David Fedorovitš Oistrahh |
David Oistrahh
Nõukogude Liit on juba ammu kuulus viiuldajate poolest. Veel 30ndatel hämmastasid meie esinejate hiilgavad võidud rahvusvahelistel konkurssidel maailma muusikalist üldsust. Nõukogude viiulikoolist räägiti kui maailma parimast. Säravate talentide tähtkujust kuulus palm juba David Oistrakhile. Ta on oma positsiooni säilitanud tänaseni.
Oistrahhi kohta on kirjutatud palju artikleid, võib-olla enamiku maailma rahvaste keeltes; temast on kirjutatud monograafiaid ja esseesid ning tundub, et pole sõnu, mida ei ütleks kunstniku kohta tema imelise ande austajad. Ja ometi tahan ma sellest ikka ja jälle rääkida. Võib-olla ei kajastanud ükski viiuldaja nii täielikult meie riigi viiulikunsti ajalugu. Oistrahh arenes koos nõukogude muusikakultuuriga, neelates sügavalt selle ideaale ja esteetikat. Kunstnikuks “loodud” meie maailm, juhtides hoolikalt kunstniku suure talendi arengut.
On kunst, mis surub alla, tekitab ärevust, paneb kogema elu tragöödiaid; aga on ka teist laadi kunst, mis toob rahu, rõõmu, ravib hingehaavu, soodustab usu kinnistumist ellu, tulevikku. Viimane on Oistrahhile väga iseloomulik. Oistrahhi kunst annab tunnistust tema looduse hämmastavast harmooniast, tema vaimsest maailmast, helgest ja selgest elutunnetusest. Oistrakh on otsiv kunstnik, kes pole saavutatuga igavesti rahul. Tema loomingulise biograafia iga etapp on "uus Oistrahh". 30ndatel oli ta miniatuuride meister, rõhuasetusega pehmel, võluval, kergel lüürikal. Tema mäng köitis tollal peene graatsilisuse, lüüriliste nüansside läbitungimise, iga detaili viimistletud terviklikkusega. Möödusid aastad ja Oistrahhist sai suurte monumentaalsete vormide meister, säilitades samas oma endised omadused.
Esimesel etapil domineerisid tema mängus “akvarellitoonid”, mis kaldusid sillerdava, hõbedase värvigamma poole, millel on märkamatuid üleminekuid ühelt teisele. Kuid Hatšaturja kontserdis näitas ta end ootamatult uues rollis. Ta näis loovat joovastavalt värvika pildi sügavate “sametiste” kõlavärvitämbritega. Ja kui Mendelssohni, Tšaikovski kontsertidel, Kreisleri, Skrjabini, Debussy miniatuurides tajuti teda puhtalt lüürilise ande esitajana, siis Hatšaturjani kontserdis esines ta suurejoonelise žanrimaalijana; tema tõlgendus sellest Kontserdist on saanud klassikaks.
Uus etapp, hämmastava artisti loomingulise arengu uus kulminatsioon – Šostakovitši kontsert. Ei saa unustada muljet, mille jättis kontserti esiettekanne Oistrahhi esituses. Ta muutus sõna otseses mõttes; tema mäng omandas “sümfoonilise” skaala, traagilise jõu, “südame tarkuse” ja inimese jaoks valu, mis on nii omased suure nõukogude helilooja muusikale.
Oistrahhi esitust kirjeldades ei saa mainimata jätta tema kõrget pillimänguoskust. Tundub, et loodus pole kunagi loonud nii täielikku inimese ja instrumendi sulandumist. Samas on Oistrahhi esituse virtuoossus eriline. Selles on nii sära kui efektsust, kui muusika seda nõuab, aga need pole põhilised, vaid plastilisus. Hämmastav kergus ja kergus, millega kunstnik esitab kõige mõistatuslikumaid lõike, on võrratu. Tema esinemisaparaadi täiuslikkus on selline, et saate tema mängimist vaadates tõelist esteetilist naudingut. Arusaamatu osavusega liigub vasak käsi mööda kaela. Puuduvad teravad põrutused ega nurgelised üleminekud. Iga hüpe ületatakse absoluutse vabadusega, igasugune sõrmede sirutus – ülima elastsusega. Poogna on keelpillidega “seotud” nii, et Oistrahhi viiuli värisev, paitav tämber ei unune niipea.
