Annie Fischer |

Annie Fischer

See nimi on tuntud ja hinnatud nii meil kui ka paljudes maades erinevatel kontinentidel – kõikjal, kus Ungari artist on käinud, kus mängitakse arvukalt tema salvestustega plaate. Seda nime hääldades mäletavad muusikasõbrad seda ainuüksi sellele omast erilist võlu, kogemuste sügavust ja kirglikkust, suurt mõtteintensiivsust, mille ta oma mängu paneb. Nad meenutavad üllast poeesiat ja tunde vahetust, hämmastavat võimet lihtsalt, ilma igasuguse välise mõjuta saavutada esituse haruldane väljendusrikkus. Lõpuks meenutavad nad erakordset sihikindlust, dünaamilist energiat, mehelikku jõudu – just nimelt mehelikku, sest kurikuulus mõiste “naiste mäng” on selle kohta täiesti sobimatu. Jah, kohtumised Annie Fischeriga jäävad mulle tõesti kauaks meelde. Sest tema näo järgi pole me lihtsalt kunstnik, vaid üks kaasaegse etenduskunsti säravamaid isiksusi.

Annie Fischeri pianistioskused on laitmatud. Tema märgiks pole mitte ainult ja mitte niivõrd tehniline täiuslikkus, vaid kunstniku oskus oma ideid hõlpsalt helidesse kehastada. Täpsed, alati kohandatud tempod, terav rütmitaju, muusika sisemise dünaamika ja arenguloogika mõistmine, oskus esitatava teose "vormi voolida" – need on sellele omased eelised täiel rinnal . Lisame siia täisverelise, “avatud” kõla, mis justkui rõhutab tema esitusstiili lihtsust ja loomulikkust, dünaamiliste gradatsioonide rikkust, tämbrisära, puudutuste pehmust ja pedaalimist...

Seda kõike öeldes pole me veel jõudnud pianisti kunsti peamise eristava jooneni, tema esteetikani. Selle tõlgenduste mitmekesisusega ühendab neid võimas elujaatav, optimistlik toon. See ei tähenda, et Annie Fischerile oleks võõras draama, teravad konfliktid, sügavad tunded. Vastupidi, just muusikas, mis on täis romantilist entusiasmi ja suuri kirgi, avaldub tema talent täielikult. Kuid samas on kunstniku mängus alati olemas aktiivne, tahtejõuline organiseeriv printsiip, omamoodi “positiivne laeng”, mis toob endaga kaasa tema individuaalsuse.

Annie Fischeri repertuaar pole heliloojate nimede järgi otsustades kuigi lai. Ta piirdub peaaegu eranditult klassikaliste ja romantiliste meistriteostega. Erandiks on ehk vaid mõned Debussy teosed ja tema kaasmaalase Bela Bartoki muusika (Fischer oli tema Kolmanda kontserdi üks esimesi esitajaid). Kuid teisest küljest mängib ta oma valitud valdkonnas kõike või peaaegu kõike. Eriti õnnestub tal suuremõõtmelised kompositsioonid – kontserdid, sonaadid, variatsioonitsüklid. Äärmiselt väljendusrikkus, elamuse intensiivsus, mis saavutati vähimagi sentimentaalsuse ja maneerideta, tähistas tema tõlgendust klassikast – Haydnist ja Mozartist. Siin pole ainsatki muuseumiäärt, stilisatsiooni “ajastu all”: kõik on täis elu ja samas hoolikalt läbimõeldud, tasakaalustatud, vaoshoitud. Sügavalt filosoofiline Schubert ja ülev Brahms, leebe Mendelssohn ja kangelaslik Chopin moodustavad tema programmide olulise osa. Kuid kunstniku kõrgeimad saavutused on seotud Liszti ja Schumanni teoste tõlgendamisega. Kõik, kes on tuttavad tema klaverikontserdi, karnevali ja Schumanni sümfooniliste etüüdide või Liszti h-mollsonaadi interpretatsiooniga, ei suutnud jätta imetlemata tema mängu ulatust ja värinat. Viimasel kümnendil on nendele nimedele lisandunud veel üks nimi – Beethoven. 70ndatel on tema muusikal Fischeri kontsertidel eriti oluline koht ning tema tõlgendus Viini hiiglase suurtest maalidest muutub sügavamaks ja jõulisemaks. "Tema Beethoveni esitus mõistete selguse ja muusikalise draama edasiandmise veenvuse poolest on selline, mis haarab ja haarab kuulaja koheselt," kirjutas Austria muusikateadlane X. Wirth. Ja ajakiri Music and Music märkis pärast artisti Londoni kontserti: "Tema tõlgendusi motiveerivad kõrgeimad muusikalised ideed ja see eriline tundeelu, mida ta demonstreerib näiteks adagios Pathetique'ist või Kuuvalguse sonaadist, näib. on läinud mitme valgusaasta võrra ette tänastest nootidest.

Fischeri kunstnikukarjäär algas aga Beethoveniga. Ta alustas Budapestis, kui oli vaid kaheksa-aastane. 1922. aastal astus tüdruk esimest korda lavale, esitades Beethoveni esimest kontserti. Teda märgati, ta sai võimaluse õppida kuulsate õpetajate käe all. Muusikaakadeemias olid tema mentoriteks Arnold Szekely ning silmapaistev helilooja ja pianist Jerno Donany. Alates 1926. aastast on Fischer olnud regulaarne kontserttegevus, samal aastal tegi ta oma esimese reisi väljaspoole Ungarit – Zürichi, mis tähistas rahvusvahelise tunnustamise algust. Ja võit esimesel rahvusvahelisel pianistide konkursil Budapestis, F. Liszt (1933), kindlustas tema võidu. Samal ajal kuulis Annie esmakordselt muusikuid, kes jätsid talle kustumatu mulje ja mõjutasid tema kunstilist arengut – S. Rahmaninov ja E. Fischer.

