Igor Fjodorovitš Stravinski |

Igor Stravinski

…ma sündisin valel ajal. Temperamendi ja kalduvuse järgi peaksin nagu Bach, ehkki erinevas mastaabis, elama teadmatuses ning looma regulaarselt väljakujunenud teenimise ja Jumala jaoks. Ma jäin ellu maailmas, kuhu sündisin… ma jäin ellu… vaatamata kirjastajate sikutamisele, muusikafestivalidele, reklaamile… I. Stravinski

… Stravinski on tõeliselt vene helilooja … Vene vaim on hävimatu selle tõeliselt suure, mitmetahulise talendi südames, mis on sündinud Vene maalt ja on sellega eluliselt seotud… D. Šostakovitš

I. Stravinski loominguline elu on 1959. sajandi muusika elav ajalugu. See peegeldab nagu peeglis kaasaegse kunsti arenguprotsesse, otsides uudishimulikult uusi teid. Stravinski pälvis maine kui julge traditsioonide õõnestaja. Tema muusikas tekib stiilide paljusus, mis on pidevalt ristuvad ja kohati raskesti liigitatavad, millele helilooja pälvis oma kaasaegsetelt hüüdnime “tuhande näoga mees”. Ta on nagu Mustkunstnik oma balletist “Petruška”: liigutab oma loomingulisel laval vabalt žanreid, vorme, stiile, justkui allutades need oma mängureeglitele. Väites, et "muusika saab ainult ennast väljendada", püüdis Stravinski siiski elada "con Tempo" (st koos ajaga). Aastatel 63-1945 ilmunud “Dialoogides” meenutab ta Peterburi tänavamüra, Maslenitsa pidustusi Marsiväljal, mis tema sõnul aitasid tal näha oma Petruškat. Ja helilooja rääkis Sümfooniast kolmes osas (XNUMX) kui teosest, mis on seotud konkreetsete sõjamuljetega, mälestustega pruunsärkide julmustest Münchenis, mille ohvriks ta ise peaaegu sai.

Stravinski universalism on silmatorkav. See väljendub maailma muusikakultuuri nähtuste kajastuses, loominguliste otsingute mitmekesisuses, enam kui 40 aasta kestnud esinemis- ja pianisti- ja dirigenditegevuse intensiivsuses. Tema isiklike kontaktide ulatus silmapaistvate inimestega on enneolematu. “Kunstimaailma” kunstnikud N. Rimski-Korsakov, A. Ljadov, A. Glazunov, V. Stasov, S. Djagilev, A. Matisse, P. Picasso, R. Rolland. T. Mann, A. Gide, C. Chaplin, K. Debussy, M. Ravel, A. Schoenberg, P. Hindemith, M. de Falla, G. Faure, E. Satie, kuue rühma prantsuse heliloojad – need on mõned nimed neist. Stravinski oli kogu oma elu avalikkuse tähelepanu keskpunktis, kõige olulisemate kunstiteede ristumiskohas. Tema elu geograafia hõlmab paljusid riike.

Stravinski lapsepõlv möödus Peterburis, kus tema sõnul “oli põnevalt huvitav elada”. Vanemad ei püüdnud talle muusiku elukutset anda, kuid kogu olukord soodustas muusikalist arengut. Majas kõlas pidevalt muusika (helilooja F. Stravinski isa oli kuulus Mariinski teatri laulja), oli suur kunsti- ja muusikaraamatukogu. Stravinskit köitis lapsepõlvest peale vene muusika. Kümneaastase poisina oli tal õnn näha P. Tšaikovskit, keda ta jumaldas, pühendamas talle palju aastaid hiljem ooperi „Mavra“ (1922) ja balleti „Haldja suudlus“ (1928). Stravinsky nimetas M. Glinkat “minu lapsepõlve kangelaseks”. Ta hindas kõrgelt M. Mussorgskit, pidas teda "kõige tõetruumaks" ja väitis, et tema enda kirjutistes on "Boriss Godunovi" mõjutusi. Sõbralikud suhted tekkisid Beljajevski ringi liikmetega, eriti Rimski-Korsakovi ja Glazunoviga.