Aastad lisavad tema kunstile aina uusi tahke. See muutub sügavamaks ja... lihtsamaks. Kuid arenedes, pidevalt edasi liikudes jääb Oistrahh "iseendaks" – valguse ja päikese kunstnikuks, meie aja kõige lüürilisemaks viiuldajaks.
Oistrahh sündis Odessas 30. septembril 1908. Tema tagasihoidlikust kontoritöötajast isa mängis mandoliini, viiulit ja oli suur muusikaarmastaja; ema, elukutseline laulja, laulis Odessa ooperimaja kooris. Alates neljandast eluaastast kuulas väike David entusiastlikult oopereid, milles laulis tema ema, ning mängis kodus etendusi ja “dirigeeris” kujuteldavat orkestrit. Tema musikaalsus oli nii ilmne, et teda hakkas huvitama tuntud õpetaja, kes sai tuntuks oma töös lastega, viiuldaja P. Stolyarsky. Alates viiendast eluaastast hakkas Oistrahh tema juures õppima.
Puhkes Esimene maailmasõda. Oistrahhi isa läks rindele, kuid Stolyarsky jätkas poisiga koostööd tasuta. Sel ajal oli tal eramuusikakool, mida Odessas kutsuti "talendivabrikuks". "Tal oli kunstnikuna suur, tulihingeline hing ja erakordne armastus laste vastu," meenutab Oistrahh. Stolyarsky sisendas temasse armastust kammermuusika vastu, sundis teda musitseerima koolikollektiivides vioolal või viiulil.
Pärast revolutsiooni ja kodusõda avati Odessas Muusika- ja Draamainstituut. 1923. aastal astus Oistrahh siia ja loomulikult Stolyarsky klassi. 1924. aastal andis ta oma esimese soolokontserdi ja omandas kiiresti viiulirepertuaari kesksed teosed (Bachi, Tšaikovski, Glazunovi kontserdid). 1925. aastal tegi ta oma esimese kontserdireisi Elizavetgradi, Nikolajevi, Hersoni. 1926. aasta kevadel lõpetas Oistrahh instituudi säravalt, esitades Prokofjevi I kontserdi, Tartini sonaadi “Kuraditrillid”, A. Rubinsteini sonaadi vioolale ja klaverile.
Märkigem, et peamiseks eksamitööks valiti Prokofjevi Kontsert. Tol ajal ei saanud kõik nii julget sammu ette võtta. Prokofjevi muusikat tajusid vähesed, raskustega võitis see tunnustuse XNUMX–XNUMX sajandi klassika järgi kasvanud muusikute seas. Uudsuse soov, uue kiire ja sügav mõistmine jäi omaseks Oistrahhile, kelle esituse evolutsiooni abil saab kirjutada nõukogude viiulimuusika ajalugu. Liialdamata võib öelda, et enamik nõukogude heliloojate loodud viiulikontserte, sonaate, suur- ja väikevormilisi teoseid tuli esmaettekandele Oistrahhi esituses. Jah, ja XNUMX. sajandi välismaisest viiulikirjandusest oli Oistrahh see, kes tutvustas nõukogude kuulajatele paljusid olulisi nähtusi; näiteks Szymanowski, Chaussoni kontsertidega, Bartóki Esimese kontserdiga jne.
Muidugi ei saanud Oistrahh oma noorusajal piisavalt sügavalt aru Prokofjevi kontserdi muusikast, nagu meenutab kunstnik ise. Vahetult pärast seda, kui Oistrahh instituudi lõpetas, tuli Prokofjev Odessasse autorikontsertidega. Tema auks korraldatud õhtul esitas 18-aastane Oistrahh skertsot Esimesest kontserdist. Helilooja istus lava lähedal. “Minu esinemise ajal,” meenutab Oistrakh, “muutus tema nägu aina süngemaks. Kui aplausid puhkesid, ei võtnud ta neist osa. Lavale lähenedes, eirates publiku müra ja elevust, palus ta pianistil talle teed anda ja pöördus minu poole sõnadega: "Noormees, sa ei mängi üldse nii, nagu peaks," alustas ta. et näidata ja selgitada mulle tema muusika olemust. . Palju aastaid hiljem tuletas Oistrahh seda juhtumit Prokofjevile meelde ja tal oli silmnähtavalt piinlik, kui sai teada, kes on see “õnnetu noormees”, kes tema pärast nii palju kannatas.
