Kuulus helilooja Robert Schumann jättis ajalukku jälje mitte ainult oma teoste näol. Üks tema põhiteoseid oli Code, mis kannab nime Rules for Musicians. Mitu põlvkonda õpetajaid on püüdnud teatud mõtteid oma õpilastele võimalikult arusaadavalt edastada. Kuid kahjuks ei õnnestu see alati. Nagu selgus, on kõik geniaalne klassikute poolt juba enne meid tehtud.
Teos Muusikute elureeglid on kirjutatud aastal 1850. Sellest on möödas üle 150 aasta, kuid need on endiselt aktuaalsed. Nende nõukogude põhiülesanne on õpilase mitmekülgne arendamine, muusikalise tegevuse kõigi aspektide maksimaalne katmine. Käsiraamat on kasulik nii professionaalsetele konservatooriumi lõpetajatele kui ka amatööridele.
Kuidas muusikutele mõeldud reegleid õigesti kasutada
Muidugi ei piisa noorte muusikute reeglite lugemisest. Vaja on kujundada harjumus neid regulaarselt teha. Kuna neid on liiga palju, võite võtta ühe või kaks ja kasutada neid oma mängus. Võite alustada mis tahes järjekorras. Üks neist meeldib teile kõige rohkem ja peate selle aluseks võtma. Järjepidevus on iga töö juures oluline. Nagu varahoidlates endis näidatud, peate tööga lõpuni võitlema. Seetõttu ei saa te poolel teel peatuda ja punktide täitmisest loobuda, kui algajal kitarristil on raskusi.
Millised on siis muusikute reeglid, mis on jäetud Schumanni järglastele? Tutvume igaühega neist üksikasjalikumalt.
Muusikute reeglite loetelu
Kuulmist tuleb arendada juba varakult. Väikese inimese ümber kostab kümneid erinevaid helisid – lindude sirin, vihmahääl. Peate püüdma leida neist kõigist erinevad tämbrid.
Oskuste arendamiseks mängitakse skaalasid ja tehnilisi harjutusi. Siiski ei tohiks te neid lihtsalt mängida seni, kuni olete näost siniseks saanud, vaid peaksite täitma muid ülesandeid. Ühe skaala "mängimisega" te kaugele ei jõua.
Musikaalsuse kujundamiseks on nn vaikne klaviatuur täiesti sobimatu.
Rütmimäng on aluseks igale pürgivale muusikule. Paljud "profid" mängivad nii ebaühtlaselt, et ei taha kuulata.
Harmoonia on iga muusiku alus. Peaksite sellega tutvuma võimalikult varakult.
Hirm muusikaliste terminite ees? Ei, pole kuulnud. Kui näete võõrast sõna, proovige selle tähendusega tutvuda ja mitte vahele jätta.
Ei tasu mõtlematult paeltele koputada – kõige parem on kohe jälgida autori väljamõeldud aktsente ja nimetusi. Ja ka oma tööd lõpuni mängida.
Tempo mittejärgimine (ja selle valesti tõlgendamine) on üks peamisi vigu.
Ärge alahinnake kergeid palasid – need saavad aluseks raskemate esitamisel. Neid tuleks alati mängida kergelt ja iseloomult.
Instrument peab olema hästi häälestatud. Muide, see kehtib ka inimhääle kohta!
Lavastust on vaja pähe õppida mitte ainult sõrmedega. Peab oskama seda ka oma peas mängida. Pealegi ei kõla mitte ainult meloodiline rida, vaid ka harmooniline alus.
Isegi kui sul pole piisavalt arenenud häält, tuleb pilliga kaasa laulda. See arendab teie kõrva.
Tasub arendada sedavõrd, et teost on võimalik esitada ka kuulamata, vaid ainult noodilehelt nähes.
Ärge kartke neid, kes teid kuulavad. Muide, need on muusikute jaoks suurepärased reeglid, sest sageli eksivad algajad esinejad publiku või valikukomisjoni liikme reaktsiooni oodates.
Parim on ette kujutada, et kuulate tõelist meistrit, kes hindab annet.
Kui peate mängima poognast võõrast tükki, siis vaadake alati selle “skeletti” silmadega. Peaksite katma vormi, mis annab teile aimu kõigist teie peas olevatest kildudest.
Kui seda nimetatakse "söömiseks", on parem tunnid tänaseks katkestada. Parem on homset alustada õppimissooviga, kui lahke näoga kõvasti mängida. Kuid ärge kuritarvitage seda reeglit!
Mõned nõuanded muusikutele on ikka aegunud. Või vähemalt muutunud vastuoluliseks. Näiteks mitte mängida moekat kommertsmuusikat (ütleme, et ainult raha teenimise eesmärgil). Parem on pühendada aega tõestatud klassikale.
Ootamatult, aga muusikute elureeglid ristuvad tervislike eluviisidega. Söö kerget ja tervislikku toitu, sest hingetoidul (muusikal) on palju pistmist kehalise toitumisega.
Tehnika ja lõigud lähevad kvantiteedist kvaliteedini. Kuid ainult seal, kus neid tõesti vaja on.
Ärge aidake kaasa muusikalise "nilbe" levikule. Sellest tuleneb nõuanne:
Proovige oma "dieedist" välja jätta muusikaline räbu.
Ärge asetage autori kavatsusele hiilgavat tehnilist esitust. Siiski peab kuulaja ennekõike meeles pidama teose ideed.
Ärge muutke näidendit enda jaoks. Ärge leiutage tarbetuid kaunistusi ja melismaatikat, mis on autoriga vastuolus.