Stravinski kirjanduslikud huvid tekkisid varakult. Esimeseks tõeliseks sündmuseks tema jaoks oli L. Tolstoi raamat “Lapsepõlv, teismeiga, noorus”, A. Puškin ja F. Dostojevski jäid iidoliteks kogu elu.

Muusikatunnid algasid 9-aastaselt. See oli klaveritund. Tõsiseid erialaseid õpinguid alustas Stravinski aga alles pärast 1902. aastat, mil ta Peterburi ülikooli õigusteaduskonna üliõpilasena asus õppima Rimski-Korsakovi juurde. Samal ajal sai ta lähedaseks “Kunstimaailma” artistide S. Diaghileviga, osales “Moodsa muusika õhtutel”, uue muusika kontsertidel A. Siloti korraldusel. Kõik see andis tõuke kunstilisele kiirele küpsemisele. Stravinski esimesed komponeerimiskatsed – klaverisonaat (1904), vokaal- ja sümfooniline süit Faun ja Shepherdess (1906), Es-duur sümfoonia (1907), fantastiline scherzo ja ilutulestik orkestrile (1908) on mõjutatud. Rimski-Korsakovi koolkonnast ja prantsuse impressionistidest. Alates sellest hetkest, kui Djagilevi tellitud balletid "Tulilind" (1910), "Petrushka" (1911), "Kevadriitus" (1913) Pariisis lavastati, on aga Pariisis toimunud kolossaalne loominguline tõus. Žanr, mis Stravinskile oma teoses hiljem eriti meeldis, sest tema sõnul on ballett "ainuke teatrikunsti vorm, mis seab nurgakiviks ilu ja ei midagi enamat".

Ballettide triaad avab esimese – “vene” – loomeperioodi, mis ei saanud nii oma nime elukoha järgi (alates 1910. aastast elas Stravinski pikka aega välismaal ja 1914. aastal asus elama Šveitsi), vaid tänu oma eripäradele. sel ajal ilmunud muusikaline mõtlemine, sügavalt sisuliselt rahvuslik. Stravinski pöördus vene folkloori poole, mille erinevad kihid murdusid iga balleti muusikas väga omapäraselt. Firebird avaldab muljet orkestrivärvide ülevoolava helduse, poeetiliste ümartantsusõnade ja tuliste tantsude eredate kontrastidega. A. Benois balletimuulaks kutsutud “Petruškas” kõlavad sajandi alguses populaarsed linnameloodiad, vastlapäevade lärmakas kirju pilt, millele vastandub üksildane kannataja kuju. Petruška. Iidne paganlik ohverdamisriitus määras “Püha kevade” sisu, mis kehastas kevadise uuenemise elementaarset impulssi, hävitamise ja loomise võimsaid jõude. Folklooriarhaismi sügavustesse sukeldunud helilooja uuendab nii radikaalselt muusikakeelt ja kujundeid, et ballett jättis tema kaasaegsetele plahvatava pommi mulje. “XX sajandi hiiglaslik tuletorn” nimetas seda itaalia helilooja A. Casella.

Nendel aastatel komponeeris Stravinski intensiivselt, töötades sageli mitme teose kallal, mis olid iseloomult ja stiililt täiesti erinevad korraga. Need olid näiteks vene koreograafilised stseenid "Pulm" (1914-23), mis kajas mingil moel "Kevadriitus", ja peenelt lüüriline ooper "Ööbik" (1914). Lugu rebasest, kukest, kassist ja lambast (1917), mis taaselustab puhvisteatri traditsioone, külgneb "Sõduri looga" (1918), kus vene melod hakkavad juba neutraliseerima, langema. konstruktivismi ja jazzielementide sfääri.