20. aastatel avaldas F. Kreisler Oistrahhile suurt mõju. Oistrakh tutvus oma esitusega salvestuste kaudu ja oli oma stiili originaalsusest lummatud. Kreisleri tohutut mõju 20. ja 30. aastate viiuldajate põlvkonnale nähakse tavaliselt nii positiivse kui ka negatiivsena. Ilmselt oli Kreisler “süüdi” Oistrahhi vaimustuses väikevormist – miniatuuridest ja transkriptsioonidest, milles olid olulisel kohal Kreisleri arranžeeringud ja originaalnäidendid.
Kirg Kreisleri vastu oli universaalne ning vähesed jäid ükskõikseks tema stiili ja loomingulisuse suhtes. Kreislerilt võttis Oistrahh üle mõned mänguvõtted – iseloomulik glissando, vibrato, portamento. Võib-olla võlgneb Oistrahh “Kreisleri koolkonnale” elegantsi, kerguse, pehmuse ja “kambriliste” varjundite rikkalikkuse eest, mis meid tema mängus köidavad. Kuid kõike, mida ta laenas, töötles ta isegi sel ajal ebatavaliselt orgaaniliselt. Noore kunstniku individuaalsus osutus nii eredaks, et muutis igasuguse "omandamise". Oma küpsel perioodil lahkus Oistrahh Kreislerist, pannes temalt kunagi omaks võetud ekspressiivsed võtted hoopis teiste eesmärkide teenistusse. Psühhologismiiha, sügavate emotsioonide keerulise maailma taastootmine viis ta deklamatiivse intonatsiooni meetodite juurde, mille olemus on Kreisleri elegantse, stiliseeritud laulusõnade vastand.
1927. aasta suvel tutvustati Oistrahhile Kiievi pianisti K. Mihhailovi algatusel AK Glazunov, kes oli tulnud Kiievisse mitut kontserti juhatama. Hotellis, kuhu Oistrahh toodi, saatis Glazunov noort viiuldajat tema Kontserdis klaveril. Glazunovi juhatusel esitas Oistrahh kontserdi kahel korral avalikult koos orkestriga. Odessas, kuhu Oistrahh koos Glazunoviga naasis, kohtus ta seal tuuritanud Poljakiniga ja mõne aja pärast ka dirigent N. Malkoga, kes kutsus ta oma esimesele reisile Leningradi. 10. oktoobril 1928 tegi Oistrahh eduka debüüdi Leningradis; noor kunstnik saavutas populaarsuse.
1928. aastal kolis Oistrahh Moskvasse. Mõnda aega juhib ta külalisesineja elu, reisides kontsertidega mööda Ukrainat. Tema kunstilises tegevuses oli väga oluline võit Üle-Ukraina viiuldajate konkursil 1930. aastal. Ta võitis I preemia.
Noore muusiku vastu hakkas huvi tundma Ukraina riiklike orkestrite ja ansamblite kontserdibüroo direktor P. Kogan. Suurepärane organisaator, ta oli tähelepanuväärne tegelane “nõukogude impressaario-kasvatajast”, nagu teda tegevuse suuna ja iseloomu järgi võib nimetada. Ta oli tõeline klassikalise kunsti propageerija masside seas ja paljud nõukogude muusikud hoiavad temast head mälestust. Kogan tegi palju Oistrahhi populariseerimiseks, kuid siiski oli viiuldaja peamine kontsertide piirkond väljaspool Moskvat ja Leningradi. Alles 1933. aastaks hakkas Oistrahh oma teed ka Moskvas tegema. Tema esinemine Mozarti, Mendelssohni ja Tšaikovski kontsertidest koostatud kavaga, mis esitati ühel õhtul, oli sündmus, millest rääkis muusikaline Moskva. Oistrahhi kohta kirjutatakse arvustusi, milles märgitakse, et tema mäng kannab endas nõukogude interpreetide noore põlvkonna parimaid omadusi, et see kunst on terve, arusaadav, rõõmsameelne, tahtejõuline. Kriitikud märkavad tabavalt tema esitusstiili põhijooni, mis talle neil aastatel iseloomulikud olid – erakordne oskus väikevormi teoste esitamisel.
