Isaac Stern |
Isaac Stern
Stern on silmapaistev kunstnik-muusik. Viiul on tema jaoks inimestega suhtlemise vahend. Pilli kõigi ressursside täiuslik omamine on rõõmus võimalus anda edasi peenemaid psühholoogilisi nüansse, mõtteid, tundeid ja meeleolusid – kõike seda, millest inimese vaimne elu rikas on.
Isaac Stern sündis 21. juulil 1920 Ukrainas, Kremenets-on-Volyni linnas. Juba lapsekingades sattus ta oma vanemate juurde USA-sse. «Olin umbes seitsmeaastane, kui naabripoiss, mu sõber, oli juba viiulit mängima hakanud. See inspireeris mind ka. Nüüd teenib see inimene kindlustussüsteemis ja mina olen viiuldaja, ”meenutas Stern.
Isaac õppis esmalt ema juhendamisel klaverit mängima ning seejärel õppis San Francisco konservatooriumis viiulit kuulsa õpetaja N. Blinderi klassis. Noormees arenes normaalselt, järk-järgult, sugugi mitte nagu imelaps, kuigi debüteeris orkestriga 11-aastaselt, mängides koos õpetajaga Bachi topeltkontserti.
Palju hiljem vastas ta küsimusele, millised tegurid mängisid tema loomingulises arengus otsustavat rolli:
“Esimesse kohta paneksin ma oma õpetaja Naum Blinderi. Ta ei öelnud mulle kunagi, kuidas mängida, ta ütles ainult, kuidas mitte, ja sundis mind seetõttu iseseisvalt otsima sobivaid väljendusvahendeid ja tehnikaid. Muidugi uskusid minusse ja toetasid mind paljud teised. Andsin oma esimese iseseisva kontserdi viieteistkümneaastaselt San Franciscos ja nägin vaevalt välja nagu imelaps. See oli hea. Mängisin Ernsti kontserti – uskumatult rasket ja seetõttu pole seda kunagi hiljem esitanud.
San Franciscos räägiti Sternist kui uuest tõusvast tähest viiuli taevas. Kuulsus linnas avas talle tee New Yorki ja 11. oktoobril 1937 debüteeris Stern Raekoja saalis. Kontsert ei kujunenud aga sensatsiooniks.
„Minu debüüt New Yorgis 1937. aastal ei olnud hiilgav, peaaegu katastroof. Arvan, et mängisin hästi, aga kriitikud olid ebasõbralikud. Ühesõnaga hüppasin mõnele linnadevahelisele bussile ja sõitsin viis tundi Manhattanilt viimasesse peatusesse, ilma maha tulemata, mõtiskledes dilemma üle, kas jätkata või keelduda. Aasta hiljem astus ta seal taas lavale ega mänginud nii hästi, kuid kriitika võttis mind entusiastlikult vastu.
Ameerika säravate meistrite taustal oli Stern sel ajal kaotamas ega suutnud veel Heifetzi, Menuhini ja teiste "viiulikuningatega" võistelda. Isaac naaseb San Franciscosse, kus ta jätkab tööd endise Menuhini õpetaja Louis Persingeri nõuannete järgi. Sõda katkestab tema õpingud. Ta teeb arvukalt reise USA sõjaväebaasidesse Vaiksel ookeanil ja annab koos vägedega kontserte.
"Arvukad kontsertetendused, mis jätkusid Teise maailmasõja aastatel," kirjutab V Rudenko, "aitasid otsival artistil end leida, leida oma" hääle ", siira, vahetu emotsionaalse väljenduse viisi. Sensatsioon oli tema teine New Yorgi kontsert Carnegie Hallis (1943), pärast mida hakati rääkima Sternist kui ühest maailma silmapaistvamatest viiuldajatest.
Sterni piirab impressaario, ta arendab suurejoonelist kontserttegevust, andes aastas kuni 90 kontserti.