Repertuaari valikul on parem konsulteerida kogenumate kolleegide ja õpetajatega. See kogemus ei pruugi alati olla positiivne, kuid sagedamini säästab see aega.
Meistrite töödega tutvumine peaks toimuma kronoloogilises järjekorras, kuid püüdke katta nende loomingulise tee olulisemad etapid.
Te ei tohiks olla läbi imbunud hingetute virtuooside – “tehnikute” põgusast edust.
Muusika populaarsus on tulemas. Seetõttu ei tohiks püüda tabada hetketrende ja olla hallidele juustele moes.
Regulaarne esinemine avalikus kohas lisab kogemusi. Aga sa ei pea mängima seda, mida häbened.
Kasutage võimalust mängida ansamblis – duett, kvartett, saate lauljale. Kui muusik mängib tandemina, hakkab ta mõistma vormi, loogikat, õpib liikvel olles kohanema.
Orkestri, ansambli "ebaolulistesse" muusikutesse ei tohiks suhtuda põlgusega. Igal osalejal on oluline roll.
Oma pilli armastamine on suurepärane. Kuid ärge unustage teiste olemasolu.
Kui olete muusikuna küps, keskenduge partituuride õppimisele. Iga esineja ammutab teadmisi noodilehelt.
Bachi “HTK” on suurepärane alus kasvavale muusikule. Mängi seda ja sa oled õnnelik.
Õppige oma kaaslastelt.
Telkimine luulekoguga on suurepärane valik!
Vokalistid võivad anda kasulikke teadmisi. Kuid olge nende nõuandeid valides ettevaatlik.
Peaaegu kõik teosed ja "kiibid" leiutati enne teid. Seetõttu ärge olge helilooja kingituse üle liiga uhked, vaid võtke seda sõnumiks ülalt. Ja muidugi – edasta see kuulajale.
Parim “ravim” tärkavale ülespuhutud edevusele on tunnustatud meistrite klassikaliste teoste kuulamine.
Anton Thibaut ja tema muusade puhtus. Kunst on teie tulevane teatmeteos.
Jällegi aegunud reeglid muusikutele, aga täielikkuse huvides anname need ära. Austus orelimuusika, eriti kirikuesinemise vastu. Peaksite proovima kasutada võimalust seda pilli mängida.
Orel on suurepärane instrument heliloomingu selguse harjutamiseks.
Keskmiste häältega kooris laulmine arendab teie professionaalsust. Bassi- ja sopraniliinid on tavaliselt selgelt kuuldavad ja eristatavad. Sama vioola järgimine nõuab arenenud kõrva.
Musikaalsus on nii oskus improviseerida kui ka fraasi lõpuni mängida, isegi kui see unustatakse.
Musikaalsuse arendamine iseendas on üks peamisi ülesandeid. Seda ei saavuta mitte ainult tundidepikkune oskuste tehniline lihvimine, vaid ansamblites osalemine.
Nautige lauluhääle kõla, otsige selles teile tundmatuid värve.
Rahvamuusika on tõeline teadmiste varamu.
Vanade võtmete lugemise harjutamine on hädavajalik.
Suurepärane viis muusikalise mälu treenimiseks on kuulata tähelepanelikult teisi instrumente ja mängida äsja kuuldud meloodiat oma peas.
Ooperimuusika pole mitte ainult ilus, vaid ka kasulik.
Ajaproovitud vana on hea. Kuid ärge jätke tähelepanuta uusi teoseid. Näiteks kirjutavad nad nüüd kitarril suurepäraseid meloodiaid.
Mõned teosed ei ole esimese korraga “välja müüdud”. Seetõttu, kui teile lavastus ei meeldi, ärge kiirustage seda unustama. Võib-olla aja jooksul hakkab see talle meeldima.
Peame püüdma kõrgkunstiga ühineda.
Meloodia ei ole kogu muusika. Tõelised teosed ei koosne ainult lihtsast rütmist ja meloodiast. Harmoonia, dünaamika, vorm on vaid osa komponentidest.
Oma väikeste lugude koostamine on märk headest edusammudest.
Tõeline muusika tuleb hinge sügavusest. Ainult see suudab kuulajat köita.
Nooruslik pilvedes ekslemine on teatud aegadel hea. Kuid te ei tohiks sellesse kuningriiki jääda igaveseks, valdage kindlasti noodikirja.
Dirigeerimine on veel üks kasulik tee. Temaga koos saate õppida metronoomiga mängimist.
Tasub õppida peale muusika ka muid teadusi.
Kunsti jaoks sobivad peaaegu kõik samad moraalinormid.
Kannatlikkust ja töökust – saate aru.
Ära raiska oma annet.
Entusiasm on kunstilise progressi peamine mootor.
Te ei tohiks muusika esitamise kaudu teenimist kohe esikohale seada. Kõigepealt tuleb see selgeks õppida ja ülejäänu järgneb tasapisi.
Ilma vormi uurimiseta on võimatu teoste sisust lõpuni aru saada.
Mitte igaüks ei mõista säravat muusikut. Tõenäoliselt ainult sama kolleeg.
Aerobaatika on teose vaimne esitus selle partituuri kujul.
Teie oskuste täiuslikkus ei ole piiratud.
Järeldus
Paljud neist näpunäidetest on mõeldud akadeemilistele muusikutele. See on tingitud ajastust, mil need kirjutati. Kuid võite saada palju kasulikku teavet kaasaegsele algajale muusikule ja isegi kogenud professionaalile.