Samas leiame ühest artiklist järgmised read: “Samas on ennatlik arvata, et miniatuur on tema žanr. Ei, Oistrahhi sfäär on plastiline, graatsiliste vormide muusika, täisvereline, optimistlik muusika.
1934. aastal kutsuti Oistrahh A. Goldenweiseri eestvõttel konservatooriumi. Siit sai alguse tema õpetajakarjäär, mis kestab tänaseni.
30ndad olid Oistrahhi hiilgavate võidukäikude aeg üleliidulisel ja maailmaareenil. 1935 – I preemia II üleliidulisel lavamuusikute konkursil Leningradis; samal aastal, paar kuud hiljem – II preemia Henryk Wieniawski rahvusvahelisel viiuldajate konkursil Varssavis (I preemia sai Thibaut’ õpilane Ginette Neve); 1937 – esimene preemia Eugene Ysaye rahvusvahelisel viiuldajate konkursil Brüsselis.
Viimast konkurssi, kus seitsmest esikohast kuus võitsid nõukogude viiuldajad D. Oistrahh, B. Goldstein, E. Gilels, M. Kozolupova ja M. Fikhtengolts, hindas maailma ajakirjandus nõukogude viiuli võidukäiguks. kool. Konkursi žürii liige Jacques Thibault kirjutas: „Need on imelised talendid. NSV Liit on ainuke riik, mis on hoolitsenud oma noorte kunstnike eest ja andnud neile täielikud võimalused arenguks. Tänasest kogub Oistrahh ülemaailmset kuulsust. Nad tahavad teda kuulata kõigis riikides.
Pärast võistlust esinesid selle osalejad Pariisis. Konkurss avas Oistrahhile tee laiaulatuslikule rahvusvahelisele tegevusele. Kodus saab Oistrakhist populaarseimaks viiuldajaks, konkureerides selles osas edukalt Miron Polyakiniga. Kuid peamine on see, et tema võluv kunst köidab heliloojate tähelepanu, stimuleerides nende loovust. 1939. aastal loodi Mjaskovski kontsert, 1940. aastal Hatšaturjan. Mõlemad kontserdid on pühendatud Oistrahhile. Mjaskovski ja Hatšaturjani kontsertide ettekandmist peeti riigi muusikaelu suursündmuseks, see oli tähelepanuväärse kunstniku sõjaeelse perioodi tulemus ja kulminatsioon.
Sõja ajal andis Oistrahh pidevalt kontserte, mängides haiglates, tagalas ja rindel. Nagu enamik nõukogude artiste, on ta täis isamaalist entusiasmi, 1942. aastal esineb ta ümberpiiratud Leningradis. Sõdurid ja töölised, meremehed ja linnaelanikud kuulavad teda. “Oki tuli siia pärast rasket tööpäeva, et kuulata Moskvast pärit mandri artisti Oistrahhi. Õhurünnaku väljakuulutamise ajaks polnud kontsert veel lõppenud. Keegi ei lahkunud ruumist. Pärast kontserdi lõppu võeti artist soojalt vastu. Kiiduavaldused kasvasid eriti tugevaks, kui kuulutati välja määrus D. Oistrahhile riikliku preemia määramise kohta …”.
Sõda on läbi. 1945. aastal jõudis Yehudi Menuhin Moskvasse. Oistrakh mängib koos temaga Bachi topeltkontserti. Hooajal 1946/47 esitas ta Moskvas suurejoonelise tsükli, mis oli pühendatud viiulikontserdi ajaloole. See aktus meenutab kuulsaid A. Rubinsteini ajaloolisi kontserte. Tsüklisse kuulusid sellised teosed nagu Elgari, Sibeliuse ja Waltoni kontserdid. Ta määratles Oistrahhi loomepildis, millest on vahepeal saanud tema võõrandamatu omadus, midagi uut – universalismi, iha kõigi aegade ja rahvaste, sealhulgas modernsuse viiulikirjanduse laiaulatusliku kajastuse järele.