Otsustavaks mõjuks Sterni kui kunstniku kujunemisel oli tema suhtlus silmapaistva Hispaania tšellist Casalsiga. 1950. aastal tuli viiuldaja esmakordselt Pablo Casalsi festivalile Prades'i linnas Lõuna-Prantsusmaal. Kohtumine Casalsiga pööras kõik noore muusiku ideed pea peale. Hiljem tunnistas ta, et ükski viiuldaja ei avaldanud talle sellist mõju.
"Casals kinnitas palju seda, mida ma ähmaselt tundsin ja mille poole alati püüdlesin," ütleb Stern. — Minu peamine moto on viiul muusikale, mitte muusika viiulile. Selle moto realiseerimiseks on vaja ületada tõlgendusbarjäärid. Ja Casalsi jaoks pole neid olemas. Tema näide tõestab, et isegi väljakujunenud maitsepiiridest väljudes pole vaja sõnavabadusse uppuda. Kõik, mida Casals mulle andis, oli üldine, mitte konkreetne. Sa ei saa jäljendada suurt artisti, kuid sa saad temalt õppida, kuidas läheneda esinemisele.
Hiljem osales Prada Stern 4 festivalil.
Sterni esinemise hiilgeaeg jääb 1950. aastatesse. Seejärel tutvusid tema kunstiga kuulajad erinevatest riikidest ja kontinentidelt. Nii tegi viiuldaja 1953. aastal ringreisi, mis hõlmas peaaegu kogu maailma: Šotimaa, Honolulu, Jaapan, Filipiinid, Hongkong, Calcutta, Bombay, Iisrael, Itaalia, Šveits, Inglismaa. Teekond lõpetati 20. detsembril 1953 Londonis esinemisega koos Kuningliku Orkestriga.
"Nagu iga kontsertmängija, juhtus tema lõputute eksirännakutega Sterniga naljakaid lugusid või seiklusi rohkem kui üks kord," kirjutab LN Raaben. Nii avastas ta 1958. aastal Miami Beachil esinemise ajal soovimatu austaja, kes oli kontserdil kohal. See oli lärmakas kriket, mis segas Brahmsi kontserdi esitamist. Pärast esimest fraasi mängimist pöördus viiuldaja publiku poole ja ütles: "Lepingut allkirjastades arvasin, et olen sellel kontserdil ainus solist, kuid ilmselt oli mul rivaal." Nende sõnadega osutas Stern laval kolmele potipalmile. Kohe ilmusid kolm saatjat ja kuulasid tähelepanelikult palmipuid. Mitte midagi! Muusikast inspireerimata kriket vaikis. Kuid niipea, kui artist mängu jätkas, jätkus kohe duett kriketiga. Ma pidin kutsumata "täituri" evakueerima. Peopesad võeti välja ja Stern lõpetas kontserdi rahulikult, nagu alati äikeselise aplausi saatel.
1955. aastal abiellus Stern endise ÜRO töötajaga. Nende tütar sündis järgmisel aastal. Vera Stern saadab abikaasat sageli tema ringreisidel.
Arvustajad ei andnud Sternile palju omadusi: "peen artistlikkus, emotsionaalsus koos rafineeritud maitse ülla vaoshoitusega, poogna fenomenaalne meisterlikkus. Tema mängus torkavad silma ühtlus, kergus, poogna "lõpmatus", piiramatu helide ampluaa, suurepärased, mehelikud akordid ja lõpuks uskumatult palju imelisi lööke, alates laiast distantsist kuni suurejoonelise staccatoni. Löömine on Sterni oskus pilli tooni mitmekesistada. Ta teab, kuidas leida unikaalset kõla mitte ainult erinevate ajastute ja autorite kompositsioonidele, vaid ühe teose sees “kehastub” tema viiuli kõla tundmatuseni.”
