Muusikapala analüüs erialade kaupa

Selles artiklis räägime sellest, kuidas muusikakoolis erialatunniks valmistuda ja mida ootab õpetaja õpilaselt, kui määrab kodutööks muusikapala analüüsi.

Niisiis, mida tähendab muusikapala lahti võtmine? See tähendab, et hakata seda rahulikult nootide järgi kõhklemata mängima. Selleks muidugi ei piisa, kui lavastus üks kord läbi vaadata, vaid tuleb midagi läbi töötada. Kust see kõik algab?

Samm 1. Esialgne tutvumine

Kõigepealt peame tutvuma esitatava kompositsiooniga üldiselt. Tavaliselt loevad õpilased kõigepealt lehti – see on naljakas, aga teisalt on see äriline lähenemine tööle. Seega, kui oled harjunud lehti lugema, siis loe need kokku, kuid esialgne tutvus sellega ei piirdu.

Noote sirvides saab ka vaadata, kas teoses on kordusi (muusika graafika sarnaneb päris alguses olevaga). Reeglina esineb enamikes näidendites kordusi, kuigi see pole alati kohe märgatav. Kui teame, et lavastuses on kordus, muutub meie elu lihtsamaks ja tuju paraneb märgatavalt. See on muidugi nali! Sa peaksid alati heas tujus olema!

2. samm. Määrake meeleolu, pilt ja žanr

Järgmisena peate pöörama erilist tähelepanu pealkirjale ja autori perekonnanimele. Ja sa ei pea nüüd naerma! Kahjuks on liiga paljud noored muusikud hämmingus, kui palute neil nimetada, mida nad mängivad. Ei, nad ütlevad, et see on etüüd, sonaat või näidend. Aga sonaate, etüüde ja näidendeid kirjutavad mõned heliloojad ja neil sonaatidel, näidenditega etüüdidel on mõnikord pealkirjad.

Ja pealkiri ütleb meile kui muusikutele, milline muusika on noodi taga peidus. Näiteks saame nime järgi määrata põhimeeleolu, selle teema ning kujundliku ja kunstilise sisu. Näiteks pealkirjade “Sügisvihm” ja “Lilled heinamaal” järgi saame aru, et tegemist on loodusteemaliste teostega. Aga kui näidendi nimi on “Ratsumees” või “Lumetüdruk”, siis on siin selgelt mingi muusikaline portree.

Mõnikord sisaldab pealkiri sageli viidet mõnele muusikažanrile. Täpsemalt saab žanritest lugeda artiklist “Peamised muusikažanrid”, aga vasta nüüd: sõdurimarss ja lüüriline valss pole ju sama muusika, eks?

Märts ja valss on lihtsalt näited žanritest (muide, ka sonaat ja etüüd on žanrid), millel on oma eripärad. Tõenäoliselt on teil hea ettekujutus sellest, kuidas marsimuusika valsimuusikast erineb. Nii et ilma ainsatki nooti mängimata, lihtsalt pealkirja korralikult lugedes, saab juba esitatava teose kohta midagi öelda.

Muusikapala olemuse ja meeleolu täpsemaks määramiseks ning mõne žanritunnuse tunnetamiseks on soovitatav leida selle muusika salvestis ja kuulata seda nootidega või ilma. Samal ajal saate teada, kuidas antud pala peaks kõlama.

3. samm. Muusikateksti elementaarne analüüs

Siin on kõik lihtne. Siin on kolm peamist asja, mida peaksite alati tegema: vaadake võtmeid; määrata tonaalsus võtmemärkide järgi; vaadake tempot ja taktimõõte.

Lihtsalt on selliseid amatööre, isegi kogenud professionaalide seas, kes nii vaatavad kui kritseldavad kõike, aga näevad ainult noote ise, ei pööra tähelepanu ei klahvidele ega siltidele... Ja siis nad imestavad, miks neil seda pole. Sõrmede vahelt ei tule ilusad meloodiad, vaid mingi pidev kakofoonia. Ära tee seda, eks?