Pärast sõda avanes Oistrahhil väljavaated ulatuslikuks rahvusvaheliseks tegevuseks. Tema esimene reis toimus 1945. aastal Viinis. Tähelepanuväärne on tema esituse arvustus: „... Vaid tema alati stiilse mängu vaimne küpsus teeb temast kõrge inimlikkuse kuulutaja, tõeliselt märkimisväärse muusiku, kelle koht on esikohal. maailma viiuldajad."
Aastatel 1945–1947 kohtus Oistrahh Enescuga Bukarestis ja Menuhiniga Prahas; 1951. aastal määrati ta Brüsselis toimuva Belgia kuninganna Elisabethi rahvusvahelise konkursi žürii liikmeks. 50ndatel hindas kogu välisajakirjandus teda üheks maailma suurimaks viiuldajaks. Brüsselis viibides esineb ta koos Thibault'ga, kes oma kontserdis orkestrit juhatab, mängides Bachi, Mozarti ja Beethoveni kontserte. Thiebaud on täis sügavat imetlust Oistrahhi talendi vastu. Arvustused tema esinemisest 1954. aastal Düsseldorfis rõhutavad tema esituse läbitungivat inimlikkust ja vaimsust. “See mees armastab inimesi, see kunstnik armastab ilusat, üllast; aidata inimestel seda kogeda, on tema elukutse.
Nendes arvustustes esineb Oistrahh kui interpreet, kes jõuab muusikas humanistliku printsiibi sügavustesse. Tema kunsti emotsionaalsus ja lüürilisus on psühholoogilised ning see puudutabki kuulajaid. “Kuidas võtta kokku muljed David Oistrahhi mängust? – kirjutas E. Jourdan-Morrange. – Levinud määratlused, olgu need ditürambid, ei ole tema puhta kunsti väärilised. Oistrakh on kõige täiuslikum viiuldaja, keda ma kunagi kuulnud olen, mitte ainult oma tehnika poolest, mis on võrdne Heifetzi omaga, vaid eelkõige seetõttu, et see tehnika on täielikult pööratud muusika teenistusse. Milline ausus, milline õilsus hukkamisel!
1955. aastal läks Oistrakh Jaapanisse ja USA-sse. Jaapanis kirjutasid nad: „Selle riigi publik teab, kuidas kunsti hinnata, kuid on tunnete väljendamisel vaoshoitud. Siin läks ta sõna otseses mõttes hulluks. Vapustavad aplausid sulasid kokku "braavo!" ja tundus, et suudab uimastada. Oistrahhi edu USA-s piirnes triumfiga: „David Oistrakh on suurepärane viiuldaja, üks meie aja tõeliselt suurepärastest viiuldajatest. Oistrakh pole suurepärane mitte ainult seetõttu, et ta on virtuoos, vaid ka tõeline vaimne muusik. Carnegie Hallis toimunud kontserdil kuulasid Oistrahhi F. Kreisler, C. Francescatti, M. Elman, I. Stern, N. Milstein, T. Spivakovsky, P. Robson, E. Schwarzkopf, P. Monte.
«Eriti liigutas mind Kreisleri kohalolek saalis. Kui nägin suurepärast viiuldajat, kes mu mängu pingsalt kuulas ja siis püsti aplodeeris, tundus kõik toimunu mingi imelise unenäona. Oistrahh kohtus Kreisleriga tema teisel visiidil USA-sse aastatel 1962–1963. Kreisler oli sel ajal juba väga vana mees. Kohtumistest suurepäraste muusikutega tuleb mainida ka kohtumist P. Casalsiga 1961. aastal, mis jättis sügava jälje Oistrahhi südamesse.
Oistrahhi esituse eredaim joon on kammer-ansamblimuusika. Oistrahh võttis osa kammerõhtutest Odessas; hiljem mängis ta trios koos Igumnovi ja Knuševitskiga, asendades selles koosseisus viiuldajat Kalinovskit. 1935. aastal moodustas ta koos L. Oboriniga sonaadiansambli. Oistrahhi sõnul juhtus see nii: nad läksid 30ndate alguses Türki ja seal tuli mängida sonaadiõhtut. Nende “muusikatunnetus” osutus niivõrd seotuks, et tekkis mõte seda juhuslikku kooslust jätkata.