Stern on eeskätt laulusõnade autor, kuid draama ei olnud tema mängule võõras. Ta avaldas muljet esitusliku loovuse ulatusega, ühtviisi kaunis nii Mozarti tõlgenduse peenes elegantsis, Bachi pateetilises “gootikas” kui ka Brahmsi dramaatilistes kokkupõrgetes.
"Ma armastan eri maade muusikat," ütleb ta, "klassikat, sest see on suurepärane ja universaalne, kaasaegsed autorid, sest nad ütlevad midagi nii mulle kui ka meie ajale, armastan ka nn "häkistatud" teoseid, nagu Mendelssohni kontserdid ja Tšaikovski.
V. Rudenko kirjutab:
“Hämmastav loomingulise transformatsiooni võime võimaldab Sternil kunstnikul mitte ainult stiili “kujutada”, vaid selles kujundlikult mõelda, mitte tundeid “näidata”, vaid väljendada muusikas täisverelisi ehedaid elamusi. Selles peitubki kunstniku modernsuse saladus, kelle esituslaadis näivad olevat sulandunud esituskunst ja kunstikogemuse kunst. Instrumentaalse eripära orgaaniline tunnetus, viiuli loomus ja sellel alusel tekkiv vaba poeetilise improvisatsiooni vaim võimaldavad muusikul täielikult alistuda fantaasialennule. See köidab alati, köidab publikut, tekitab selle erilise elevuse, publiku ja artisti loomingulise kaasamise, mis valitseb I. Sterni kontsertidel.
Isegi väliselt oli Sterni mäng erakordselt harmooniline: ei mingeid järske liigutusi, nurgelisust ega “tõmblevaid” üleminekuid. Võis imetleda viiuldaja paremat kätt. Vibu “haare” on rahulik ja enesekindel, omapärase vibu hoidmise maneeriga. See põhineb küünarvarre aktiivsetel liigutustel ja õla säästlikul kasutamisel.
„Muusikalised kujundid peegeldavad tema tõlgenduses peaaegu käegakatsutavat skulpturaalset reljeefi,” kirjutab Fikhtengolts, „aga vahel ka romantilist kõikumist, tabamatut varjundirikkust, intonatsioonide „mänge”. Näib, et selline iseloomustus viib Sterni eemale modernsusest ja sellest “erilisest”, mis on talle iseloomulik ja mida varem polnud. Emotsioonide “avatus”, nende edasikandumise vahetus, iroonia ja skeptitsismi puudumine olid pigem iseloomulikud romantiliste viiuldajate möödunud põlvkonnale, kes tõi meieni veel XNUMX. sajandi hõngu. See pole aga nii: „Sterni kunstis on silmapaistev modernsustunne. Muusika on tema jaoks elav kirgede keel, mis ei takista valitsemast selles kunstis, millest Heine kirjutas, ühtsust – ühtsust, mis eksisteerib “entusiasmi ja kunstilise terviklikkuse vahel”.
1956. aastal tuli Stern esimest korda NSV Liitu. Seejärel külastas kunstnik meie riiki veel mitu korda. K. Ogijevski rääkis elavalt maestro ringreisist Venemaal 1992. aastal:
“Isaac Stern on suurepärane! Tema viimasest ringreisist meie maal on möödas veerand sajandit. Nüüd on maestro üle seitsmekümne ja viiul tema lummavates kätes laulab endiselt noorena, paitades kõrva heli rafineeritumalt. Tema teoste dünaamilised mustrid hämmastab oma elegantsi ja mastaapsust, nüansside kontrastsust ja heli maagilist “lennutamist”, mis tungib vabalt ka kontserdisaalide “kurtide” nurkadesse.