Teise maailmasõja ajal õnnestus Annie Fischeril põgeneda Rootsi ja varsti pärast natside väljasaatmist naasis ta kodumaale. Samal ajal asus ta õpetama Liszti Kõrgemas Muusikakoolis ja sai 1965. aastal professori tiitli. Tema kontserttegevus sõjajärgsel perioodil sai äärmiselt laia haarde ning tõi talle publiku armastuse ja arvukalt tunnustusi. Kolmel korral – aastatel 1949, 1955 ja 1965 – pälvis ta Kossuthi preemia. Ja väljaspool kodumaa piire kutsutakse teda õigustatult Ungari kunsti suursaadikuks.

… 1948. aasta kevadel saabus Annie Fischer esimest korda meie maale vennalikust Ungarist pärit kunstnike rühma osana. Algul toimusid selle rühma liikmete esinemised Raadioringhäälingu ja Helisalvestuse Maja stuudiotes. Seal esitas Annie Fischer ühe oma repertuaari “kroonunumbri” – Schumanni kontserdi. Kõik, kes saalis viibisid või raadiost etendust kuulsid, olid mängu oskuslikkusest ja hingelisest elevust võlutud. Pärast seda kutsuti ta osalema kolonnide saali laval kontserdil. Publik andis talle pika ja tulise ovatsiooni, ta mängis ikka ja jälle – Beethoven, Schubert, Chopin, Liszt, Mendelssohn, Bartok. Nii sai alguse nõukogude publiku tutvus Annie Fischeri kunstiga, mis sai alguse pikaajalisele ja kestvale sõprusele. 1949. aastal andis ta juba soolokontserdi Moskvas ja seejärel esines ta lugematuid kordi, esitades kümneid erinevaid teoseid meie riigi erinevates linnades.

Annie Fischeri tööd on sellest ajast peale pälvinud nõukogude kriitikute suurt tähelepanu, seda on meie ajakirjanduse lehekülgedel juhtivad eksperdid hoolikalt analüüsinud. Igaüks neist leidis tema mängus talle kõige lähedasemad, kõige atraktiivsemad omadused. Ühed tõstsid esile helipaleti rikkust, teised – kirge ja tugevust, teised – tema kunsti soojust ja südamlikkust. Tõsi, siinne imetlus ei olnud tingimusteta. Näiteks D. Rabinovitš, kes hindas kõrgelt tema Haydni, Mozarti, Beethoveni esitust, püüdis ootamatult seada kahtluse alla oma schumanisti maine, avaldades arvamust, et tema mängul "ei ole tõelist romantilist sügavust", et "tema põnevus on puhtalt väline”, ja mastaap muutub kohati eesmärgiks omaette. Selle põhjal järeldas kriitik Fischeri kunsti kahetisest olemusest: koos klassitsismiga on sellele omased ka lüürika ja unenäolisus. Seetõttu iseloomustas auväärne muusikateadlane kunstnikku kui "antiromantilise suuna" esindajat. Tundub siiski, et tegemist on pigem terminoloogilise, abstraktse vaidlusega, sest Fischeri kunst on tegelikult nii täisvereline, et ei mahu lihtsalt mingi suuna Prokruste sängi. Ja võib vaid nõustuda teise klaverimängu tundja K. Adzhemovi arvamusega, kes maalis ungari pianistist järgmise portree: „Annie Fischeri romantilise iseloomuga kunst on sügavalt originaalne ja samas seotud traditsioonidega. pärineb F. Lisztist. Spekulatiivsus on selle teostusele võõras, kuigi selle aluseks on sügavalt ja põhjalikult uuritud autoritekst. Fischeri pianism on mitmekülgne ja suurepäraselt arenenud. Sama muljetavaldav on liigendatud peen- ja akorditehnika. Pianist tunnetab juba enne klaviatuuri puudutamist helipilti ja saavutab seejärel justkui heli skulptuurides ilmeka tämbrilise mitmekesisuse. Otseselt reageerib see tundlikult igale olulisele intonatsioonile, modulatsioonile, rütmilise hingamise muutusele ja selle konkreetsed tõlgendused on tervikuga lahutamatult seotud. A. Fischeri esituses köidavad nii võluv kantileen kui ka oratoorne elevus ja paatos. Kunstniku anne avaldub eriti jõuliselt suurte tunnete paatosest küllastunud kompositsioonides. Tema tõlgenduses avaldub muusika sisemine olemus. Seetõttu kõlavad temas samad kompositsioonid iga kord uutmoodi. Ja see on üks kannatamatuse põhjusi, millega me tema kunstiga uusi kohtumisi ootame.

Need 70ndate alguses öeldud sõnad jäävad paika tänapäevani.

Annie Fischer keeldus kategooriliselt oma kontsertide ajal tehtud salvestisi avaldamast, viidates nende ebatäiuslikkusele. Teisest küljest ei tahtnud ta ka stuudios salvestada, selgitades, et igasugune elava publiku puudumisel loodud tõlgendus oleks paratamatult kunstlik. Alates 1977. aastast töötas ta aga 15 aastat stuudiotes, et salvestada kõik Beethoveni sonaadid – tsükkel, mida talle tema elu jooksul kordagi välja ei antud. Kuid pärast Annie Fischeri surma said paljud selle teose osad kuulajatele kättesaadavaks ja klassikalise muusika tundjad hindasid neid kõrgelt.

Grigorjev L., Platek Ya., 1990