Arvukad esinemised ühisõhtutel tõid Oistrahhile ja Oborinile lähemale ühe suurima nõukogude tšellist Svjatoslav Knuševitski. Otsus luua püsitrio tuli aastal 1940. Selle tähelepanuväärse koosseisu esmaesinemine toimus 1941. aastal, kuid süstemaatiline kontserttegevus algas 1943. aastal. Trio L. Oborin, D. Oistrahh, S. Knuševitski pikki aastaid (kuni kuni 1962, kui Knuševitski suri) oli nõukogude kammermuusika uhkus. Selle ansambli arvukad kontserdid kogusid alati täis saale entusiastlikku publikut. Tema esinemised toimusid Moskvas, Leningradis. 1952. aastal sõitis trio Beethoveni pidustustele Leipzigis. Oborin ja Oistrahh esitasid kogu Beethoveni sonaatide tsükli.
Kolmiku mängu eristas haruldane sidusus. Knuševitski tähelepanuväärne tihe kantileen oma kõla, sametise tämbriga, mis on suurepäraselt ühendatud Oistrahhi hõbedase kõlaga. Nende kõla täiendas Oborini klaveril laulmine. Muusikas paljastasid ja rõhutasid artistid selle lüürilist poolt, nende mängu eristas siirus, südamest tulev pehmus. Üldjoontes võib ansambli esinemisstiili nimetada lüüriliseks, kuid klassikalise tasakaalukuse ja rangusega.
Oborin-Oistrakh Ensemble eksisteerib tänaseni. Nende sonaadiõhtud jätavad mulje stiililisest terviklikkusest ja terviklikkusest. Oborini näidendile omane poeesia on ühendatud muusikalise mõtlemise iseloomuliku loogikaga; Oistrakh on selles osas suurepärane partner. See on oivalise maitse ja haruldase muusikalise intelligentsusega ansambel.
Oistrakh on tuntud kogu maailmas. Teda tähistavad paljud tiitlid; 1959 valis Londoni Kuninglik Muusikaakadeemia ta auliikmeks, 1960 sai temast Rooma Püha Cecilia auakadeemik; 1961. aastal – Saksa Kunstiakadeemia korrespondentliige Berliinis, samuti Ameerika Teaduste ja Kunstiakadeemia liige Bostonis. Oistrahhile omistati Lenini ordenid ja aumärk; pälvis ta NSV Liidu rahvakunstniku tiitli. 1961. aastal pälvis ta Lenini preemia, mis on esimene Nõukogude lavamuusikute seas.
Yampolsky raamatus Oistrahhist on lühidalt ja lühidalt tabatud tema iseloomuomadused: alistamatu energia, töökus, terav kriitikameel, võime märgata kõike iseloomulikku. See ilmneb Oistrahhi hinnangutest silmapaistvate muusikute mängu kohta. Ta oskab alati välja tuua kõige olulisema, visandada täpse portree, anda peent stiilianalüüsi, märgata muusiku välimuses iseloomulikku. Tema hinnanguid võib usaldada, kuna need on enamasti erapooletud.
Yampolsky märgib ka huumorimeelt: «Ta hindab ja armastab hästi sihitud, teravat sõna, suudab naljakat lugu rääkides või koomilist lugu kuulates nakatavalt naerda. Nagu Heifetz, oskab ta lõbusalt kopeerida alustavate viiuldajate mängu. Kolossaalse energiaga, mida ta iga päev kulutab, on ta alati tark, vaoshoitud. Igapäevaelus armastab ta sporti – noorematel aastatel mängis tennist; suurepärane autojuht, kirglikult malehuviline. 30ndatel oli tema malepartner S. Prokofjev. Enne sõda oli Oistrahh olnud aastaid Kunstnike Keskmaja spordisektsiooni esimees ja esmaklassiline malemeister.
Laval on Oistrahh vaba; tal puudub põnevus, mis nii suure hulga esinevate muusikute estraaditegevust nii varjutab. Meenutagem, kui valusalt muretsesid Joachim, Auer, Thiebaud, Huberman, Polyakin, kui palju närvilist energiat nad igale esinemisele kulutasid. Oistrakh armastab lava ja, nagu ta tunnistab, tekitavad temas elevust vaid olulised pausid esinemistes.