1920. aastal kolis Stravinski Prantsusmaale ja 1934. aastal võttis ta Prantsusmaa kodakondsuse. See oli äärmiselt rikkaliku loomingulise ja esinemistegevuse periood. Prantsuse heliloojate noorema põlvkonna jaoks sai Stravinskist kõrgeim autoriteet, "muusikameister". Kuid ebaõnnestumine kandideerimisel Prantsuse Kaunite Kunstide Akadeemiasse (1936), üha tihenevad ärisidemed Ameerika Ühendriikidega, kus ta andis kaks korda edukalt kontserte ja 1939. aastal pidas Harvardi ülikoolis esteetika loenguid – see kõik ajendas teda kolima teise maailmasõja alguses Ameerikas. Ta asus elama Hollywoodi (California) ja võttis 1945. aastal vastu Ameerika kodakondsuse.

“Pariisi” perioodi algus langes Stravinski jaoks järsu pöördega neoklassitsismi poole, kuigi üldiselt oli tema loomingu üldpilt üsna kirju. Alates balletist Pulcinella (1920) G. Pergolesi muusikale lõi ta terve rea neoklassitsistlikus stiilis teoseid: balletid Apollo Musagete (1928), Mängukaardid (1936), Orpheus (1947); ooper-oratoorium Oidipus Rex (1927); melodraama Persephone (1938); ooper The Rake's Progress (1951); Oktett puhkpillidele (1923), Psalmide sümfoonia (1930), Kontsert viiulile ja orkestrile (1931) jt. Stravinski neoklassitsismil on universaalne iseloom. Helilooja modelleerib erinevaid JB Lully, JS Bachi, KV Glucki ajastu muusikastiile, eesmärgiga kehtestada "korra domineerimine kaose üle". See on omane Stravinskile, keda paistis alati silma püüdlus range ratsionaalse loovuse distsipliini poole, mis ei lubanud emotsionaalset ülevoolu. Jah, ja Stravinsky muusika komponeerimise protsess ei viinud läbi mitte kapriisi, vaid "igapäevaselt, regulaarselt, nagu ametliku ajaga inimene".

Just need omadused määrasid loomingulise evolutsiooni järgmise etapi eripära. 50-60ndatel. helilooja sukeldub Bachi-eelse ajastu muusikasse, pöördub piibli-, kultuslike süžeede poole ning hakkab 1953. aastast rakendama jäigalt konstruktiivset dodekafoonilist komponeerimistehnikat. Püha hümn apostel Markuse auks (1955), ballett Agon (1957), Gesualdo di Venosa 400. juubelimonument orkestrile (1960), kantaat-allegooria Veeuputus 1962. sajandi inglise müsteeriumide vaimus. (1966), Reekviem (“Laulud surnutele”, XNUMX) – need on selle aja kõige olulisemad teosed.

Stravinski stiil muutub neis üha askeetlikumaks, konstruktiivselt neutraalsemaks, kuigi helilooja ise räägib oma loomingus rahvusliku päritolu säilitamisest: „Olen ​​terve elu rääkinud vene keelt, mul on vene stiil. Võib-olla pole see minu muusikas kohe näha, aga see on talle omane, see on selle varjatud olemuses. Üks Stravinski viimaseid teoseid oli kaanon venekeelse laulu “Mänd ei kõigunud väravas” teemal, mida kasutati varem balleti “Tulilind” finaalis.

Nii jõudis helilooja oma elu- ja loometeed lõpetades tagasi algupärade juurde, kauget vene minevikku kehastava muusika juurde, mille igatsus oli alati kusagil südamesügavuses, murdes kohati läbi ütlustes ja eriti tugevnes pärast seda. Stravinski visiit Nõukogude Liitu 1962. aasta sügisel. Siis lausus ta tähenduslikud sõnad: "Inimesel on üks sünnikoht, üks kodumaa – ja sünnikoht on tema elus peamine."

O. Averjanova

• Stravinski olulisemate teoste loend →