Muide, esiteks võivad võtmemärkide järgi tonaalsust määrata sinu enda teadmised muusikateooriast ja kogemused solfedžos ning teiseks sellised kasulikud petulehed nagu kvartoviendiku ring või tonaalsustermomeeter. Liigume edasi.

4. etapp. Mängime tükki nii hästi kui võimalik

Kordan – mängi nii hästi kui oskad, linalt, kahe käega otse (kui oled pianist). Peaasi on jõuda lõpuni ilma millestki ilma jäämata. Olgu vigu, pause, kordusi ja muid tõrkeid, teie eesmärk on kõik noodid lihtsalt rumalalt mängida.

See on nii maagiline rituaal! Juhtum on kindlasti edukas, kuid edu algab alles pärast seda, kui mängite kogu näidendi algusest lõpuni, isegi kui see osutub inetuks. Pole hullu – teine ​​kord on parem!

Kaotada on vaja algusest lõpuni, kuid te ei pea sellega lõpetama, nagu enamik õpilasi teeb. Need “õpilased” arvavad, et nad on just selle näidendi läbi teinud ja ongi kõik, mõtlesid selle välja. Ei midagi sellist! Kuigi isegi üks kannatlik taasesitus on kasulik, peate mõistma, et siit algab põhitöö.

5. samm. Määrake tekstuuri tüüp ja õppige tükk partiidena

Tekstuur on teose esitlemise viis. See küsimus on puhtalt tehniline. Tööd kätega katsudes saab meile selgeks, et tekstuuriga on seotud sellised ja sellised raskused.

Levinud tekstuuritüübid: polüfooniline (polüfoonia on kohutavalt raske, peate mängima mitte ainult eraldi kätega, vaid õppima ka iga häält eraldi); akord (ka akorde tuleb õppida, eriti kui need lähevad kiires tempos); lõigud (näiteks etüüdis on kiired skaalad ehk arpedžod – vaatleme ka iga lõiku eraldi); meloodia + saate (on ütlematagi selge, et me õpime meloodiat eraldi, samuti vaatame saate, mis iganes see ka poleks, eraldi).

Ärge kunagi jätke tähelepanuta üksikute kätega mängimist. Parema käega eraldi ja vasaku käega eraldi mängimine (taaskord, kui oled pianist) on väga oluline. Ainult üksikasjad välja töötades saame hea tulemuse.

Etapp 6. Sõrme- ja tehnilised harjutused

Ilma milleta tavaline, “keskmine” muusikateose analüüs erialal kunagi läbi ei saa, on sõrmede analüüs. Pöidlad kohe püsti (ära anna kiusatusele järele). Õige sõrmitsemine aitab teil teksti kiiremini pähe õppida ja vähemate vahepeatustega mängida.

Määrame õiged sõrmed kõikidesse rasketesse kohtadesse – eriti seal, kus on skaala- ja arpedžotaolisi progressioone. Siin on oluline mõista lihtsalt põhimõtet – kuidas antud lõik on üles ehitatud (millise skaala helide või akordi helide järgi – näiteks kolmkõla helide järgi). Järgmiseks tuleb kogu lõik jagada segmentideks (iga segment – ​​enne esimese sõrme liigutamist, kui me räägime klaverist) ja õppida neid segmente-positsioone klaviatuuril nägema. Muide, nii on teksti lihtsam meelde jätta!

Jah, mis me pianistid üldse on? Ja teised muusikud peavad midagi sarnast tegema. Näiteks puhkpillimängijad kasutavad oma tundides sageli mängu simuleerimise tehnikat – õpivad sõrmitsema, vajutavad õigel ajal õigeid klappe, kuid ei puhu oma pilli huulikusse õhku. See aitab oluliselt toime tulla tehniliste raskustega. Siiski tuleb harjutada kiiret ja puhast mängu.