Oistrahhi looming väljub otsese esinemistegevuse ulatusest. Ta andis toimetajana palju kaasa viiulikirjandusele; näiteks tema versioon (koos K. Mostrasega) Tšaikovski viiulikontserdist on suurepärane, Aueri versiooni rikastav ja suuresti korrigeeriv. Osutagem ka Oistrahhi loomingule mõlema Prokofjevi viiulisonaadi juures. Viiuldajad võlgnevad talle selle, et algselt flöödile ja viiulile kirjutatud II sonaadi valmistas Prokofjev viiulile ümber.
Oistrakh töötab pidevalt uute teoste kallal, olles nende esimene tõlk. Oistrahhi poolt “välja antud” nõukogude heliloojate uute teoste nimekiri on tohutu. Kui nimetada vaid mõnda: Prokofjevi sonaadid, Mjaskovski, Rakovi, Hatšaturjani, Šostakovitši kontserdid. Oistrahh kirjutab mõnikord artikleid oma mängitud paladest ja mõni muusikateadlane võib tema analüüsi kadestada.
Suurejoonelised on näiteks Mjaskovski ja eriti Šostakovitši viiulikontserdi analüüsid.
Oistrakh on silmapaistev õpetaja. Tema õpilaste hulgas on rahvusvaheliste konkursside laureaadid V. Klimov; tema poeg, praegu silmapaistev kontsertsolist I. Oistrahh, samuti O. Parkhomenko, V. Pikaizen, S. Snitkovetski, J. Ter-Merkerjan, R. Fine, N. Beilina, O. Krysa. Paljud välismaa viiuldajad püüavad Oistrahhi klassi pääseda. Tema käe all õppisid prantslased M. Bussino ja D. Arthur, türklane E. Erduran, austraalia viiuldaja M. Beryl-Kimber, Jugoslaaviast D. Bravnichar, bulgaarlane B. Lechev, rumeenlased I. Voicu, S. Georgiou. Oistrakh armastab pedagoogikat ja töötab klassiruumis kirega. Tema meetod põhineb peamiselt tema enda esinemiskogemusel. “Kommentaarid, mida ta selle või teise esitusviisi kohta teeb, on alati napisõnalised ja ülimalt väärtuslikud; igas sõnas-nõuandes näitab ta pilli olemuse ja viiulimängu tehnikate sügavat mõistmist.
Ta peab väga oluliseks õpilase õpitava teose vahetut demonstreerimist pillil õpetaja poolt. Kuid ainult näitamisest on tema hinnangul kasu peamiselt perioodil, mil õpilane tööd analüüsib, sest edasi võib see pärssida õpilase loomingulise individuaalsuse kujunemist.
Oistrakh arendab oskuslikult oma õpilaste tehnilist aparaati. Enamasti eristab tema lemmikloomi pilli omamise vabadus. Samas pole õpetaja Oistrahhile sugugi omane eriline tähelepanu tehnoloogiale. Teda huvitavad palju rohkem oma õpilaste muusikalise ja kunstilise kasvatuse probleemid.
Viimastel aastatel on Oistrahh hakanud huvi tundma dirigeerimise vastu. Tema esimene esinemine dirigendina toimus 17. veebruaril 1962 Moskvas – ta saatis oma poega Igorit, kes esitas Bachi, Beethoveni ja Brahmsi kontserte. “Oistrahhi dirigeerimisstiil on lihtne ja loomulik, nagu ka tema viiulimaneeri. Ta on rahulik, ihne ebavajalike liigutustega. Ta ei suru orkestrit maha oma dirigendi “jõuga”, vaid annab esinejameeskonnale maksimaalse loomingulise vabaduse, toetudes selle liikmete kunstilisele intuitsioonile. Suure artisti võlu ja autoriteet avaldavad muusikutele vastupandamatut mõju.
1966. aastal sai Oistrahh 58-aastaseks. Siiski on ta täis aktiivset loomingulist energiat. Tema oskusi eristab endiselt vabadus, absoluutne täiuslikkus. Seda ainult rikastas pika eluea kunstikogemus, mis oli täielikult pühendunud oma armastatud kunstile.
L. Raaben, 1967
