu, “tšello” tämbrit, mis Rahmaninovi klaverimuusikas nii suurt rolli mängivad. Tal on rasked ja pehmed käed: helimaaling “õliga” on tema olemusele lähedasem kui kuiv heli “graafika”; – võiks maalimisega alustatud analoogiat järgides öelda, et lai pintsel on talle mugavam kui teravalt teritatud pliiats. Kuid ilmselt on Vlasenko puhul peamine, kuna me räägime tema tõlgendustest Rahmaninovi näidendite kohta, et ta võimeline omaks võtma muusikalist vormi tervikuna. Kallista vabalt ja loomulikult, ilma et sind segaksid ehk mõned pisiasjad; täpselt nii, muide, esinesid Rahmaninov ja Flier.

Lõpetuseks helilooja, kellest on Vlasenko sõnul aastate jooksul saanud peaaegu kõige lähedasem. See on Beethoven. Tõepoolest, Beethoveni sonaadid, peamiselt Pathetique, Lunar, Second, Seventh, Appassionata, Bagatelles, variatsioonitsüklid, Fantasia (op. 77), moodustasid Vlasenko seitsmekümnendate ja kaheksakümnendate repertuaari aluse. Huvitav detail: ei viidanud ennast kui pikkade muusikateemaliste vestluste spetsialistile – neile, kes oskavad ja armastavad seda sõnades tõlgendada, rääkis Vlasenko sellegipoolest mitu korda Kesktelevisiooni Beethoveni lugudega.

"Vanusega on see helilooja minu jaoks üha köitvam," ütleb pianist. "Mul oli pikka aega üks unistus – mängida tema viiest klaverikontserdist koosnev tsükkel." Lev Nikolajevitš täitis selle unistuse ja suurepäraselt ühel viimastest hooaegadest.

Muidugi, nagu professionaalne külalisesineja peaks, pöördub Vlasenko väga erineva muusika poole. Tema esinemisarsenali kuuluvad Scarlatti, Mozart, Schubert, Brahms, Debussy, Tšaikovski, Skrjabin, Prokofjev, Šostakovitš… Kuid tema edu selles repertuaaris, kus midagi on talle lähedasemat ja midagi kaugemat, ei ole sama, mitte alati stabiilne ja isegi. Siiski ei tasu imestada: Vlasenkol on üsna kindel esitusstiil, mille aluseks on suur laiaulatuslik virtuoossus; ta mängib tõeliselt nagu mees – tugev, selge ja lihtne. Kuskil see veenab ja täiesti, kuskil mitte päris. Pole juhus, et kui vaatate Vlasenko saateid lähemalt, märkate, et ta läheneb Chopinile ettevaatlikult ...

Rääkides thо kunstniku esituses on võimatu mitte märkida tema viimaste aastate edukaimaid. Siin on Liszti h-moll sonaat ja Rahmaninovi etüüdid-maalid, Skrjabini kolmas sonaat ja Ginastera sonaat, Debussy pildid ja tema rõõmusaar, Hummeli Es-duur Rondo ja Albenizi Cordova… Alates 1988. aastast on Vlasenko teist plakatit näinud. Tema poolt hiljuti õpitud BA Arapov, aga ka Bagatelles op. 126 Beethoven, Prelüüdid, op. 11 ja 12 Skrjabin (ka uudisteoseid). Nende ja teiste teoste tõlgendustes on ehk eriti selgelt näha Vlasenko modernse stiili jooned: kunstilise mõtte küpsus ja sügavus koos elava ja tugeva muusikalise tunnetusega, mis ajaga ei ole tuhmunud.

Alates 1952. aastast on õpetanud Lev Nikolajevitš. Algul Moskva koorikoolis, hiljem Gnessini koolis. Alates 1957. aastast on ta olnud Moskva konservatooriumi õppejõudude hulgas; klassis said lavaelu pileti N. Suk, K. Oganjan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko ja teised pianistid. M. Pletnev õppis Vlasenko juures mitu aastat – viimasel kursusel konservatooriumis ja abipraktikandina. Võib-olla olid need Lev Nikolajevitši pedagoogilise eluloo eredamad ja põnevamad leheküljed ...

Õpetamine tähendab pidevat vastamist mõnele küsimusele, arvukate ja ootamatute probleemide lahendamist, mida elu, hariduspraktika ja üliõpilasnoored püstitavad. Mida tuleks näiteks haridusliku ja pedagoogilise repertuaari valikul arvestada? Kuidas te õpilastega suhteid loote? kuidas õppetundi läbi viia nii, et see oleks võimalikult tõhus? Kuid võib-olla tekitab suurimat ärevust iga konservatooriumi õpetaja seoses oma õpilaste avalike esinemistega. Ja noored muusikud ise otsivad visalt professoritelt vastust: mida on lavaeduks vaja? kas seda on võimalik kuidagi ette valmistada, “pakkuda”? Samas ilmselgete tõdedega – nagu öeldakse, et programm peab olema piisavalt selgeks õpitud, tehniliselt “tehtud” ja “kõik peab õnnestuma ja välja tulema” – võivad rahul olla vähesed. Vlasenko teab, et sellistel puhkudel saab midagi tõeliselt kasulikku ja vajalikku öelda vaid enda kogemuse põhjal. Ainult siis, kui lähtuda tema kogetust ja kogetust. Tegelikult ootavad temalt just seda need, keda ta õpetab. "Kunst on isikliku elu kogemus, mida räägitakse piltides, tunnetes," kirjutas AN Tolstoi. isiklik kogemus, mis väidab end olevat üldistus» (Tolstõh VI kunst ja moraal. – M., 1973. S. 265, 266.). Õpetamise kunst, veelgi enam. Seetõttu viitab Lev Nikolajevitš meelsasti oma esinemispraktikale – nii klassiruumis, õpilaste seas kui ka avalikes vestlustes ja intervjuudes:

«Laval toimuvad pidevalt mingid ettearvamatud, seletamatud asjad. Näiteks võin jõuda kontserdimajja hästi puhanuna, esinemiseks valmistununa, enesekindlana – ja klavierabend möödub ilma suurema entusiasmita. Ja vastupidi. Võin minna lavale sellises olekus, et tundub, et ma ei saa pillilt ainsatki nooti välja tõmmata – ja mäng läheb järsku “käima”. Ja kõik muutub lihtsaks, meeldivaks... Mis siin lahti on? Ei tea. Ja ilmselt ei tea keegi.

Kuigi laval viibimise esimeste minutite hõlbustamiseks on midagi ette näha – ja need on kõige raskemad, rahutumad, ebausaldusväärsemad… –, arvan, et see on siiski võimalik. Oluline on näiteks programmi ülesehitus, selle paigutus. Iga esineja teab, kui oluline see on – ja just seoses pop-heaolu probleemiga. Põhimõtteliselt kipun kontserti alustama teosega, milles tunnen end võimalikult rahulikult ja enesekindlalt. Mängides püüan võimalikult täpselt kuulata klaveri häält; kohaneda ruumi akustikaga. Ühesõnaga, ma püüdlen täielikult siseneda, sukelduda esinemisprotsessi, tunda huvi oma tegemiste vastu. See on kõige tähtsam – saada huvi, saada kaasa, keskenduda täielikult mängule. Siis hakkab põnevus tasapisi taanduma. Või äkki te lihtsalt lõpetate selle märkamise. Siit on juba samm vajalik loomingulise seisundini.

Vlasenko peab väga tähtsaks kõike, mis ühel või teisel viisil eelneb avalikule esinemisele. “Mäletan, et kunagi rääkisin sel teemal imelise ungari pianisti Annie Fischeriga. Tal on kontserdipäeval eriline rutiin. Ta ei söö peaaegu midagi. Üks keedumuna ilma soolata ja ongi kõik. See aitab tal leida laval vajalikku psühhofüsioloogilist seisundit – närviliselt reibas, rõõmsalt elevil, võib-olla isegi pisut eksalteeritud. Ilmub see eriline peensus ja tunnete teravus, mis on kontserdiesinejale lausa vajalik.

Kõik see, muide, on lihtsalt seletatav. Kui inimene on täis, kipub see tavaliselt vajuma leplikult lõdvestunud seisundisse, kas pole? Iseenesest võib see olla ühtaegu meeldiv ja “mugav”, aga publiku ees esinemiseks väga ei sobi. Sest ainult see, kes on sisemiselt elektrifitseeritud ja kelle kõik vaimsed nöörid pingeliselt vibreerivad, suudab publiku vastukaja esile kutsuda, empaatiale suruda...

Seetõttu juhtub vahel sama, nagu eespool juba mainisin. Näib, et kõik soosib edukat esinemist: kunstnik tunneb end hästi, ta on sisemiselt rahulik, tasakaalukas, peaaegu kindel oma võimetes. Ja kontsert on värvitu. Emotsionaalne vool puudub. Ja muidugi ka kuulajate tagasiside…

Ühesõnaga, on vaja siluda, mõelda etenduse eelõhtul läbi igapäevane rutiin – eelkõige dieet – see on vajalik.

Aga see on muidugi vaid asja üks pool. Pigem väline. Suures plaanis peaks kogu kunstniku elu – ideaalis – olema selline, et ta oleks alati, igal hetkel valmis hingega vastama ülevale, spirituaalsele, poeetiliselt kaunile. Ilmselt pole vaja tõestada, et kunstihuviline, kirjandust, luulet, maalimist, teatrit armastav inimene on palju kõrgemate tunnete suhtes kalduvam kui keskmine inimene, kelle kõik huvid on koondunud sfääri. tavalisest, materiaalsest, igapäevasest.

Noored artistid kuulevad sageli enne oma esinemist: „Ära mõtle publikule! See segab! Mõtle laval ainult sellele, mida sa ise teed…”. Vlasenko ütleb selle kohta: "On lihtne nõu anda ...". Ta on hästi teadlik selle olukorra keerukusest, ebaselgusest ja kahetisest:

“Kas minu jaoks isiklikult on etenduse ajal publikut? Kas ma märkan teda? Jah ja ei. Ühest küljest, kui sa lähed täielikult esinemisprotsessi sisse, siis sa justkui ei mõtlegi publikule. Unustate täielikult kõik peale selle, mida te klaviatuuriga teete. Ja ometi... Igal kontsertmuusikul on teatud kuues meel – "publikutunnetus", ma ütleks. Ja seetõttu tunnete pidevalt saalis viibijate reaktsiooni, inimeste suhtumist teiesse ja teie mängu.