Tema tehnika on endiselt veatu. Näiteks “helmestega” figuratsioonid Mozarti kontserdis (G-dur) või grandioossed lõigud Beethoveni kontserdist Stern esitavad laitmatu puhtuse ja filigraanse säraga ning tema käeliigutuste koordinatsiooni võib vaid kadestada. Maestro jäljendamatu parem käsi, mille eriline painduvus võimaldab säilitada helirea terviklikkust poognavahetusel ja keelpillide vahetamisel, on endiselt täpne ja enesekindel. Mäletan, et Sterni “vahetuste” fantastiline silmapaistmatus, mis tekitas professionaalides rõõmu juba tema eelmiste külaskäikude ajal, pani mitte ainult muusikakoolide ja kõrgkoolide, vaid ka Moskva konservatooriumi õpetajad kahekordistama oma tähelepanu sellele kõige keerulisemale elemendile. viiuli tehnikat.
Kuid kõige hämmastavam ja tundub, et uskumatu on Sterni vibrato seisund. Teatavasti on viiulivibratsioon delikaatne asi, mis meenutab imelist maitseainet, mille esitaja oma maitse järgi “muusikaroogadele” lisab. Pole saladus, et viiuldajad, nagu ka vokalistid, kogevad oma kontserditegevuse lõpuaastatel sageli oma vibrato kvaliteedis pöördumatuid muutusi. See muutub halvasti juhitavaks, selle amplituud tahes-tahtmata suureneb, sagedus väheneb. Viiuldaja vasak käsi, nagu lauljate häälepaelad, hakkab elastsust kaotama ja lakkab allumast artisti esteetilisele “minale”. Vibratsioon näib olevat standardiseeritud, kaotab oma elavuse ja kuulaja tunnetab heli monotoonsust. Kui usute, et Jumal on kinginud ilusa vibratsiooni, selgub, et aja jooksul võtab Kõigevägevamal heameele oma kingitused tagasi. Õnneks pole sellel kõigel kuulsa külalisesineja mänguga mingit pistmist: Jumala kingitus jääb talle. Pealegi tundub, et Sterni kõla õitseb. Seda mängu kuulates meenub legend vapustavast joogist, mille maitse on nii meeldiv, lõhn nii aromaatne ja maitse nii magus, et tahaks aina rohkem juua ja janu ainult süveneb.
Need, kes on Sterni viimastel aastatel kuulnud (nende ridade autoril oli õnn osaleda kõigil tema Moskva kontsertidel), ei patusta tõe ees, kui räägivad Sterni talendi jõulisest arengust. Tema mäng, mis on heldelt õhutatud isiksuse võlu ja võrratu siirusega, tema kõla, justkui kootud vaimsest aukartusest, mõjub hüpnootiliselt.
Ja kuulaja saab hämmastava vaimse energia laengu, tõelise õilsuse tervendavaid süste, kogeb loomeprotsessis osalemise fenomeni, olemisrõõmu.
Muusik on filmides mänginud kaks korda. Esimest korda mängis ta kummituse rolli John Garfeldi filmis “Humoresk”, teist korda – Eugene Ysaye rolli filmis “Täna me laulame” (1952) kuulsast Ameerika impressaario Yurokist.
Sternit eristab inimestega suhtlemise lihtsus, lahkus ja vastutulelikkus. Suur pesapallifänn jälgib spordiuudiseid sama kadedalt kui muusika uusimaid uudiseid. Kuna ta ei saa oma lemmikmeeskonna mängu jälgida, palub ta tulemusest kohe teada anda, kasvõi kontsertidel.
"Ma ei unusta kunagi üht: pole esinejat, kes oleks muusikast kõrgem," ütleb maestro. – See sisaldab alati rohkem võimalusi kui kõige andekamad kunstnikud. Seetõttu juhtubki, et viis virtuoosi suudavad üht ja sama muusikalehte tõlgendada täiesti erinevalt – ja nad kõik osutuvad kunstiliselt võrdseteks. On aegu, mil tunned käegakatsutavat rõõmu, et oled midagi ära teinud: see on suur imetlus muusika vastu. Et seda proovile panna, peab esineja oma jõudu säästma, mitte lõpututel esinemistel üle kulutama.