7. samm. Töötage rütmiga

No ei saa ju tükki vales rütmis mängida – õpetaja ikka vannub, tahad või mitte, pead õppima õigesti mängima. Saame teile nõu anda: klassika – valjuhäälselt loendusega mängimine (nagu esimeses klassis – aitab alati); mängige metronoomiga (seadke endale rütmiline ruudustik ja ärge kalduge sellest kõrvale); vali endale mõni väike rütmiline pulss (näiteks kaheksandik – ta-ta või kuueteistkümnendik – ta-ta-ta-ta) ja mängi kogu pala tundega, kuidas see pulss sellesse tungib, kuidas see täidab kõik märkmed, mille kestus on suurem kui see valitud ühik; mängida rõhuasetusega tugevale löögile; mängida, venitades veidi, nagu elastne riba, viimane löök; ära ole laisk arvutama kõikvõimalikke kolmikuid, täpilisi rütme ja sünkoope.

8. samm. Töötage meloodia ja fraseerimisega

Meloodia tuleb esitada ilmekalt. Kui meloodia tundub teile võõras (mõnede 20. sajandi heliloojate loomingus) – pole midagi, peaksite seda armastama ja sellest kommi tegema. Ta on ilus – lihtsalt ebatavaline.

Teie jaoks on oluline mängida meloodiat mitte helide kogumina, vaid meloodiana, see tähendab tähenduslike fraaside jadana. Vaadake, kas tekstis on fraasiridu – nende põhjal saame sageli tuvastada fraasi alguse ja lõpu, kuigi hea kuulmise korral saate need hõlpsasti oma kuulmisega tuvastada.

Siin võiks veel palju öelda, aga sa ise tead väga hästi, et muusikas kõlavad fraasid nagu inimesed räägivad. Küsimus ja vastus, küsimus ja küsimuse kordamine, küsimus ilma vastuseta, ühe inimese lugu, manitsused ja põhjendused, lühike "ei" ja pikaajaline "jah" – seda kõike leidub paljudes muusikateostes ( kui neil on meloodia). Sinu ülesandeks on lahti harutada, mida helilooja oma teose muusikateksti pani.

Samm 9. Tüki kokkupanek

Liiga palju samme ja liiga palju ülesandeid. Tegelikult ja muidugi te teate seda, et paranemisel pole piire... Kuid ühel hetkel peate sellele lõpu tegema. Kui olete näidendi kallal vähemalt natuke enne selle klassi toomist töötanud, on see hea.

Muusikapala analüüsimise põhiülesanne on õppida seda järjest mängima, nii et teie viimane samm on alati pala kokku panna ja algusest lõpuni mängida.

Sellepärast! Mängime kogu teose algusest lõpuni veel mitu korda! Kas olete märganud, et mängimine on nüüd märgatavalt lihtsam? See tähendab, et teie eesmärk on saavutatud. Võite selle klassi kaasa võtta!

Samm 10. Vigurlendur

Selle ülesande jaoks on kaks vigurlendu: esimene on õppida tekst pähe (ei pea arvama, et see pole päris, sest see on päris) – ja teine ​​on määrata töö vorm. Vorm on teose struktuur. Peamistele vormidele on meil pühendatud eraldi artikkel – “Muusikateose levinumad vormid”.

Eriti kasulik on vormi kallal töötada, kui mängid sonaati. Miks? Sest sonaadivormis on põhi- ja kõrvalosa – kaks kujundlikku sfääri ühes teoses. Peate õppima neid leidma, määrama nende algust ja lõppu ning seostama igaühe käitumist näitusel ja repriisis.

Samuti on alati kasulik tüki arendus- või keskosa osadeks jagada. Ütleme nii, et see võib koosneda kahest või kolmest osast, mis on üles ehitatud erinevate põhimõtete järgi – ühes võib olla uus meloodia, teises – juba kuuldud meloodiate arendus, kolmandas – see võib koosneda tervenisti skaaladest ja arpedžodest, jne.

Niisiis oleme käsitlenud sellist probleemi nagu muusikateose analüüsimine esituse vaatenurgast. Mugavuse huvides kujutasime kogu protsessi ette 10 sammuna eesmärgi poole. Ka järgmine artikkel puudutab muusikateoste analüüsi teemat, kuid teistmoodi – muusikakirjanduse tunniks valmistudes.