Kas sa tead, mis on minu jaoks kontserdi ajal kõige olulisem? Ja kõige paljastavam? Vaikus. Sest kõike saab korraldada – nii reklaami, kui ka ruumide täitumist ja aplausid, lilli, õnnitlusi ja nii edasi ja nii edasi, kõike peale vaikuse. Kui saal tardus, hoiab hinge kinni, tähendab see, et laval toimub tõesti midagi – midagi märkimisväärset, põnevat…

Kui ma mängu ajal tunnen, et olen publiku tähelepanu köitnud, annab see mulle tohutu energiapuhangu. Toimib omamoodi dopingina. Sellised hetked on esinejale suur õnn, tema unistuste ülim. Kuid nagu iga suur rõõm, juhtub seda harva.

Juhtub, et Lev Nikolajevitšilt küsitakse: kas ta usub lavalist inspiratsiooni – tema, professionaalne artist, kelle jaoks on avalikkuse ees esinemine sisuliselt töö, mida on tehtud regulaarselt, suures mahus, aastaid… muidugi sõna "inspiratsioon" ise » täiesti kulunud, tembeldatud, sagedase kasutamise tõttu kulunud. Uskuge mind, kõige selle juures on iga kunstnik valmis inspiratsiooni saamiseks peaaegu palvetama. Tunne on siin ainulaadne: justkui oleksite esitatava muusika autor; nagu oleks kõik selles olev sinu enda loodud. Ja kui palju uut, ootamatut, tõeliselt õnnestunud asja sünnib sellistel hetkedel laval! Ja seda sõna otseses mõttes kõiges – kõla värvingus, fraseerimises, rütmilistes nüanssides jne.

Ütlen nii: hea, professionaalselt soliidne kontsert on täiesti võimalik anda ka inspiratsiooni puudumisel. Selliseid juhtumeid on suvaliselt palju. Kui aga artist saabub inspiratsiooni, võib kontsert muutuda unustamatuks…”

Teatavasti pole laval usaldusväärseid viise inspiratsiooni esilekutsumiseks. Kuid on võimalik luua tingimused, mis igal juhul oleksid talle soodsad, valmistaksid ette vastava pinnase, usub Lev Nikolajevitš.

«Eelkõige on siin oluline üks psühholoogiline nüanss. Tuleb teada ja uskuda: mida sina saad laval teha, seda ei tee keegi teine. Las see ei ole nii igal pool, vaid ainult teatud repertuaaris, ühe-kahe-kolme autori loomingus – vahet pole, sellest pole asja. Peamine asi, kordan, on tunne ise: kuidas sina mängid, teine ​​ei mängi. Temal, sellel kujuteldaval “teisel”, võib olla tugevam tehnika, rikkalikum repertuaar, ulatuslikum kogemus – mida iganes. Kuid ta ei laula seda fraasi nii, nagu sina, ta ei leia nii huvitavat ja peent helivarjundit ...

See tunne, millest ma praegu räägin, peab olema tuttav ühele kontsertmuusikule. See inspireerib, tõstab üles, aitab rasketel hetkedel laval.

Ma mõtlen sageli oma õpetajale Jakov Vladimirovitš Flierile. Ta püüdis alati õpilaste tuju tõsta – pani nad endasse uskuma. Kahtluse hetkedel, kui meil kõik hästi ei läinud, sisendas ta kuidagi head tuju, optimismi ja head loomingulist tuju. Ja see tõi meile, tema klassi õpilastele, kahtlemata kasu.

Arvan, et peaaegu iga artist, kes suurel kontserdilaval üles astub, on oma hinge sügavuti veendunud, et mängib teistest veidi paremini. Või igal juhul võib-olla suudab ta paremini mängida... Ja selles pole vaja kedagi süüdistada – sellel eneseregulatsioonil on põhjust.

… 1988. aastal toimus Santanderis (Hispaania) suur rahvusvaheline muusikafestival. See pälvis avalikkuse erilist tähelepanu – osalejate seas olid I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy ja teised silmapaistvad Euroopa ja ülemere kunstnikud. Selle muusikafestivali raames peeti tõelise eduga Lev Nikolajevitš Vlasenko kontserdid. Kriitikud rääkisid imetlevalt tema andekusest, oskustest, õnnelikust oskusest „haarata ja võluda...“ Hispaanias esinemised, nagu ka Vlasenko teised ringreisid kaheksakümnendate teisel poolel, kinnitasid veenvalt, et huvi tema kunsti vastu pole vaibunud. Ta on tänapäevases, nõukogude ja välismaises kontserdielus endiselt silmapaistval kohal. Kuid selle koha säilitamine on palju keerulisem kui selle võitmine.

G. Tsypin, 1990